Поможем в ✍️ написании учебной работы

Имя

Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой

Выберите тип работыЧасть дипломаДипломная работаКурсовая работаКонтрольная работаРешение задачРефератНаучно - исследовательская работаОтчет по практикеОтветы на билетыТест/экзамен onlineМонографияЭссеДокладКомпьютерный набор текстаКомпьютерный чертежРецензияПереводРепетиторБизнес-планКонспектыПроверка качестваЭкзамен на сайтеАспирантский рефератМагистерская работаНаучная статьяНаучный трудТехническая редакция текстаЧертеж от рукиДиаграммы, таблицыПрезентация к защитеТезисный планРечь к дипломуДоработка заказа клиентаОтзыв на дипломПубликация статьи в ВАКПубликация статьи в ScopusДипломная работа MBAПовышение оригинальностиКопирайтингДругое

Нажимая кнопку "Продолжить", я принимаю политику конфиденциальности

Величайший мастер Высокого Возрождения – скульптор, живопи­сец, архитектор, поэт, военный инженер.

Детство Микеланджело провел в маленьком тосканском городке Капрезе, юность и годы учения – во Флоренции. В художественной школе при дворце герцога Лоренцо Медичи ему открылась красота антично­го искусства, он общался с великими представителями гуманистичес­кой культуры. Флоренции принадлежат почти все скульптурные рабо­ты Микеланджело. Он похоронен во флорентийской церкви Санта-Кроче. Однако и Рим может быть назван городом Микеланджело.

В 1496 г. он впервые приехал в Рим, где к нему вскоре пришла сла­ва. Там он изваял одну из своих самых знаменитых скульптур - «Пьета» («Оплакивание Христа»).

Вернувшись во Флоренцию, Микеланджело взялся изваять из ис­порченной глыбы мрамора колоссальную статую Давида. (Согласно библейской легенде юный Давид победил великана Голиафа). Обычно художники изображали Давида слабым юношей, попирающим повер­женного врага. Микеланджело изобразил Давида юношей в расцвете сил и не после сражения, а в момент наивысшего напряжения сил. Пре­красное лицо и тело Давида – это гимн человеку, его духовной и физи­ческой мощи, его воле и гражданскому мужеству. Открытие этой 5,5 метровой статуи, прозванной «Гигантом», превратилось во всенарод­ное торжество. Более 3,5 столетий «Давид» украшал площадь перед го­родской ратушей, а в 1873 г. был установлен в Галерее изящных искусств во Флоренции. (На старом месте, где поместил статую сам автор, нахо­дится мраморная копия).

Микеланджело прекрасно знал анатомию, великолепно передавал красоту обнаженного человеческого тела, которое становится главной темой его искусства. Любимым его материалом был мрамор. Микелан­джело говорил, что в каждой глыбе мрамора заключается человеческая фигура и нужно только убрать все лишнее, чтобы высвободить ее отту­да. Горячий патриот родного города, человек страстный и темпераментный по натуре, он участвовал в борьбе за свободу Флоренции, руково­дил строительством военных сооружений. Сам, не склонявшийся никог­да перед «сильными мира сего», Микеланджело создал множество ста­туй и картин, где главный герой – борец; человек с сильной волей и мо­гучим телом. Даже Бог, пророки, Адам и Ева поражают нас своей мо­щью и внутренней силой... В 1505 г. папа Юлий II пригласил Микелан­джело в Рим для сооружения себе гробницы. Замысел скульптора был колоссальный: он хотел создать грандиозный памятник-мавзолей с 40 фигурами более чем в натуральную величину. 8 месяцев Микеланджело провел в горах Каррары, руководя добычей мрамора. Но папа от свое­го замысла отказался... (Уже после его смерти он выполнит для его над­гробия великолепную статую Моисея и рабов (пленников)).

Гимном человеку и его возрождению после средневековой ночи стала и главная живописная работа Микеланджело – роспись потолка Сикстинской капеллы в Риме (она была построена для Папы Римского Сикста). За 4 года работы (1508-1512) Микеланджело один расписал потолок площадью около 600 м³ (48 х 13) на высоте 18 м. Эту роспись можно сравнить с «Божественной комедией» Данте. Микеланджело изобразил и сотворение мира, и Страшный суд, и библейских проро­ков. Это гимн человеку, Бог показан как творец, не знающий преград на пути к созданию. Каждый образ, созданный Микеланджело – это шедевр живописи.

С 1520 по 1534 г. Микеланджело работает над одним из самых значи­тельных и трагичных скульптурных произведений – гробницей Медичи, выражая все переживания, выпавшие на долю Флоренции в этот период. Саркофаги украшены аллегорическими скульптурами: «Утро», «Вечер» (надгробие Лоренцо), «Ночь» и «День» (надгробие Джулиано), символа­ми быстротекущего времени. Сам Микеланджело написал к этой работе:

Отрадно спать, отрадно камнем быть,

О, в этот век, преступный и постыдный.

Не жить, не чувствовать – удел завидный,

Прошу, молчи, не смей меня будить.

Микеланджело был и замечательным архитектором. Им исполне­на лестница флорентийской библиотеки, оформлена площадь Капито­ лия в Риме, сделаны чертежи и расчеты купола собора Св. Петра в Риме. В последние десятилетия жизни (умер в 89 лет) Микеланджело за­нимался только архитектурой и поэзией. Творчество великого Мике­ланджело составило целую эпоху и далеко опередило свое время, оно сыграло грандиозную роль в мировом искусстве и оказало влияние на формирование принципов барокко.

ВЫСОКИЙ РЕНЕССАНС В ВЕНЕЦИИ

Высокий Ренессанс в Венеции представлен творчеством художни­ков Джорджоне и Тициана.

ДЖОРДЖОНЕ (1477-1510) первый в Венеции обратился к литературным и мифологическим сюжетам. Пейзаж и прекрасное обнаженное человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом по­клонения. Чувство гармонии, совершенство пропорций, мягкая светотень, одухотворенность и психологичность типичны для Джорджоне. Одна из популярных картин Джорджоне - «Юдифь» (Юдифь – героиня библейского мифа, проникла в лагерь ассирийцев и убила их предводителя Олоферна). В образе Юдифи сочетается мужественная величавость и тонкая поэтичность. Прекрасная женщина изображена на фоне прекрасной природы. Но в ее руке холодно блестит обоюдоострый меч, а нежная нога опирается на мертвую голову Олоферна.

Одухотворенностью и поэтичностью пронизано изображение «Спящ ей Венеры». Ее тело написано легко, свободно, исследователи говорят о музыкальности ритмов Джорджоне. Джорджоне умер рано, от чумы и пейзажный фон в этой картине написал Тициан, как и в «Сельском концерте».

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИ (1477-1578) – величайший художник Вене­цианского Возрождения. Писал произведения на мифологические и христианские сюжеты, работал в жанре портрета. Его исключительное колористическое дарование, неисчерпаемая композиционная изобретательность и счастливое долголетие (прожил около 100 лет) позволили представить богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков (Рубенс, Веласкес). У него было немало учеников, но и один из них не был равен учителю.

Наиболее известные работы: «Даная» (согласно мифу, к Данае, дочери царя, заточенной им в башню, проник Зевс в виде золотого дождя), «Св. Себастьян», «Автопортрет», «Венера Урбинская» (написана по заказу герцога Урбинского).

СЕВЕРНЫЙ РЕНЕССАНС

Северные города Европы (северные по отношению к Италии) не имели такой самостоятельности, как итальянские. Это сказалось на характере культуры. В искусстве северного Ренессанса отразилось сред­невековое мировоззрение. Оно более связано с готикой, условно по форме, более архаично, в нем больше религиозного чувства и символи­ки, меньше – связи с античностью. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие.

Нидерландское Возрождение

Нидерландское Возрождение в живописи начинаемся с творчества братьев Губерта (умер в 1426) и Яна (ок. 1390-1441) ВАН ЭЙКОВ, с их совместной работы «Гентский алтарь» (г. Гент, церковь св. Бавона). Этот алтарь представляет собой двухъярусный складень на 12 досках. Ввер­ху изображен Христос на троне с предстоящими Марией и Иоанном, поющими и музицирующими ангелами и Адамом и Евой, внизу – сцена «Поклонения агнцу». Для братьев ван Эйков характерна тщательность и подробность в передаче всех деталей, в этом сказались принципы ни­дерландской миниатюры. Ян ван Эйк писал мадонн (мадонна канцлера Роллена), портреты («Человек с гвоздикой», портрет жены Маргариты ван Эйк, «Портрет супругов Арнольфини»). Ван Эйки усовершенство­вали технику масляной живописи.

Творчество ИЕРОНИМА БОСХА (1450-1516) полно противоречий и загадок. Он обращается и к средневековой аллегории, и к народному юмору, и к демоническим образам, и к конкретной действительности. С беспощадной гротескностью он изображает человеческие пороки («Корабль дураков», «Стог сена»). Фантазия художника создает неви­данные формы, соединяя предметы живого и неорганического мира («Сад наслаждений»).

Вершиной Нидерландского Возрождения стало творчество ПИТЕ­РА БРЕЙГЕЛЯ старшего, прозванного Мужицким (1525/30-1569). С его именем связывается окончательное сложение пейзажа в нидерландской живописи как самостоятельного жанра. Особенно популярен «Зимний пейзаж» (второе название - «Охотники на снегу») из цикла «Времена года». От этой картины веет тонким проникновением в природу, ли­ризмом и щемящей грустью. Питер Брейгель зародил и основы нидер­ландской жанровой живописи. Он изображает деревенские ярмарки, свадьбы, танцы, праздники («Крестьянский танец», «Деревенская свадь­ ба»). В 60-е годы Брейгель создает ряд трагических произведений, пре­восходящих по силе выразительности все фантасмагории Босха. В ре­лигиозных сюжетах он изображает злободневные события – бесчинства испанских угнетателей (Нидерланды в это время находились под влас­тью Испании). «Вифлиемское избиение младенцев» - это картина резни испанцев в нидерландской деревне, даже солдаты изображены в испан­ских одеждах. Картина «Слепые» имеет символическое значение. Путь слепых – это жизненный путь всех людей.

Немецкое Возрождение

Самый крупный художник немецкого Возрождения – АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471-1528).

Дюрер – типичный художник Высокого Возрождения. Он был живописцем, гравером, анатомом, математиком, инженером. Его наследие: 80 станковых произведений, более 200 гравюр, более 1000 рисунков, скульптуры, рукописи. Был крупнейшим гуманистом Возрождения, его идеал человека отличен от итальянского. Его образы полны силы и раздумий, сомнений, в них отсутствует ясная гармония, художественный язык усложнен, аллегоричен.

Дюрер родился в Нюрнберге, в семье золотых дел мастера, отец был его первым учителем. Много ездил по Германии, Швейцарии, был в Италии. Занимался гравюрой на дереве и меди и стал крупнейшим мастером гравюры в Европе. Тема смерти – частая тема его гравю р. Создает серию гравюр на дереве на темы Апокалипсиса. Первый в Германии разрабатывает проблемы перспективы, анатомии, пропорции, пишет научные трактаты.

Три самые знаменитые гравюры Дюрера на меди: «Всадник, смерть и дьявол», «Св. Иероним» и «Меланхолия» вызвали к жизни целые тома исследований. В первой гравюре изображен всадник, неуклонно движущийся вперед, несмотря на то, что дьявол и смерть искушают его (образ воли). Во второй – сидящий в келье и занятый работой Св. Иероним (образ ясной человеческой мысли). В гравюре «Меланхолия» молодая женщина – крылатый гений в окружении атрибутов средневековой науки и алхимии: песочных часов, весов, колокола, «магического квадрата», летучей мыши – полна мрачной тревоги, раздумий, неверия в торжество разума и знаний. Живописные работы Дюрера: «Автопортрет», «Адам и Ева», «Четыре апостола» и др.

Французское Возрождение

Начало французского Возрождения – середина XV века. Французский Ренессанс носил характер придворной культуры. (Народный ха­рактер проявился во французской литературе в творчестве Франсуа Рабле).

Первый крупный художник французского Возрождения – ЖАН ФУКЕ (1420-1481), придворный художник Карла VII и Людовика XI. С начала XVI в. Франция представляла собой самое большое абсолютистское государство Западной Европы. Центром культуры становится двор, особенно при Франциске I, знатоке искусств, покровителе Леонардо. Приглашенные сестрой короля Маргаритой Наваррской итальянские маньеристы Россо и Приматиччо становятся основателями школы Фонтебло. Замок в Фонтебло, замки Шамбор, Шенонсо, перестройк а старого дворца Лувр (архитектор Пьер Леско и скульптор Жан Гужон) – первое применение ренессансных форм в архитектуре.

XVI в. – время блестящего расцвета французского портрета – живописного, карандашного. В этом жанре особенно прославился ЖАН КЛ УЭ (1485/88-1541), придворный художник Франциска I. Он пишет небольшие по размеру, парадные по форме портреты придворных, короля («Портрет Франциска I»). Его сын ФРАНСУА КЛУЭ (1516-1572) становится самым крупным художником Франции XVI в. Краски Ф.Клуэ напоминают по своей чистоте и интенсивности драгоценные эмали («Портрет Елизаветы Австрийской»). В исключительных по мастерству владения карандашом, сангиной, акварелью портретах Клуэ запечатлен весь французский двор середины XVI ст. (портрет Генриха II, Ма­рии Стюарт и др.).

Скульптора ЖАКА ГУЖОНА (1510-1566/68) прославили рельефы фонтана Нимф (фонтана Невинных) в Париже.

РУССКОЕ СРЕДНЕВЕКОВЬЕ

Культура древних славян

Развитие духовной культуры и верований восточных славян, жив­ших на территории современной Украины, было тесно связано с их хо­зяйственной деятельностью. Большое место в жизни восточных славян занимали обрядовые праздники, посвященные наступлению весны и началу полевых работ, сбору урожая, новогодним праздникам.

Славяне были язычниками по вере, обожествляли солнце, луну, явления природы, реки, озера, леса. Богов было множество. Главные – Ярило – бог Солнца, Велес – защитник скота. Перун – бог войны, грома. Лада – богиня любви.

Древние славяне верили в загробную жизнь, устраивали князьям (вождям) торжественные похороны, насыпая могилы (курганы) высо­той до 10 м.

В могилы клали оружие, драгоценности, пищу, одежду. В приклад­ ном искусстве господствовало 2 стиля:

- «звериный» - изображение жи­вотных и

- «геометрический» - изображение орнамента из треугольни­ков, квадратов, ромбов и т.д.

У славян было развито и музыкальное искусство. По характеру были свободолюбивы и не давали себя никому покорить. Славяне перешли от первобытного строя к феодальному ми­нуя рабство.

Искусство Киевской Руси

Киев, согласно легенде, был основан в 482 г., его основателями считаются братья Кий, Щек, Хорив и их сестра Лыбидь. Как государство Киевская Русь сформирова­лась в I пол. IX века. При князе Владимире Святославовиче в 988 г. состоялось официальное крещение Руси, перенявшей христианство из Византии. На смену языческим идолам пришли христианские храмы, строившиеся по образцу византийских. Русское искусство, начиная с X в. и вплоть до XVII в. неразрывно связано с Церковью и христианством.

В древнерусской архитектуре получила распространение крестово-купольная система. Над храмом возвышался главный купол, кото­рый могли окружать от 4-х до 12-ти меньших куполов. Центральный купол опирался на 4 главных столба, прямоугольное в плане здания словно расчленялось крестом. Купола напоминали формой луковицу или шлем древнерусского воина.

Выдающимся памятником древнерусской архитектуры является собор Святой Софии в Киеве, построенный при Ярославе Мудром, сыне Владимира, в 1037-44 г. в честь победы над печенегами. В XII веке со­бор был тринадцати купольным, что символизировало Иисуса Христа и 12 апостолов, но затем число куполов уменьшили. В центре главного купола изображен Христос как Вседержитель, 4 архангела и Богоматерь - Оранта – с поднятыми вверх в молении руками. Ее считают покро­вительницей Киева. В этом соборе сохранилось 260 м² мозаик XI века и около 3000 м² фресок. Мозаики собора насчитывают 177 цветовых оттенков. На фресках есть изображение дочерей и жены Ярослава Муд­рого, сцен из жизни святых, но есть и светские сюжеты: сцены охоты, пляшущие и играющие музыканты (фреска «Скоморохи»).

Домонгольский период – блестящая эпоха в развитии русской куль­туры, отмеченная такими произведениями, как «Слово о полку Игореве», Дмитриевский (XII в.) и Успенский (XII в.) соборы во Владимире, Софийский собор (XI в.) в Новгороде, церковь Покрова на Нерли (1165 г.). Чем севернее строился храм, тем больше в нем проявлялось черт оригинального русского зодчества, дальше уходили византийские тра­диции. Древние русские храмы отличались:

- монументальностью форм,

- строгими плоскостями стен,

- подчеркнутой простотой и геометризмом архитектурного убранства, не знавшего украшательства.

С распадом в XII в. Киевской Руси возникают крупные культур­ные центры и самобытные школы: Новгород и Псков, Смоленск и Тверь, Ярославль и Суздаль, Владимир и Чернигов, Галич и Полоцк.

Богаты были Владимирские князья, их называли «великими». Из Киева во Владимир переносится главная святыня православной Руси – икона «Умиление», которая отныне будет называться «Владимирская богоматерь».

ИСКУССТВО РУСИ Х ІУ-ХУІ в.

Общая характеристика

Монголо-татарское иго нанесло страшный удар по культуре Руси. Было уничтожено множество материальных и духовных ценностей, ис­треблены или угнаны в плен лучшие ремесленники и мастера, разорено большинство городов. На полстолетия прекратилось каменное строи­тельство, приостановилось развитие фресковой живописи. В связи с этим возросла роль станковой живописи (иконопись). Тяжелый удар был нанесен письменности – погибло много книг. В первое столетие после нашествия усилия русского народа были направлены на восстановле­ние разрушенного хозяйства и сохранение уцелевших от гибели куль­турных ценностей.

Со II половины XIV века в русских землях начался культурный подъем, связанный с освободительной борьбой и объединением земель вокруг Москвы.

Творчество Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия

Своего наивысшего расцвета в конце XIV - 1 пол. XV в. достигла церковная живопись. В современной литературе русскую культуру это­го времени иногда характеризуют как «русское Возрождение», имея в ви­ду возрождение и дальнейшее развитие нарушенных монголо-татарс­ким игом лучших традиций культуры древнерусской народности.

Развитие живописи происходило в условиях высокого патриоти­ческого подъема и всей духовной жизни после Куликовской битвы (1380), в условиях формирования национального самосознания русского на­рода, концентрации всех его сил в борьбе за государственное единство.

В жестких рамках богословских канонов и традиций средневеко­вой церковной живописи русские мастера смогли создать произведе­ния большого общественного значения, отвечавшие политическим задачам Руси и духовным запросам людей того времени.

В творчестве Феофана Грека и А.Рублева древнерусское изобра­зительное искусство достигло своей вершины. Центральной темой их творчества и творивших вместе с ними Даниила Черного, Симона Чер­ного, Прохора из Городца становится ЧЕЛОВЕК и его внутренний ду­ховный мир, раскрываемый через сюжеты церковной мифологии.

ФЕОФАН ГРЕК (1330-ок.1410-1415) приехал на Русь из Византии – отсюда его прозвище, уже зрелым художником, расписавшим более 40 церквей. Русь стала для него второй родиной, именно здесь он написал свои лучшие работы, соединив в своем творчестве традиции византий­ского искусства с достижениями русских живописных школ. Темпера­ментная, смелая, поражавшая современников манера письма создавала образы людей, полных душевного внутреннего напряжения. Искусст­воведы, описывая его линии, называют их молниями. Современники считали его мудрецом и философом. Когда художник писал фрески, он не сверялся по образцам, как это делали все. Его работ сохранилось очень мало. В Новгороде – это фрески церкви Спаса на Ильине, в Мос­кве – часть икон из иконостаса Благовещенского собора в Кремле. Здесь он работал вместе с молодым А.Рублевым, которого считают его уче­ником. Но как подлинный талант, Рублев не стал подражать, а создал свой живописный стиль.

Творчество АНДРЕЯ РУБЛЕВА (ок. 1360-1430) – высшая точка в развитии древнерусского искусства и одна из вершин мирового искус­ства. Творец «Троицы» и «Спаса», росписей Благовещенского собора в Кремле, Успенского во Владимире, Троицкого – в Троице-Сергиевом монастыре, он создал школу, пережившую века. В своих героях Рублев воплотил национальные черты. Для его работ, в отличие от трагичес­кой, бурной живописи Феофана Грека, характерна мягкость колорита, гармония линий и красок.

Сведений о Рублеве известно очень мало. Андрей – это монашес­кое имя художника. Предполагают, что он принял постриг в 40 лет, став иноком Спасо-Андронникова монастыря. В 1410 г. Рублев вместе с дру­гими иконописцами в Успенском соборе во Владимире создает мону­ментальный иконостас, состоящий из З-х разделов, общая высота кото­рых достигала 6 м. Этот иконостас надолго стал образцом для подра­жания.

... В 1918 г. в деревянном сарае близ Успенского собора в Звениго­роде были обнаружены 3 иконы - «Спас», «Архаил Михаил», «Апостол Павел», известные с тех пор под названием Звенигородского чипа. Об­раз «Спаса» воплощает типично русские представления о внешней и внутренней красоте человека.

Восхищение и признание современников вызывали не столько жи­вописные дарования Рублева, сколько умение открывать человеку не­видимый мир Божественной красоты, сотканной из чистых красок, све­та и молитвенной тишины. Таким художник предстает в знаменитой «Троице», написанной на ветхозаветный сюжет (старец Авраам и его жена Сара угощают трех таинственных спутников – триединого Бога). Обычно художники заостряли здесь внимание на бытовых подробнос­тях. Рублеву удалось почти неразрешимое – показать Троицу как трие­динство. Три ангела Рублева едины потому, что связаны единым ритмом, движением в круге. Тема Троицы для русских людей того време­ни, знаменосцем которой был Сергий Радонежский, понималась как тема национального единства.

Стиль Рублева, новый эстетический идеал, сложившийся в его твор­честве, определили лицо московской школы живописи.

Наиболее выдающимся представителем рублевского направления в искусстве II пол. ХУ- начале XVI в. был московский художник ДИО­НИСИЙ (ок. 1440-ок. 1505). Уступая своему гениальному предшествен­нику в глубине проникновения в сущность образа, Дионисий создал классический московский стиль, который позже стал общерусским. Его росписи и иконы торжественны, живопись нарядна и празднична. Дио­нисий происходил из знатного рода, работал с артелью художников, среди которых были его талантливые сыновья Феодосий и Владимир. Расписывал Благовещенский и Успенский соборы в Кремле. К сожале­нию, московские работы Дионисия не сохранились. До нас дошли фрес­ки Ферапонтового монастыря в Вологодской области.