Материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления пользователям Интернета и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав.
© 2018 - 2024
Великая Французская революция (1789-1799), уничтожившая монархию и установившая республику, надолго определила пути развития европейской культуры XIX века.
Главным открытием века стало осознание неповторимой ценности человеческой личности. Художник особо чувствует разлад между собственной душой и остальным миров. Не случайно в XIX в. расцветают наиболее лиричные, интимные виды искусства, где зритель как бы остается наедине с автором - живопись, музыка и художественная литература, а искусства, адресованные многим, например, архитектура, переживают кризис.
В искусстве I половины XIX в. соперничали 2 направления - неоклассицизм и романтизм.
Расцвет НЕОКЛАССИЦИЗМА пришелся на годы Великой Французской революции и период правления Наполеона I (1799-1815). Этот стиль господствовал в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве на протяжении первых 3-х десятилетий. Для людей того времени жизнь древних греков и римлян была идеалом красоты и моделью мира, который они пытались построить.
Новое направление в европейской культуре - РОМАНТИЗМ - выражало взгляды молодого поколения рубежа ХУШ-Х1Х в., испытавшего разочарование в идеалах Просвещения и Революции. Мир романтизма таинственен и противоречив. Основное в романтическом произведении - чувства и фантазия автора. Для художника-романтика не было законов в искусстве. Все, что он создавал, рождалось в глубине души. Главное - искренность художественного языка, верность себе. Часто произведения романтиков шокировали публику своей небрежностью, незавершенностью. Французский живописец Эжен Делакруа, лидер романтизма, утверждал, что искусство «дает только намек, является лишь мостом между душою художника и душою зрителя».
АРХИТЕКТУРА
В 1 половине XIX в. в Европе развернулось грандиозное строительство. Большинство европейских столиц приобрели свой характерный облик. Усиливается роль общественных зданий.
Неоклассицизм в I половине XIX в. пережил поздний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Под влиянием романтического увлечения стариной возрождаются традиции архитектуры прошлого - НЕОготика, НЕОренесанс, НЕОбарокко. Усилия зодчих часто приводили к ЭКЛЕКТИЗМУ - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым.
Архитектура Франции
Неоклассицизм времен Наполеона I получил название АМПИР (от фр.- империя). Он должен был символизировать величие и могущество державы, созданной Бонапартом. (Этот стиль получил широкое распространение и в декоративно-прикладном искусстве, например, в интерьере комнат, при изготовлении мебели).
Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала (Конструкция Парижа). Были разбиты новые площади, улицы, поставлены монументы, прославляющие победы императорской армии. В основу многих таких монументов легли известные древнеримские памятники.
Триумфальная арка Великой армии (1806-1837 г., арх. Жан Франсуа Шальгрен) была заложена на площади Звезды по приказу императора в честь его победы при Аустерлице в 1805 г. над войсками Австрии и России. Однопролетная арка высотой 50 м, шириной около 4,5 м и ныне великолепно просматривается из разных частей города. Ее пилоны (массивные столбы перекрытий) украшены рельефами.
Архитектура Англии
В архитектуре Англии еще в XVIII в. утвердился неоготический стиль. Одним из самых впечатляющих его примеров - ансамбль Парламента в Лондоне (Архитектор Чарл Бэрри), который строили с 1840 по 1868г. Башни разной высоты делают силуэт Парламента ассиметричным; самая высокая из них - Виктория - достигает 103 м, а часовая - почти 100. На Часовой башне установлены знаменитые часы Биг Бен с колоколом весом 14 тонн. В здании 100 комнат, коридоры имеют протяженность 4 км (интерьеры здания украшены статуями (их более 500 шт.), фресками, мозаикой, витражами).
Архитектура Германии
Крупнейшим центром зодчества был Берлин, а выдающимися архитекторами К.Ф.Шинкель и Ф.К.Л. фон Кленце . По проектам ШИНКЕЛЯ
построены берлинский Драматическим театр (1819-1821), Старый музей (1824-28), строительная академия (в которой он определил прообраз архитектуры будущего). Творчество фон КЛЕНЦЕ обращено в прошлое. Каждая его построенная вариация на тему того или иного исторического стиля. Коллекции произведений скульптуры в Мюнхене выдержано в стиле древнегреческого зодчества, а фасад старой пинакотеки (1826-36 г.) - картинной галереи, где собраны работы старых мастеров, - повторяют стиль итальянских архитекторов эпохи Возрождения. В 1830-42 г. по его проекту был возведен памятник Валгалла (по названию загробной обители павших воинов в древнегерманской мифологии) близ Регенсбурга. Он был задуман как пантеон немецкого народа. В центре мемориала - здание из серого мрамора в виде античного храма, где помещены бюсты 163 знаменитых немцев.
Будучи европейской знаменитостью, Лео фон Кленце выполнял заказы для иностранных государств. Для российского императора Николая I он выполнил проект здания Нового Эрмитажа в Санкт-Петербурге в 1839 г.
СКУЛЬПТУРА
Европейская скульптура в начале XIX в. пережила краткий период расцвета, который уже в 20-е годы сменился упадком и застоем. Господствующим стилем оставался НЕОклассицизм. Интерес к искусству Древней Греции и Рима был повсеместным, а обладание прославленными античными шедеврами стало важным вопросом международной политики.
РОМАНТИЗМ привнес в скульптуру интерес к личности, в результате чего в европейских городах 20-30 г. появились многочисленные памятники великим людям прошлого.
АНТОНИО КАНОВА (1757-1822) - виднейший итальянский скульптор XIX века, работавший в стиле неоклассицизма: «Орфей и Эвридика», «Дедал и Икар», «Эрот, слетающий к Психее», «Геракл и Лихас». По заказу Наполеона во Франции Канова выполнил ряд изображений императора и его близких: сестра Наполеона изображена в виде Венеры, получившей от Париса золотое яблоко.
Датский скульптор БЕРТЕЛЬ ТОРВЛДСЕН (1768 или 1770-1844), получивший образование на родине и в Риме, сумел в своих статуях передать величие античной пластики - «Ясон», «Венера с яблоком». Для церкви Богоматери в Копенгагене он создал статуи Христа, Иоанна Крестителя, рельефы «Вход в Иерусалим» и «Шествие на Голгофу». Начиная с 20-х годов, прославленный скульптор выполняет заказы на памятники для разных городов Европы: астронома Николая Коперника для Кракова в Польше; поэта Джорджа Байрона для Кембриджа в Англии и др. Все они выполнены в традиционной манере, за исключением памятника швейцарским гвардейцам «Раненый лев» (Люцерн, Швейцария).
ГОТФЛИД фон ШАДОВ (1764-1850) - немецкий скульптор, глава Берлинской академии художеств. Прославился памятниками выдающимся немецким деятелям: фельдмаршалу Блюхеру, писателю Виланду, поэту Гете и др.
ЖИВОПИСЬ
Живопись стала главным видом искусства XIX ст., т.к. сумела передать многообразие впечатлений от жизни, которая менялась буквально на глазах.
ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ
ФРАНЦИСКО ГОЙЯ (1746-1828) - выдающийся художник не только испанского, но и мирового искусства. В его творчестве, как в зеркале, отразилась история Испании его времени.
Родился близ г. Сарагоса в семье ремесленника - позолотчика алтарей. Живописи обучался в родном городе, затем в Мадриде и в Италии, после чего вернулся в Сарагосу и делал росписи в местных церквах и дворцах. В 1775 г. поселяется в Мадриде, по заказам королевской шпалерной мануфактуры он создает картины для шпалер, на которых изображает сцены из испанской жизни: «Зонтик», «Мадридский рынок». Его работы – это мир, залитый солнцем, счастливый и естественный. Во 2-йполовине 80-х годов Гойя был уже признанным мастером, получил звание придворного художника. Но блестящая карьера длилась не долго. В 1792г. у него ослабло зрение, начались сильнейшие головные боли, он полностью оглох. С 90-х годов начинается новый период его творчества. Вместо веселого живописца появляется страдающий, замкнутый в себе мастер, остро видящий чужое горе.
В 1797-98 г. появляется знаменитая графическая серия «Капричос» ( «игра воображения») из 80-ти офортов. В ней Гойя, используя образы испанских народных пословиц, басен, поговорок, высмеивал людские пороки и суеверия - трусость, лицемерие и т.д. В его офортах реальное сплетается с фантастическим, гротеск – с карикатурой. Каждый лист серии - это законченное произведения из рисунка и авторского комментария к нему: «Когда рассветет, мы уйдем» (колдуны, бесы темной ночью); «Какой златоуст» (духовенство в образах ослов, попугаев, обезьян). Офорты Гойи раскрывают тему борьбы со злом, причем зло торжествует. Эта серия приобрела невероятную популярность среди романтиков, ее неоднократно копировали.
Романтическая любовь Гойи к Каэтане Альбе, одной из знатнейшей женщины Испании, отразилась в его творчестве. Он написал несколько портретов, сделал множество рисунков очаровательной Альбы, которую его друг и поэт Хуан Мелендес-Валъди назвал в стихах испанской Венерой. Самыми знаменитыми ее изображениями стали «Одетая Маха» и «Обнаженная Маха» (махо и махи - молодые мужчины и женщины, принадлежавшие к городскому простонародью). Они вели себя свободно, не подчиняясь правилам благочестивой скромности, установленной церковью.
В начале XIX в. в Испании происходят бурные политические события: оккупация войсками Наполеона, изгнание короля Фердинанда VII, первая и вторая революции. Все это надолго приковало к себе внимание художника.
Новая серия офортов Гойи (1810-1820 г.) «Бедствия войны» с жестоким реализмом показывает войну как чудовищную катастрофу. Голод, грабеж, насилие – вот основные темы офортов.
Тема войны звучит в них обобщенно, недаром один из листов назван «Так повсюду». В офорте «Какое мужество» изображена Агостина Сарагосская, геройская женщина, заменившая возле пушки погибших артиллеристов. Теме войны посвящены и исторические полотна в технике масляной живописи: «Восстание 2 мая 1808 г. в Мадриде» и «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 г.»
В 1824 г., опасаясь гнева инквизиции и короля, заявившего, что художник заслуживает казни, Гойя, испросив отпуск на лечение, отправляется во Францию, где вел тихую, незаметную жизнь и умер, слепой, оглохший, забытый всеми.
Уже к середине XIX ст. творчество Ф.Гойи нашло множество восторженных поклонников в среде романтиков - поэтов, писателей, художников. Жизнерадостность и трагизм, реалистичность и фантастика, гротеск, слившийся воедино в творчестве испанского живописца, предвосхитили искусство II половины XIX и XX столетий.
Живопись Франции
В I пол. XIX в. французская школа живописи была ведущей в искусстве Западной Европы.
Два первооткрывателя новой живописи - англичанин Джон Констебл и испанец Франсиско Гойя, - не получив призвания на родине, нашли учеников и последователей именно во Франции. Теодор Жерико и Эжен Делакруа восприняли их свободную манеру и колорит, подготовив рождение импрессионизма и всей современной живописи.
Франция опередила другие европейские страны и в демократизации художественной жизни. С 1791 г. право участия в выставках Луврского Салона получили любые авторы независимо от их членства в Академии, а с 1793 г. открылись для широкой публики залы Луврского музея.
ЖАК ЛУИ ДАВИД (1748-1824) к началу XIX в. был общепринятым лидером французских художников и самым последовательным представителем НЕОКЛАССИЦИЗМА в живописи.
Он родился в зажиточной буржуазной семье, учился в Королевской академии живописи и скульптуры, 4года совершенствовался в Италии. Французская молодежь находила в античном искусстве прежде всего примеры суровой гражданской доблести, и Давид с увлечением работает над правительственным заказом - сюжетом из римской истории. Он пишет картины «Клятва Горациев» (три брата из знатного рода Горациев клянутся отцу не отступать в битве) и «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей» (Луций Юний Брут, легендарный основатель республиканского строя в Риме, приговорил к смерти двух своих сыновей за участие в монархическом заговоре).
В сентябре 1792 г. Давид был избран депутатом в Конвент и руководил организацией национальных празднеств.
В 1793 г. Давид пишет для зала заседаний Конвента картину «Смерть Марата», увековечив память одного из вождей якобинского движения Жана Поля Марата, убитого в своей квартире.
После прихода к власти Наполеона Бонапарта Давид пишет ряд портретов императора: «Переход Бонапарта через перевал Сен-Бернар» и др.
После поражения Наполеона художник был вынужден покинуть Францию и остаток дней провел в Нидерландах.
Параллельно с Давидом образ Наполеона в живописи прекрасно изобразил его ученик АНТУАН ГРО (1771-1835) - «Наполеон на Аркольском мосту», «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе», «Наполеон на поле битвы при Эйлау».
ЖАН ОГЮСТ ДОМЕНИК ЭНГР (1780-1867) был приверженцем классических идеалов, но сумел в своих полотнах воплотить представление о красоте, чем приблизился к художникам II пол. Х1Х-ХХ столетий. Энгр родился в семье живописца, получил академическое образование, совершенствовался в Италии, где прожил вместо 4-х лет стажировки 18. Он с головой погрузился в изучение античного искусства, в результате чего появились такие полотна, как «Эдип и Сфинкс», «Юпитер и Фетида», «Вергилий, читающий «Энеиду» семье императора Августа» и др. По возвращению во Францию становится известным, поборники неоклассицизма считали его своим вождем. Его работы: «Одалиска и рабыня», «Портрет Луизы де Оссонвиль», «Источник» и др.
ТЕОДОР ЖЕРИКО (1791-1824). Уже первая работа двадцатилетнего ученика художественной мастерской «Офицер конных егерей в императорской гвардии, идущей в атаку» («Портрет лейтенанта Р.Дьедонне») имела большой успех. Всадник на полотне не позирует, а сражается, даже зрители как бы сопричастны к этому бою.
Художник прожил короткую жизнь (он умер на 33-м году, получив травму при падении с лошади), но в некрологе его назвали «юным романтиком» - так впервые был замечен романтизм во французской живописи.
И действительно, его герои - люди сильные духом, находящиеся в необычных условиях: «Раненый кирасир, покидающий поле боя», «Плот «Медузы» (корабль «Медуза» затонул у побережья Африки из-за неопытности капитана, уплывшего на шлюпке и бросившего на плоту 150 человек, из которых выжило 15). Жерико 2 года разыскивал этих людей, делал их зарисовки, писал этюды моря. (1818-19 г.).
Художника очень увлекали скачки лошадей, им он посвятил серию «Бег свободных лошадей» (1817) и «Скачки в Эпсоме», написанную под влиянием английского художника Д.Констебла.
ЭЖЕН ДЕЛАКРУА (1798-1863).
20-е годы для Франции были временем становления романтизма. Молодые художники объявили своим учителям настоящую войну. Историки назвали их выступление «романтической битвой», а ее героем стал живописец Эжен Делакруа.
Свою первую картину «Данте и Вергилий» («Ладья Данте»,1822 .) Делакруа написал по «Божественной комедии» Данте - одной из самых читаемых книг в те времена. Его вторая значительная работа - «Хиосская резня» (1824) - отклик на современные события, когда в сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население греческого острова Хиосса.
В июне 1830 г. в Париже вспыхнуло восстание. Откликом на него стала одна из знаменитейших картин Делакруа «Свобода, ведущая народ» (28 июля 1830 г.). Простому эпизоду уличных боев художник придал эпическое значение. Повстанцев ведет сама Свобода, которая поднимает трехцветное знамя Французской республики. Критики увидели в Свободе «помесь торговки с древнегреческой богиней».
Под влиянием дипломатической поездки в Алжир возникла картина «Алжирские женщины в своих покоях» (1823), которая приоткрыла для посторонних женскую половину арабского дома с красочными коврами и пестрыми нарядами.
Находки Делакруа в области колорита наметили путь развития французской живописи вплоть до конца столетия.
Живопись Германии
Германия в начале XIX в. переживала общественно-политический подъем. Сопротивление завоевателям Наполеона и освободительная война 1813 г. сделали немецкий патриотизм всеобщим, а поданные трехсот немецких карликовых государств осознали себя единым народом.
Германия сыграла исключительную роль в истории РОМАНТИЗМА - направления в европейской культуре конца ХУШ-1 пол. XIX в. Именно немецкие писатели и критики были первыми его теоретиками. Книга В.Г.Вакенродера «Сердечные излияния монаха - любителя искусств» стала манифестом романтизма и изобразительном искусстве. Она провозгласила решительный отказ от любых «правил красоты» и объявила основой творчества искреннее чувство. Сам термин «романтизм» был введен Фридрихом Шлегером (1772-1829) - немецким критиком, философом и писателем.
ФИЛИПП ОТТО РУНГЕ (1777-1810).
Один из самых ярких представителей романтизма в немецкой живописи I пол. XIX в.
Учился в Академии художеств в Копенгагене, затем Дрездене, познакомился с поэтом и мыслителем И.Гете. Большую часть творческого наследия Рунге составляют портреты («Портрет родителей художника с внуками»).
Еще в 1802 г. Рунге задумал живописный цикл, изображающий времена суток. Утро, день, вечер, ночь были для романтиков символом человеческой жизни и земной истории. Он предполагал выставить «Времена суток» в специально спроектированном здании, сопроводив их музыкой и стихотворным текстом. Рунге не хватило жизни, чтобы выполнить этот замысел: из 4-х картин закончена только одна - «Утро». Она наивна и светла как сказка и является одной из лучших его картин.
Цвет, краски очень трогали Рунге. В многообразии красок он видел клич к тайнам Вселенной, откровения Мирового Духа - так некоторые романтики называли Бога, который представлялся им растворенным в природе.
В последний год жизни Рунге вышла его книга «Шар цветов», где он показывает цветовую гармонию в виде глобуса. Белый и черный цвет - это полюса; экватор составлен из 12 чистых красок; светлые и темные оттенки каждого цвета стали меридианами. Все краски сливаются в центре шара (в разрезе) в серую точку - центр сферы, начало и конец всех красок, в Великое Ничто (Бог). В этом шаре он воспроизводит систему мироздания по учению немецкого философа-мистика Якоба Беме (1575-1624).
Рунге умер от туберкулеза в 33 года, все его творчество приходится на последние 7 лет жизни. В своих живописных полотнах он воплотил многогранное единство Бога, мира и человека - основную мысль немецкой романтической философии.
КАСПАР ДАВИД ФРИДРИХ (1774-1840)
Он вошел в историю живописи как наблюдательный и глубокий мастер-пейзажист, который принципиально не подписывал своих работ, не датировал их: он считал себя лишь соавтором вечной Природы.
Родился в семье мыловара на Балтийском побережье. Учился в Академии художеств в Копенгагене, затем жил в Дрездене, познакомился с Рунге. Первая работа «Крест в горах» (Тегенский алтарь», 1808) создана по заказу владельца замка в Чепин (Чехия), она вызвала споры в обществе.
Следующие работы - «Монах у моря» (1809) и «Аббатство в дубовом лесу» (1810) - также имели успех. Они повествуют о жизни монаха-скитальца, излюбленного в те годы персонажа, романтический идеал человека. Картины приобрел прусский король, а художник был избран почетным членом Берлинской академии.
Под впечатлением свадебного путешествия на родину, пишет цикл пейзажей Балтийского моря («На паруснике»).
После поездки в Чехию, в горы, появилась картина «Исполиновы горы»: горные вершины, как символ высоты познания, стали частым мотивом его пейзажей.
Фигура созерцателя часто присутствует у Фридриха: «Женщина у окна», «Меловые скалы на острове Рюген».
В последние годы творчество художника вышло из моды, но он не изменил своим идеалам и умер в забвении. Его оценили по достоинству только в начале XX в.
Живопись Англии
В I пол. XIX в. в живописи Англии главным жанром оказался ПЕЙЗАЖ, направление - романтизм.
УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757-1827).
Поэт и художник Уильям Блейк стоял особняком в истории английского искусства, он был гениальным самоучкой - великим фантазером и философом.
Блейк родился в Лондоне в семье бедного торговца, с раннего детства
писал стихи и рисовал, в 14 лет уже работал в граверной мастерской.
В 1789 г. он выпускает сборник стихов «Песни неведения», где каждый
лист был целиком гравирован автором в новой технике, им изобретенной.
Чудесному и счастливому миру, описанному в стихах, соответствует легкое и тонкое графическое оформление.
Через 5 лет Блейк выпускает сборник стихов « Песни познания» о страшном мире трущоб, тяжелой жизни фабричных рабочих и их детей. Каждое стихотворение также сопровождается иллюстрацией.
Блейк никогда не работал маслом, а только темперой и акварелью. Он писал картины на сюжеты из Библии («Сон Иакова»), из сочинений Шекспира («Жалость» по мотивам «Макбета»). В конце жизни Блейк выполняет заказ на иллюстрацию «Божественной комедии» Данте, для которой он сделал более 100 акварельных рисунков и гравюр. Художник не признавал работы с натуры, у него все подчинено фантазии и творческому воображению. В его иллюстрациях все движется и меняется, люди бесплотны и похожи на тени, пространство взмывает волной и скручивается в воронку, низвергается потоком, как на гравюре «Паола и Франческа» («Вихрь влюбленных»).
Блейк умер в полной нищете и был похоронен в общей могиле. Его открытие произошло в середине XIX века, а в XX в. пришло всеобщее признание. В Вестминстерском аббатстве в Лондоне, усыпальнице английских королей и знаменитых людей Англии был установлен бюст Уильяма Блейка.
Стиль Блейка для европейского искусства ХIХ в. уникален. Он сочетает АРХАИЧЕСКИЕ черты, свидетельствующие об отсутствии у художника специального образования, с ТВОРЧЕСКОЙ ФАНТАЗИЕЙ, композиционной изобретательностью и явным стремлением к обобщенным символическим образам. «Мое сердце полно будущего», - говорил он, предчувствуя, что его жизнь продолжится в стихах, рисунках, гравюрах.
ДЖОН КОНСТЕБЛ (1776-1837).
Певец английского сельского пейзажа. Родился в небольшой английской деревне в семье мельника. Желание стать профессиональным художником привело его в Лондон, где он учился в школе при королевской Академии искусств. Живя постоянно в Лондоне, Констебл каждое лето приезжал в родные места и много работал с натуры. Он был первым художником XIX в., в творчестве которого жанр ЭТЮДА имел самостоятельное значение. Художник писал маслом этюды родных с детства мест, создал серию видов реки Стур, неоднократно изображал стоявшую на ней мельницу: «Мельничный поток», «Плотина и мельница в Дедхеме». «Лучший твой наставник - природа», - говорил Констебл. Многие свои этюды художник перерабатывал в выставочные полотна - «Белая лошадь» (1819), «Телега для сена» (1821). Работы Констебла привлекли внимание французского художника Т.Жерико, побывавшего в Англии и рассказавшего о нем во Франции.
Работы Констебла были выставлены в парижском Салоне, привели всех в восторг и принесли художнику Золотую медаль Салона.
Творчество Джона Констебла до XX ст. оставалось незамеченным на родине, но оказало огромное влияние на развитие французской живописи.
УИЛЬЯМ ТЕРНЕР (1775-1851).
Родился в Лондоне в семье цирюльника, учился в школе при Королевской академии искусств. После первых успехов был избран действительным членом, читал лекции для широкой публики, обучал студентов.
Создал серию эпизодов, где изобразил берега Темзы («Пейзаж на Темзе», 1806). Достиг большой виртуозности в технике акварельной живописи: «Кораблекрушение», «Фрегат первого класса, пополняющий запасы».
В 20-30 г. по заказу Тернер оформляет сочинения английских писателей Сэмуэля Роджерса и Вальтера Скотта. Эти книги пользовались успехом, и гравюры с рисунков Тернера висели почти в каждом английском доме.
В 30-е годы Тернер достиг вершины мастерства. Он давал уроки живописи на вернисажах, заканчивая там свои картины. Так, на глазах у изумленной публики он за несколько часов почти полностью написал полотно «Пожар лондонского Парламента» (1835). В 40-е годы творчество Тернера становится все более непонятно английской публике. Он писал то потоки дождя, то мчащийся поезд («Дождь, пар и поезд») (1844) и все реже выставлял свои картины...
РУССКОЕ ИСКУССТВО. I половина XIX века
Два политических события повлияли на все сферы общественной жизни России этого периода: Отечественная война 1812 года и восстание декабристов 1825 г. В это время в России правил Александр I (1801-1825) и Николай І (1825-1855).
Архитектура Петербурга
АНДРЕЯН ЗАХАРОВ (1861-1911).
Родился в Санкт-Петербурге в семье мелкого чиновника. Закончил Академию художеств с большой золотой медалью, получил право на заграничную поездку. Получил звание академика, преподавал в Академии художеств.
Вершиной творчества Захарова стало здание Адмиралтейства в Петербурге (1806-23 г.). Главный фасад Адмиралтейства колоссален: его протяженность более 400 м. Здание построено в стиле классицизма. Захаров разработал и план скульптурного убранства здания: это морские божества, нимфы, рельефы о зарождении флота в России. Все декоративное убранство выполнено российскими скульпторами во главе с Феодосием Щедриным.
Швейцарский архитектор ЖАН ФРАНСУА ТОМА де ТОМОН построил здание БИРЖИ в Санкт-Петербурге (1805-1810). Это было первое сооружение в стиле ампир в Петербурге.
АНДРЕЙ ВОРОНИХИН (1759-1814) был крепостным графа А.С.Строганова - президента Академии художеств, мецената, коллекционера и богатейшего человека своего времени. Будущий архитектор получил образование, традиционное для дворянских детей, в 1786 г. – вольную. Изучал архитектуру за границей.
КАЗАНСКИЙ СОБОР – главное творение Воронихина (1801-1811). Собор возведен по указу Павла I, который хотел видеть храм, напоминавший римский собор Святого Петра. Был объявлен конкурс на проект этого храма, и выбрали работу Воронихина. В конструкциях купольного перекрытия Воронихин впервые в России использовал ЧУГУН и ЖЕЛЕЗО. После победы над Наполеоном в соборе разместили 105 знамен французских войск, ключи от взятых городов и другие трофеи. Еще одна выдающаяся работа Воронихина - Горный институт в Петербурге (1806-1811).
КАРЛ РОССИ (1775-1849).
Карл Иванович Росси был сыном итальянской балерины, приехавшей в Россию в 80-е годы XVIII в. Образование получил в России и за границей.
В России служил при дворе в качестве главного архитектора, по заказу Александра I воздвиг грандиозный МИХАЙЛОВСКИЙ ДВОРЕЦ (1819-1825), ныне государственный русский музей.
Одновременно Росси занимается другим императорским заказом –перестройкой зданий, стоящих на Дворцовой площади, для нужд государственных учреждений. Против Зимнего дворца Росси возводит два монументальных симметричных строения - Министерство финансов и Министерство иностранных дел, расположив линию их фасадов по дуге. В высшей точке этой дуги он поставил арку Главного штаба, которая соединила корпуса министерства в единую композицию (1819-1829). Скульптурное убранство посвящено Отечественной войне 1812г. Над карнизом арки движется колесница крылатой богини Победы. Ансамбль дворцовой площади был завершен в 1834 г., когда в центре ее по проекту Монферрана возвели Александровскую колонну в честь победы в войне 1812 г. Ее высота - 47,5 м. Это самая высокая триумфальная колонна в мире.
Росси выигрывает конкурс и перестраивает также Сенатскую площадь, (здание Исаакиевского собора по проекту Монферрана завершило ансамбль Сенатской площади), проектирует ансамбль Александровского театра (1816-1834), ныне Российский академический театр драмы им. А.С.Пушкина.
ВАСИЛИЙ СТАСОВ (1769-1848) - один из немногих русских
архитекторов, чье творчество связано и с Москвой, и с Петербургом.
Родился в небогатой дворянской семье в Москве, уже в 14 лет поступил
на государственную службу чертежником, затем - помощником архитектора. Его заметил сам император и отправил учиться за границу.
Там Стасов проникся идеями и образами стиля ампир.
По возвращении получил звание академика и стал заниматься общественным и промышленным строительством. Его работы в Петербурге:Павловские казармы (1817-1821); Преображенский и Троицкий соборы; Московские триумфальные ворота (1834-38, в честь победы в русско-турецкой войне, основной материал - чугун). В Москве - здания провиантских складов и др.
Стасов показал, что яркое архитектурное решение не зависит от назначения здания. Его творчество достойно завершает историю классицизма в России.
АРХИТЕКТУРА МОСКВЫ. В первые годы XIX ст. Москва
продолжала жить традициями прошлого века. Преобразование древ
ней столицы в современный вид началось после наполеоновского на
шествия и пожара 1812 г.
В 1813 г. была организована Комиссия для восстановления Москвы, которая занималась перестройкой в течение 30 лет.
Архитектору ОСИПУ БОВЕ (1784-1834) поручили перестроить центр города. Он только возвратился из народного ополчения, а до войны учился в архитектурной школе под руководством М.Казакова.
С 1814 по 1816 г. Бове занимался реконструкцией Красной площади, которая к началу XIX ст. была хаотически застроена различными лавками. Бове вернул ей величественный облик, снес лавки, выделил композиционный центр и т.д.
Следующая работа О.Бове – проект Театральной площади и здания Петровского театра, позднее названного Большим. Идея создания театральной площади принадлежала царю Александру 1. Архитектору пришлось провести сложнейшие градостроительные преобразования, т.к. место оказалось застроенным, у стен Китай-города стояли бастионы и протекала река Неглинная. Петровский (Большой) театр (1821-1824) один из ярких образцов стиля ампир в Москве. Монументальное кубическое здание с гладкими стенами обращено в сторону площади колоннадой портика, над треугольным фронтоном установлена квадрига Аполлона (квадрига - колесница с четверкой лошадей). В 1853г. здание сгорело, но было восстановлено с изменениями в 1855-86 г. Под китайгородской стеной, на месте заключенной в трубу реки Неглинной, архитектор спланировал живописный сквер с фонтаном.
В 1819-1827г. Бове под стенами Кремля разбил Кремлевский сад ( в 1856 г. его назвали Александровским). Сохранился грот «Руины». Последняя постройка зодчего – триумфальные ворота у Тверской заставы.
В первые десятилетия XIX в. Москва приобретает новый облик. И в этом, наряду с Осипом Бове, большая заслуга ДОМЕНИКО ЖИЛЯРДИ (1785-1845) - сына итальянского архитектора, который приехал в Россию вместе с семьей еще в XVIII в. Жилярди восстановил Московский университет, построенный Казаковым, изменив лишь фасад, подчеркнув стиль ампир; построил здание Опекунского совета.
Помимо общественных зданий, Жилярди строил и частные дома. Самый знаменитый - особняк Луниных на Никитском бульваре.
СКУЛЬПТУРА
I пол. XIX века - это окончание «золотого века» русской скульптуры, начатого во 2 пол. XVIII столетия. Продолжают творить скульпторы И.Мартос, Ф.Щедрин, В.Демут-Малиновский и С.Пименов .
ЖИВОПИСЬ
Общая характеристика
Многие художники - О.Кипренский, К.Брюллов, А.Иванов, С.Щедрин предпочитали больше работать в Италии, чем в России, подальше от «мецената» Николая I, но и там они творили для родины. ГОГОЛЬ: «Национальность состоит не в описании сарафана, но в самом духе народа; поэт может быть даже и тогда национален, когда описывает совершенно сторонний мир, но глядит на него глазами своей национальной стихии, глазами своего народа, когда чувствует и говорит так, что его соотечественникам кажется, будто это чувствуют и говорят они сами».
Академия художеств – большое и сложное явление русского искусства I пол. ХIХ в. С одной стороны – здесь последовательно отстаивались позиции «идеалистической» эстетики, облагораживающей действительность, далекие от реальной жизни; с другой – это было единственное заведение, где художники получали основательную профессиональную подготовку, ее закончили почти все русские художники.
Сложным и многогранным было русское искусство этого времени. Официальный академизм сдерживал проявление свободной творческой мысли. В РОМАНТИЗМЕ, выдвинувшим более широкую гуманистическую концепцию человека в живописи, в отображении народной жизни мы видим образ эпохи, озаренной пушкинским гением.
В годы Отечественной войны и движения декабристов раскрывается дарование одного из лучших портретистов XIX в. - ОРЕСТА КИПРЕНСКОГО. Он был незаконнорожденным сыном помещика и крепостной крестьянки. В его творчестве человек выступает как цельная и значительная индивидуальность, личность, романтически взволнованная, приподнятая над обыденностью. Когда по приезде в Италию, молодой Кипренский выставил там портрет приемного отца А.Швальбе, его обвинили в том, что он выдает произведение Рубенса или Ван Дейка за свое. Итальянские профессора не поверили, что такой портрет мог написать художник из «медвежьей России».
Творчество: портрет Е. Давыдова (гусар, герой Отечественной войны, - нарисован ярко, красочно, торжественно и героически). Портреты Жуковского, Крылова, Батюшкова. Самый известный - портрет Пушкина, писал летом 1827 г. по заказу Дельвига. После смерти Дельвига Пушкин приобрел портрет у его жены и повесил у себя в кабинете. «Себя как в зеркале я вижу, Но это зеркало мне льстит», - сказал Пушкин о портрете.
(Мысль и вдохновение; красота творческого деяния и высокое предначертание «избранника муз» - вот содержание этого портрета. Чистое, незамутненное чело, лицо спокойно, величавая поза, взгляд, устремленный вдаль, строгий сюртук и плед, перекинутый через плечо и статуэтка Музы, играющей на лире - классический символ поэзии).
ВАСИЛИЙ ТРОПИНИН (1776-1857) - написал портрет Пушкина чуть раньше, весной 1827 г. по заказу самого поэта. Образ поэта здесь
мягче, интимнее, доступнее. Халат, рубашка, платок небрежно повязан
вокруг шеи. Но облик Пушкина исполнен высокой духовности, чувства
собственного достоинства.
Тропинин - крепостной, с юности мечтал о живописи, но граф Морков отдал его в кондитеры. Художник сумел устроиться в Академию «посторонним учеником», имел успех на выставке, но граф забирает его домой. И лишь в 47 лет художник получает вольную. Сам скромный, мягкий, добрый - эти качества присущи и его портретам. ЧЕЛОВЕК КАК ТАКОВОЙ - основная тема его творчества. («Портрет Арсения», сына художника; «Кружевница» и др.).
АЛЕКСЕЙ ВЕНЕЦИАНОВ (1780-1847) стал основоположником
народного бытового жанра в русской живописи, открыл «Россию крестьянскую». Он бросает Академию, уезжает в деревню Сафонково Тверской губернии и живет там. Его работы: «На пашне. Весна», «Гумно»,
«На жатве. Лето», «Жнецы», «Крестьянка с васильками», «Сенокос»,
«Захарка», «Спящий пастушок».
Художнику присуща некоторая сентиментальность, но в своих крестьянах он видит носителей лучших национальных черт. Не драматизм социальных конфликтов, но истинная поэзия русской деревни и русской природы отражена в его работах.
КАРЛ БРЮЛЛОВ (1799-1852).
Карл Великий - так назвал Брюллова его ученик Т. Г Шевченко. Итальянцы ломились в римскую мастерскую Брюллова, чтобы посмотреть
«Последний день Помпеи». Гоголь: «Картина Брюллова может назваться полным, всемирным созданием». Возвращение Брюллова из Италии на родину стало триумфом русского искусства.
Художник был окружен славой еще при жизни. В основу картины положены исторические события - гибель римского города Помпеи при извержении Везувия в 79 г. н.э. Брюллов посещает Помпеи, раскопанные в ХVIII в., изучает памятники архитектуры, искусства античного Рима. Громадное полотно (длина 631 см, высота 456 см) и сейчас поражает зрителей.
Другие работы Брюллова: «Автопортрет», «Итальянский полдень», «Всадница» и др.
АЛЕКСАНДР ИВАНОВ (1806-1856).
Нелюдимый, робкий, застенчивый, болезненный, недоверчивый, сторонящийся людей. Явление в русском искусстве сложное и единственное в своем роде. Ученик своего отца – художника Андрея Иванова, в своем творчестве намного опередил современников. 25 лет жил в Риме, боялся ехать в Россию. «Художник должен быть совершенно свободен». Фанатично верил в религиозно-нравственное обновление мира, но затем глубоко разочаровался в религии, а новых идеалов не нашел. 20 лет работал над картиной «ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ», но так и не закончил ее. Написал более 600 этюдов, акварелей, и рисунков к этой картине. Изучал античное искусство, творчество художников Возрождения, но героями его полотна стали бедняки Рима, Неаполя. Сквозь физическое безобразие многих рабов он увидел их душу. Каждый человек в картине - индивидуальная личность, судьба. Иоанн Креститель – образ вдохновения и внутреннего огня, фанатичной веры в грядущего освободителя.
ПАВЕЛ ФЕДОТОВ (1815-1852).
Скончался в 37 лет в психической больнице, одинокий офицер в отставке. Его назвали своим учителем Крамской, Репин. Творческая жизнь - коротка и сложна. В 25 лет бедный офицер пришел к Брюллову. Тот, посмотрев его рисунки, сказал, что поздно учиться технике искусства. Но… «чего не может творческая воля, постоянство и труд». Федотов отрекся от личного счастья: «Меня не станет ... на две любви – к женщине и искусству». Всего 6-7 лет стали творческим подвигом Федотова - основоположника КРИТИЧЕСКОГО РЕАЛИЗМА в русской живописи. Затем - болезнь, ночь безумия и смерть. Истоки творчества Федотова - голландские и фламандские жанристы XVII в., русское народное творчество, народный театр и сама жизнь.
«Сватовство майора» (1848). Долго искал своих натур: купца - год «знакомился с ним», пока не получил разрешения «снять» портрет. Или «люстра» - взял напрокат в трактире.
«Анкор, еще анкор» (1851-52) - одно из самых драматических произведений русского живописца. В тесной избе офицер заставляет собаку прыгать через палку. Собака устала, устал и хозяин от тупого занятия. За окном - зима, безлюдная деревня, одиночество. Это уже не сюжет, а метафора - символ не жизни, но лишенного смысла существования.
Дата: 2018-12-28, просмотров: 253.