В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte - «мёртвая природа») принято называть изображение неодушевлённых предметов, объединённых в единую композиционную группу. Для многих привычней немецкий или английский вариант обозначения still life и still leben (тихая жизнь). С голландского языка название данного жанра переводится как « тихая жизнь», на взгляд множества художников и галеристов это наиболее отчётливое выражение содержания жанра, но такая уж мощь традиции, что именно «натюрморт» - это общеизвестное и укоренившееся название. Натюрморт пожалуй может принимать как самостоятельное значение, так и являться частью композиции жанровой картины. В нём выражается отношение жителя нашей планеты к находящемуся вокруг миру. В нём раскрывается то осознание великолепного, которое присуще живописцу как человеку своего времени.

Натюрморт как жанр живописи можно именовать творческой лабораторией живописи, так как он считается и деталью и первым шагом станкового умения. В нем максимально раскрываются пластические и колористические способности художника, выявляются необыкновенности его мышления. Данный жанр имеет большое количество многофункциональных отличительных черт, временами его называют камерной музыкой живописи. Натюрморт применяют как учебную постановку, первичную стадию исследования натуры в период ученичества.

Умелый живописец часто использует натюрморт, как выразительную этюду с натуры. Натюрморт, как не один из жанров живописи предполагает характеристику стольких способностей для занятий формальными выразительными исканиями. Он помимо прочего готов стать самостоятельной картиной, со своей точки зрения раскрывающей постоянную тему искусства - тему бытия человека. Такое разнообразие натюрмортного жанра и обращает живопись неодушевлённых предметов в сферу поиска не только форм и содержания, но и в поиск осознания и ощущения жизни, собственного взгляда живописца на находящееся вокруг, выработку собственного стиля.  Мир вещей в натюрморте практически постоянно призван раскрыть их беспристрастное своеобразие, неподражаемые свойства и красоту. В большинстве случаев, используют человеческий мир, выражающий мысли и чувства, отношение к жизни людей определённого общества.

 В натюрморте художник не просто описывает предмет, он выражает своё представление реальности, решает разнородные эстетические задачи.  Натюрморт до глубины души оказывает влияние на зрителя, он вызывает ассоциативные представления и мысли в период восприятия неодушевлённых вещей, за коими показываются люди определённых нравов, мировоззрений, разных эпох и так далее. Воздействие натюрморта зависит сначала от правильно подобранной и верно раскрытой темы, также от отличительных черт творческой особенности какого-нибудь живописца.

Натюрморт служит специфической творческой лабораторией, где живописец ставит и решает разные профессиональные задачи, улучшает умение. Данный жанр имеет немало многофункциональных отличительных черт. Его применяют как учебную постановку, первичную стадию исследования натуры в период ученичества. Умелый живописец часто обращается к натюрморту как к выразительному этюду с натуры. Натюрморт, как не один из жанров живописи предполагает характеристику стольких способностей для занятий формальными выразительными исканиями. Он помимо прочего может стать самостоятельной картиной, со своей точки зрения раскрывающей постоянную тему искусства - тему бытия человека.  Такое разнообразие натюрмортного жанра и обращает живопись неодушевлённых предметов в сферу поиска не только форм и содержания, но и в поиск осознания и ощущения жизни, собственного взгляда живописца на находящееся вокруг, выработку собственного стиля. Натюрморт более чем какой-либо иной жанр ускользает от словесных описаний; натюрморт нужно пристально наблюдать, осматривать, погружаться в него, ибо он обучает постигать непосредственно живопись, восторгаться его  мощью, красотой, глубиной - лишь так постигается подлинное содержание каждой картины, её образ. Натюрморт выделяется особенными принципами возведения композиции при всем отличии исторических и персональных форм данного жанра на различных шагах его развития. Вещи тут взяты традиционно вблизи, и взор имеет возможность их словно чувствовать, оценить для начала их фактически материальные свойства - их рельеф и фактуру поверхности, пластику форм, составные части, тяжесть, также их взаимодействие со средой - их жизнь в среде. Масштаб композиции в натюрморте ориентирован традиционно на размер комнатной небольшой вещи, откуда эта интимность натюрморта в сравнении с иными жанрами. При всем этом сама форма натюрморта глубоко и содержательна, многосложна, многоярусна: структура натюрморта, характер трактовки, постановка, позиция, состояние, выбор, составляющие традиции и другие.

Своеобразие работы над натюрмортом состоит кроме всего прочего в том, что его трудно ставить и писать в всевозможных условиях; в помещении при дневном и искусственном освещении, на открытом воздухе. При всем многообразии, очень большом числе формы разновидности натюрморт остаётся «малым жанром», хотя конкретно этим и значим, так как направляет живопись, прежде всего к себе самой и её постоянным ценностям и дилеммам.

1.2. История натюрморта как жанра.                                                           История возникновения  масляной живописи

В натюрморте, как и в других жанрах изобразительного искусства, установились свои традиции, выработались свои каноны. И, тем не менее, в ряду жанровой иерархии он был всегда низшим жанром. Периоды расцвета натюрморта, как и его забвения, имели свои исторические предпосылки. Каждый век выдвигал своих живописцев натюрморта, в их работах воплотились художественные идеалы времени, неповторимость и выразительность пластических средств, присущих определённой исторической эпохе, так и индивидуальности отдельных художников. Натюрморт является наилучшим средством изучения законов формы, освещённости и цвета.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, который рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной темой, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто размещаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке большой распространённостью являлась традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). В эпоху творчества голландских и фламандских художников XVII в. натюрморт окончательно формируется в качестве самостоятельного жанра живописи.

В истории становления натюрморта выделяются основные и значимые моменты становления этого жанра:

В XVII веке в Голландии появляется «чистый» натюрморт. Предметы становятся осязаемыми, зритель как будто чувствует запах и вкус фруктов и вина. Главным мотивом становится изобилие.

Следующий виток к развитию натюрморта даёт период романтизма. Художник передаёт состояние своих героев с помощью предметов, точную характеризуя место и время действия.

Середина XIX века отличается появлением импрессионизма - «впечатление». Художники, создающие цветочные композиции, воплощают в них идею единства природы. В срезанных растения не нет мёртвой застылости, это живая природа, постоянно изменчивая субстанция. Колебание цвета, света и тени, вибрация воздуха и материи - все это становится предметом живописного искусства, который является лишь поводом для создания этой симфонии жизни.

Далее, такое веяние как экспрессионизм уплощает пространство, линии приобретают все большую роль. Осязаемость становится второстепенной, а границы жанров постепенно стираются. Портрет, порой, можно назвать натюрмортом и наоборот. Человек является таким же объектом, как и любой другой бытовой предмет.

Абстракционисты обращаются к беспредметной живописи, кубисты видоизменяют, словно разрезая и выворачивая предметы. Футуристы же наоборот, подчёркивают материальность. Так в течение XX века в американском и европейском искусстве происходит полное стирание границ стилей и жанров.

История развития натюрморта в России

Как самостоятельный жанр живописи, натюрморт появился в России в начале XVIII века. Первоначально нём были отображены дары земли и моря, разнообразие мира вещей, окружающих человека. В отличие от портрета и исторической картины, до конца XIX века натюрморт рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он чаще всего существовал как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

 Развитие живописи в России имеет свои этапы. Семь веков с десятого по семнадцатый длилась величественная эпоха древнерусского искусства. Но только на рубеже XVII-XVIII веков следует значительный перелом в сторону развития светского искусства в России. Все это происходит благодаря реформам Петра I в области культуры и искусства.

Такие веяния как приглашение иностранных художников в Россию для работы над произведениями искусства и обучения молодых                            русских художников. Не менее важным было обучение                              талантливых молодых художников за границей. А так же приобретение за рубежом произведений искусства.

В развитии русского искусства XVIII век необычайно важен. Бурно развивается наука, культура, просвещение становится светским, развивается светское искусство, которое стремится передать действительность: образы современников, важные события.

Развитие изобразительного искусства первой половины XIX века знаменуется усиливающимся интересом к народной жизни. Среди мастеров первой трети XIX века выделяется Венецианов А.Г. (1780-1847), которому принадлежит особенно значительное место. Хотя справедливости ради нужно отметить, что отдельно натюрморты Венецианов не пишет.                 Он использует их как дополнение картины.

Одним из основоположников жанра натюрморта в России стал Хруцкий Иван Фомич (1810-1885). Главным достижением стали созданные им замечательные натюрморты, положившие начало развитию этого жанра в русском искусстве. В творчестве русских реалистов начиная с середины, и до конца XIX столетия натюрморт был явлением редким.

С начала ХХ века в русской натюрмортной живописи вновь наступил расцвет. Жанр впервые обрёл равноправие. Стремление живописцев сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции для расширения возможности изобразительного языка. Обогащённый новыми темами, художественными приёмами и образами, русский натюрморт развивался довольно быстро: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества. На границе прошлого и нынешнего веков, данный жанр стал художественным явлением мирового значения.

Не смотря на то, что в 30-40-е годы ХХ столетия развитие жанра приостановилось, с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъём. С этого момента твёрдо и окончательно встаёт вровень с другими жанрами. Особенный интерес к натюрморту в русской живописи пробуждается в восьмидесятых годах. Одно из главных мест занимают здесь произведения И. И. Левитана (1860 - 1900). Работы этого художника, ещё традиционны: букеты изображены на нейтральном фоне, изолированы от окружающего их пространства комнаты. Но не смотря на то, что работы не велики по размеру, скромны по замыслу, задача здесь ясна и проста: по возможности более убедительно передать неповторимую прелесть выбранной натуры. Однако в эти годы и в творчестве К.К. Коровина                   (1861-1939) и В.А. Серова (1865-1911) ощущаются новые веяния.

Особенность новых тенденций в живописи можно охарактеризовать, как стремление художников связать сюжет и живопись натюрморта с окружающей средой. Его выносят на пленэр, связывая с пейзажем или же, наоборот, органично соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте добиваются видения отражения мироощущения конкретного человека, его жизненного уклада и настроения. Существует бесчисленное множество великих русских художников, проявивших себя в этом жанре. Однако натюрмористов принято считать некоторых из них: Хруцкий И.Ф (1810-1885), Грабарь И.Э. (1871-1960), Кончаловский П.П. (1876-1956), Альберти П.Ф. (1913-1994), Антипова Е.П. (1917-2009), Захаров С.Е. (1900-1993), Копытцева М.К. (1924-2005), Котьянц Г.В. (1906-1996), Крестовский Я.И. (1925-2003), Осипов С.И. (1915-1985), Позднеев Н.М. (1930-1978), Румянцева К.А. (1925-2002), Скуинь Е.П. (1909-1986), Стожаров В. Ф.(1926–1973), Тетерин В.К. (1922-1991), Шаманов Б.И. (1931-2008).                                                                            

 Вглядываясь в натюрморты русских художников, нельзя не заметить, как по-разному подходили они к своей задаче, и это ощутимо даже в характере изображения отдельных предметов.

История развития масляной живописи

Масляная живопись - разновидность живописной техники, основанная на применении растительных масел в качестве основного связующего ингредиента, а так же на определённых приёмах работы с красками. Масляная живопись обладает особыми возможностями непосредственного выражения авторского замысла, настроения, внутренних чувств. В данном виде живописи в большей степени, чем в других техниках достигается на плоскости зрительной иллюзии, объёма и пространства, глубины тона и богатых цветовых эффектов , выразительности и динамики письма.

Применяемые в живописи маслом художественные приёмы очень богаты и разнообразны. Современная живопись маслом позволяет написать оригинальные картины, сделавшие творчество художника почти бессмертным. Техника и последовательность письма масляными красками основаны на использовании большого количества материалов и пособий.

До наших времён не существует единого мнения о том, когда появилась масляная живопись как таковая. Исторические сведения о масляной живописи можно встретить в античных и средневековых манускриптах. В первой трети XV века, после усовершенствования, развивается станковая масляная живопись. Вазари называет основоположником масляной живописи нидерландского художника Яна ван Эйка - мастера первой половины XV века. Однако некоторые учёные указывают, известность масляных красок и лаков в более раннее времена в Европе, и в Азии (в Китае). Но, несмотря на это, именно с Яна ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия. Известно так же, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от Яна ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками. Но настоящее развитие данная живопись получает в Италии только в конце XV века, после привоза в Венецию рецепты нидерландского живописца Антонелло да Мессина.

В XV веке масляные краски были освоены таким художником, как Пьеро дела Франческа (1410-1492), ранние работы которого выполнены преимущественно яичной темперой. В Венеции Джованни Беллини              (ок.1430-1516) достойно оценил глубину и насыщенность тонов,                                доступных в масляной живописи. Его работа над картиной начиналась                     с темперного подмалёвка – рисунка в манере перекрёстно-параллельных штрихов. На последующих этапах применяемые масляные                              краски    придавали изображению почти осязаемый объём. Среди других               художников, применяемых данный метод, были Перуджино                   (ок.1445/50-1523) и Рафаэль (1483-1520).

Уже к первому десятилетию XVI века в Италии масляные краски повсеместно утвердились в качестве основного художественного средства.

В творчестве таких венецианских художников, как Тициан (1476/77 или 1480-е годы) и Тинторетто (1518-1594), прослеживается более свободное отношение как к самой композиции, так и к средствам выражения. Письмо художниками только масляными красками, во многом определило новую раскрепощённую манеру.

К XVII веку среди живописцев вошёл в моду лаконичный стиль письма по тонированной основе (имприматуре), которая служила средними тонами. Светлые части писали кроющими красками, а для теней использовали тонкие лессировочные слои красок. Такие художники как Караваджо (1571-1610) и Веласкес (1599-1660) придерживающиеся разных стилей применяли имприматуры, чтобы подчеркнуть особо контрастные участки и добиться впечатляющих эффектов освещения. Рембрандт (1606-1669) часто использовал двойную грунтовку, в которой нижним слоем был красный болюс (вид глины), или красная охра, а верхним – краска серого или коричневого оттенка. Подобным образом работал и Рубенс (1577-1640).  Он часто тонировал белый грунт холста слоем желтовато-коричневой краски. Такой способ позволял художнику работать более свободно, придавая его почерку дополнительную силу и выразительность.

На протяжении XIX столетия многими художниками были отвержены узкие рамки традиционной академической школы, они обратились к пленэрной пейзажной живописи. Эта тенденция в сочетании с новыми идеями о цвете и, кроме того, изобретениями новых красителей дала импульс развитию нового движения, известного как импрессионизм. Такие живописцы, как Моне (1840-1926) и Ренуар (1841-1919), создавали полотна, характеристики которых не уступали шедеврам прошлого, но отличались новизной манеры и живописной непосредственности. Творческое видение автора стало неотъемлемой частью работы. Цвет, стал центром внимания, к тому же художникам стали доступны новые красящие вещества, и в связи с этим более широкая гамма насыщенных основных и дополнительных цветов.

В XX столетии масляные краски применялись в самых разнообразных творческих манерах и жанрах, и их роль как одного из главнейших средств живописи снова возросла.