Неореализм - направление в искусстве первых послевоенных лет, связанное с ростом демократических тенденций в европейском и американском искусстве 1940-1950-х годов. Поиски нового героя реалистического искусства среди простых людей – крестьян, рабочих, интеллигенции.
Италия
Стиль неореализм нашел воплощение в итальянской живописи и графике середины 1940-х - середины 50-х гг. Он получил название по одноименным и одновременным направлениям в итальянском кино (режиссер Лукино Висконти), литературе и театре. Основные предпосылки сложения неореализма в итальянской художественной культуре - всенародный подъём в результате движения Сопротивления во Второй мировой войне и распространение социалистических идей, возрождение демократических традиций итальянского искусства (прежде всего веризма), а также творческое использование художественных приёмов ряда течений европейского искусства XIX-XX вв., в том числе романтизма и экспрессионизма.
Художники-неореалисты - Ренато. Гуттузо, Г. Мукки, А. Пиццинато, К. Леви, Р. Веспиньяни, Дж. Дзигайна и др. стремились к правдивому отражению действительности во всей остроте её противоречий, к утверждению в искусстве новых духовных ценностей и новых героев - людей труда, с их жизненной стойкостью и внутренним достоинством, к воплощению героики борьбы против фашизма и отстаивания социальной справедливости, к передаче как широкой панорамы, так и повседневных коллизий народной жизни. Творчеству неореалистов присущи программное утверждение демократических художественных ценностей, жизненная достоверность образов, внимание к конкретным приметам современного бытия. Близкие неореализму тенденции проявились в послевоенном демократическом изобразительном искусстве и других стран (например, во Франции - творчество Б. Таслицкого, А. Фужерона и др.).
Творчество Ренато Гуттузо (1912 – 1987). Живописные произведения Гуттузо: «Кафе «Греко» в Риме» (1,2), Автопортрет (3), «Расстрел патриотов» (4), «Буги-вуги» - фон с цитатой из Пита Мондриана (5). «Игроки» - фон с цитатой «Меланхолии» Дюрера. (6). 1 
2 
3 
4 
5 
6 
«Кактус» (1), «Пикассо со своими персонажами» (2)
1 
2 
Пейзажи «Палермо» (1), «Багатерия» (2)
Главная задача художника, по Гуттузо – это создание образа современности и ее героя - современника.
«Девушка, поющая «Интернационал» 1951 (1), «Человек, пересекающий площадь» 1958 (2), «Воскресенье калабрийского рабочего в Риме (Рокко с патефоном)» 1960-1961 (3),
1 
2 
3 
«Пляж» 1955-1956(1), «В мастерской» 1960 (2), «Новости» 1971. Графические серии: серия «С нами Бог» (1944).
1 
2 
Творчество скульптора Джакомо Манцу (1908 – 1991). – он один из наиболее значимых скульпторов в Италии 20 века. Работа над «Вратами смерти» (1) в соборе Св.Петра Ватикана (Рим), серия скульптурных композиций «Кардиналы» (2). Портреты Дж. Манцу (1).
Франция
Реалистическое движение французских художников младшего поколения, их борьба за мир и демократию. Изображение современнико – простых людей. Бытовой жанр
Андре Фужерон (1912 – 1998): «Полдник» 1946, «Парижанки на рынке» 1948 (1), «Слава Андре Улье» (1949), «Шахтерские лампы» (1950), «Москворецкий мост» (1964); цикл произведений «Страна шахт» (1951). Роспись Фукжерона школы им. Ф. Жолио-Кюри».
Тема семьи в картинах «Голубое утро» (1958), «Завтрак» (1959), «Воскресное утро» (1959).
«Мать и дитя» (3)
1 
2 
3 
К неореализму в Италии примыкали также Б. Таслицкий, Ж. Мило, Ж. Салендр, Ф. Сальмон.
Дания. Творчество Херлуфа Бидструпа (1912 – 1988) – гениальный датский график, карикатурист. Остроумные смешные истории и анекдоты в сериях графических рисунков. + рисовал социально заостренные политические карикатуры.
Гиперреализм
Во второй половине 50-х гг изобрели новые – акриловые - краски. Они позволили художникам изображать реальность с фотографической точностью. Техника живописи оказалась на этом этапе важнее и интереснее содержания изображения.
Гиперреализм (или фотореализм) - течение в искусстве второй половины 20 века, одна из разновидностей современного натурализма. Фотографическая точность в живописи, срисованной с фотографии. Яркие представители гиперреализма: Р. Эстес, Ч. Клоуз, Д. де Андреа). Возник в 1960 – 1970-х годах в США, в связи с пристрастием некоторых художников к фототехнике; картины, написанные акриловыми красками, похожи на фотографии большого формата. Термин «гиперреализм» (греческая приставка «гипер» - означает «сверх»). Применение фотографии, которая проецировалась на холсты при создании работы. Запланированная «случайность кадрировки». Причины популярности направления - «как в жизни». Холодная отчужденность образов. Ричард Эстес (род. 1932, США): «Телефонные кабины» 1967(1). Чак Клоуз (род.1940, США): «Линда» 1975 – 1976 (2). Джон де Андреа (род. 1941, США): скульптура «Янтарная женщина» 2005.
1 
2 
3 
Канадский художник Джейсон де Грааф (Jason de Graaf)
испанец Педро Кампос (Padro Campos):
Поп-арт
(англ. pop art, сокращенное от popular art – «популярное искусство») – художественное движение в изобразительном искусстве 1950 -1960-х годов, зародившееся в Великобритании в среде английских художников «Независимой группы» Института современного искусства в Лондоне, и получившее широкое развитие в США.
Т.о. два направления: британский и американский поп-арт. Основные представители поп-арта: Англия – Ричард Гамильтон,
США - Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол.
Затем поп-арт породил в конце 20 века новое течение - «оп-арт» .
Предпосылки:
На развитие поп-арта повлияли:
- пуризм (направление, вытекшее из позднего кубизма), картины Фернана Леже изображавшего в своих работах предметы массового производства.
- дадаизм. Марсель Дюшан, первопроходец дадаизма в Соединенных Штатах, пытался сократить дистанцию между искусством и реальной жизнью, увековечивая продукты массового производства, был одной из самых влиятельных фигур в эволюции американского поп-арта.
- «общество потребления», США.
Америка – родина нового мировоззрения «общества потребления» 20 века.
Промышленность США расширилась и укрепилась за годы войны, опалившей остальную часть мира В США сразу после Второй мировой войны начался мощнейший экономический подъем в сочетании с прогрессом технологий и средств массовой информации, это породило культуру людей со стабильным высоким доходом и большим количеством свободного времени. Казалось бы, что может быть лучше?
Промышленность начала забрасывать массового потребителя самыми разнообразными продуктами, начиная от лаков для волос и стиральных машин, и заканчивая блестящими новенькими кабриолетами, которые, если верить рекламе, являются материальным воплощением счастья. И всякий раз они – в новых привлекательных упаковках. Существенной поддержкой для культуры потребления стало развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе, где акцент стал делаться (с легкой руки Тулуза-Лотрека) на графических изображениях, а также на узнаваемых логотипах — брендах, которые сейчас в нашем визуально насыщенном мире воспринимаются как нечто само собой разумеющееся. А тогда это только придумали. Бренды стали отличительными знаками престижа.
В США быстро возникла «культура потребления», когда счастье, здоровье и успех стали специально ассоциировать не с отношением людей друг к другу, не с процветанием мира, а с личным приобретением тех или иных товаров. Неравноценная подмена смыслов.
Английский поп-арт. В отличие от процветавшей Америки, Великобритания, где собственно зародился поп-арт, тяжело переживала послевоенные годы. Можно сказать, что поп-арт обязан своим появлением завистливым взглядам через океан: на американскую рекламы и фильмы массовой культуры, на идеализированные журнальные картинки беззаботной жизни общества потребления. Первыми к этим образам обратились художники из «Независимой группы» (IG), основанной в начале 1952 года в Лондоне. Они сформулировали и начали распространять большинство базовых идей британского поп-арта. Ведущими представителями «Независимой группы» были Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, сэр Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл. Считается, что первым определение «поп-арт» использовал художественный критик Лоуренс Аллоуэй, который тоже был членом «Независимой группы».
В Великобритании поп-арт был дерзким вызовом и традиционной, и нетрадиционной (модернистской) живописи, поскольку в нем делалась ставка с одной стороны на возврат к фигуративному искусству – в пику модернистам, и с другой стороны - на изображения китча - популярной массовой культуры, включая рекламу, комиксы, обыденные предметы и новости, в пику глубокомысленному искусству академизма. Новое поколение художников желало вернуться к предметной живописи с явными и очень простыми смыслами, внося в свои работы легкомысленность, несерьезность, иронию.
Китч (нем. Kitsch — халтурка, безвкусица, «дешёвка») этого времени — одно из ранних стандартизированных проявлений массовой культуры, характеризующееся серийным производством. Китч ориентирован на массового неразборчивого потребителя (в прошлые эпохи говорили – обывателя).
Основные мотивы и истоки поп-арта: комиксы, коммерческая реклама.
Одной из самых знаковых работ британского поп-арта считается знаменитый коллаж Ричарда Гамильтона под затейливым названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 (1), созданный для важнейшей выставки «Независимой группы». Выставка «Это — завтра», прошедшая в Галерее Уайтчепел в Лондоне, стала отражением всепоглощающего интереса художников к массовой культуре и китчу.
Как писал Аллоуэй, «…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем ее как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».
Потребление именно с энтузиазмом – неотъемлемая часть идеологии этой новой культуры.
Борьба за равные права всех людей на жизнь с высоким качеством (избирательное право, работа с доходом, позволяющим иметь жилье с удобствами – электричеством, водопроводом, канализацией, пользоваться услугами систем здравоохранения, образования, качественными питанием+ достаточно свободного времени на отдых) – велась в Европе веками. И вот в 20 веке наконец ее задачи стали осуществляться. Но и тут что-то пошло не так…
Американский поп-арт. Поп-арт быстро подхватили американцы. Следуя духу времени, новые художники презрели все стандарты современной американской живописи, опиравшиеся на абстракции как отображение универсальных истин и глубоких личных переживаний. Поп-арт в США – стал новым искусством, выражающим легкомысленные идеалы нового общества.
В США поп-арт стал реакцией на заумную серьезность при полной беспредметности американского абстрактного экспрессионизма.
Непосредственными первопроходцами поп-арта в США стали Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 50-х рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, но делали это в живописной выразительной манере.
Поп-арт – с этого момента стал символом американского искусства.
Роберт Раушенберг (1925-2008): иллюстрации к «Аду» Данте, фроттаж (1), «Путь в небо» 1964, шелкография (2).
«Песнь XXXI: Центральный колодец Злых Щелей, гиганты. (Иллюстрации к Аду Данте)» (1)
За 18 месяцев Раушенберг создал 34 иллюстрации к «Аду» из «Божественной поэмы» Данте Алигьери, используя технику переводной картинки. Каждую иллюстрацию нужно читать вертикально от левого верхнего угла к нижнему правому как разделенное на эпизоды повествование, в котором события перетекают друг в друга. Персонажи представлены выбранными из журналов фотографиями атлетов, политиков и космонавтов. Данте и его проводник Вергилий подходят к Девятому кругу Ада. Данте появляется в левом верхнем углу как человек, завернутый в полотенце. Стражи Ада, описанные в поэме как устрашающие гиганты, показаны внизу справа как олимпийские атлеты, стоящие на пьедестале. Огромная цепь указывает на силу гигантов, а также напоминает, что они скованы за свои грехи. Под цепью - крошечные фигурки двух поэтов, которых опускают в колодец. Используя знакомые образы для иллюстрации классического текста о поисках божественной правды, Раушенберг сочетает высокое и низменное, реальность и вымысел, прошлое и настоящее.
1 
2 
Создавая иллюстрации к Данте, художник вырезал фотографии из журналов, покрывал их химическим растворителем и прикладывал к бумаге лицевой стороной вниз. Оборотную сторону вырезок он прорабатывал пером - так изображение переходило на бумагу. Наконец, он покрывал изображение тонким слоем гуаши и наносил карандашные штрихи, для присутствия «руки мастера» в работе, выражая определенное настроение или эмоциональное состояние. В «Пути в небо» поп-культурные символы (например, американские астронавты) соседствуют с образами Рубенса.
Клас Олденбург: монументальная скульптура «Печать» в Кливленде (1), «Игла» перед вокзалом в Милане (воткнутая в асфальт игла с ниткой и узелок, торчащий из асфальта через дорогу (2).
1 
2 
Рой Лихтенштейн (1923 – 1997): «Мисс Мэйб» (от maybe «М-может быть…») 1965 (1), «Блам!» Рой Лихтенштейн1962 (2) «Oh, Jeff...I Love You» (3)
1 
2 
Для «Блам!», например, Лихтенштейн позаимствовал часть комикса Расса Хита под названием «All American Man of War» (№ 89). Картина Лихтенштейна не является точной копией рисунка Хита, однако на первый взгляд их легко спутать, поскольку изменения, внесенные художником в изначальное изображение, почти незаметны. Обращаясь за сюжетами к популярным комиксам, Лихтенштейн посвятил свою карьеру исследованию границ между «высоким» и «низким» искусством, раз за разом поднимая вопросы о природе культуры и оригинальности, но при этом не давая никаких окончательных ответов. Как и в случае с большинством представителей поп-арта, невозможно с полной уверенностью утверждать, являлись ли работы Лихтенштейна безусловным одобрением комиксов и массовой культуры в целом, или же критикой этой культуры.
Решение в этом случае остается за зрителем. «BLAM», как и другие похожие работы Лихтенштейна, выполнены в точечной технике «Бен-Дэй», позаимствованной, опять-таки, из комиксов, созданных промышленной печатью. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шёлкографию. Большинство работ художника выполнена в технике фиксированного рисунка, которая заключается в том, что изображение масштабируется, видоизменяется растр, а полученный вариант при помощи трафаретной печати превращается в оригинальную работу. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма. Был дружен с Энди Уорхолом.
Энди Уорхол (1928 – 1987): «Диптих Мэрилин» (1962), «Эрнесто Че Гевара», «200 банок супа «Кемпбел»» (1962).
При создании серии Энди Уорхола с банками супа никогда не предполагалось привлечь внимание к форме или композиции этих работ, в отличие от картин абстрактных экспрессионистов.
Значимыми полотна Уорхола делает выбор универсального и узнаваемого образа (вроде банок с супом, лиц Че Гевары или Мэрилин Монро) и изображение его в качестве массового продукта, но в контексте изобразительного искусства.
Уорхол не просто повторяет популярные образы, а скорее указывает на то, как эти образы в наше время воспринимаются людьми: к ним относятся, как к узнаваемому с первого взгляда товару, который продается и покупается.
Эта серия относится к ранним живописным работам художника, однако уже совсем скоро он переключился на шелкотрафаретную печать, считая, что изображения поп-культуры нужно производить механическим способом. Сто холстов с изображениями банок супа, созданные Уорхолом для первой персональной выставки в Галерее Ферус в Лос-Анджелесе, позволили ему почти мгновенно занять высокое место в мире американской живописи и навсегда изменить лицо современного искусства.
Энди Уорхол - создатель дизайна Кока-Колы, создатель и продюсер рок-группы «The Velvet Underground», которая сильно повлияла на развитие рок музыки даже несмотря на то, что её пластинки продавались небольшими тиражами. Существует утверждение, что «мало кто покупал пластинки «The Velvet Underground», но каждый, кто купил, основал свою собственную группу».
Уорхол в 1963 году создал на Манхэттене студию поп-арта «Фабрика», она была местом не только для массового создания произведений современного искусства (по 80 в день!), но также и для собрания творческой неформальной тусовки Нью-Йорка. Там царила атмосфера безудержного креатива и вседозволенности. Постоянными гостями «Фабрики» были уважаемые интеллектуалы, драматурги, богемные бродяги, голливудские звёзды и влиятельные покровители.
Параллельно снимал кинофильмы, среди которых несколько «неподвижных фильмов»: «Спи» (1963) – 5-часовая съёмка спящего поэта Джона Джорно, «Эмпайр» (1964) – 8-часовая съёмка небоскрёба Эмпайр Стейт Билдинг на протяжении суток 25-26 июля 1964 года.
70-е годы в творчестве Энди Уорхола отмечены относительным спокойствием. В это период он создаёт портреты богатых покровителей – шаха Ирана Мохаммеда Реза Пахлави и членов его семьи, Мика Джагера, Лайзы Минелли, Джона Леннона, Бриджит Бардо и даже Мао Цзедуна. Энди Уорхол. Джон Леннон. Обложка к студийному альбому Menlove Ave. (1), Мик Джаггер 1975 (2)
1 
2 
В Питсбурге существует самый большой в США музей, посвящённый одному художнику – музей Энди Уорхола. В нём представлено около 900 картин, 77 скульптур, тысячи фоторабот и фильмов. Здесь же можно увидеть и его подлинные дневники. Самая дорогая работа художника оценена в 105,4 млн долларов. Продана с аукциона в 2013 году.
Наиболее яркие формы американского поп-арта:
— стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоскостей, заполненных одним цветом;
— буквально «вырезанные» из реальности картины и шелкографии Энди Уорхола с изображениями банок супа, коробок с мылом и бутылок «Кока-колы»;
— скульптуры Класа Олденбурга, увековечившие такие обыденные вещи, как сантехника, печатные машинки и гамбургеры;
— гипсовые человеческие фигуры Джорджа Сигала, перенесенные на улицы города или помещенные в привычное многим окружение, к примеру, автобус, найденный на свалке.
Для сравнения:
Неореализм: Джордж Сигал «Памятник безработным на пункте выдачи хлеба во времена Великой депрессии» (Statue depicting a Great Depression bread line), Вашингтон, США.
Поп-арт: Джордж Сигал. Уличные гипсовые фигуры
Ключевые моменты
1. Создавая картины и скульптуры, изображающие объекты массовой культуры и медиа-звезд, представители поп-арта размыли границы между «высокой» и «низкой» культурой – между искусством и китчем, между хорошим вкусом и безвкусицей. Концепция поп-арта: в культуре не существует никакой иерархии, а искусство может питаться из любого источника.
Художники поп-арта, создавая арт-объект на основе обыденного продукта массовой индустрии, тем самым подчеркивали тенденцию сведения значимости произведений искусства к товару.
2. Несмотря на то, что поп-арт включает в себя широкий спектр работ, созданных под влиянием очень разных взглядов и позиций, большую часть из них характеризует эмоциональная отстраненность. В этих работах трудно почувствовать дух автора. В отличие от «горячей» экспрессии и индивидуализма, свойственных предыдущему поколению, поп-арт отличает «прохладная» дистанцированность художника от своего произведения и его зрителей. Предметом долгих споров был вопрос о том, является ли это следствием принятия художниками поп-культуры, или же наоборот — ее отвержения.
3. Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером. Дизайнером же работал и Эд Рушей, а Джеймс Розенквист начинал с разрисовывания биллбордов. Благодаря этим первым шагам художники получили мощное подспорье для дальнейшей работы, своего рода визуальный словарь массовой культуры, и приемы, позволявшие объединять сферы рекламы, высокого искусства и поп-культуры.
Оп-арт (оптическое искусство) – интернациональное течение конца 1950-1960-х годов. Возникло на основе наследия абстракционизма и поп-арта.
Живопись оп-арта – композиции из однородных по форме, но разноцветных линий и пятен, располагаемых в определенном порядке. Игра, пространственные иллюзии. Применение оп-арта в художественной промышленности, дизайне, высокой моде.
Творчество Виктора Вазарели (1906 – 1997) – французского художника и теоретика искусства, венгерского происхождения, основоположника оп-арта. Серия «Зебры» (1932 – 1942).
Графические работы: «Альбом Вазарели» (1958), «Альбом III» (1959), «Арктур II» (1966), «Созвездия» (1967). Работы по декорированию зданий.
Использование оп-арта в дизайне и моде
Peter Kogler «Untitled» 2018 Выставка в Париже
Имп-арт (англ. imp-art от impossible — невозможный и art — искусство)
или импоссибилизм — самостоятельное направление в оп-арте, нацеленное на изображение невозможных фигур из математики.
Их описал Роджер Пенроуз (род. 1931 г.) – английский физик и математик, работающий в различных областях математики, общей теории относительности и квантовой теории.
Треугольник Пенроуза (1,2) и др.
Ступени Пенроуза или бесконечная лестница: архитектурные пространственные иллюзии
Мозаики Пенроуза:
Творчество Маурица Корнелиса Эшера (1898- 1972) – гениальный нидерландский художник- график, прославившийся благодаря своим парадоксальным рисункам, орнаментальным гравюрам и работам с «невозможной архитектурой». «Рука с отражающей сферой»
Эшер мечтал стать архитектором как его отец, но слабое здоровье не позволило. Увлекся гравюрами, первыми его популярными работами стали пейзажи из многочисленных путешествий. Первая персональная выставка художника состоялась в возрасте 25 лет. Мировую известность Эшер получил в середине 50-х годов ХХ века, после первой выставки в США. За всю жизнь художник не написал ни одного живописного полотна.
Под впечатлением от испанской Альгамбры – арабского дворца с каменным кружевом орнаментов в г. Гранада (1,2) и мозаик Пенроуза он создал «мозаичный» стиль графики: в симметричный узор складываются разные животные.
Математические формулы мозаик Пенроуза и мавританский стиль со строгим узором-кружевом мусульманских мастеров дали толчок фантазии нидерландского художника, он отходит от простых геометрических фигур и начинает «одушевлять» их — на смену квадратам и шестиугольникам приходят птицы, рыбы, рептилии, фантастические зооморфные и антропоморфные образы:
Затем он эту тему сюжетно развил в серии «Метаморфозы»: «День и ночь» (1), «Небо и земля» (2)
1 
2 
«Метаморфозы III» - гравюра, ставшая самой масштабной работой Эшера и поистине грандиозным завершением его знаменитой серии «Метаморфозы». Занимающая почти семь метров в длину, собранная из 33-х одинаковых блоков, она является квинтэссенцией всех «мозаичных» опытов художника, которые захватили его после путешествия в Испанию.
. В «Метаморфозах III» он объединил большинство использованных ранее форм (в том числе и часть гравюры «День и ночь» (1938) в бесконечном закольцованном узоре, где одно превращается в другое- треугольники в крылатые почтовые конверты, те в ящериц, или насекомые – в птиц, а корабли – в рыб.
Метаморфоза 3, фрагмент:
Научный подход. В своих работах Эшер использовал разные приемы, основанные на математических принципах, и превращал сложные геометрические фигуры в произведения искусства («Гравитация», 1952). Но наибольшую популярность художник приобрел среди кристаллографов (в основе этой науки лежит принцип симметрии). В 1960 году Эшер прочитал в Кембридже лекцию о симметрии на международной кристаллографической конференции. Некоторые ученые до сих пор используют его работы (такие, например, как «День и ночь», 1938) в качестве иллюстраций для своих статей.
«Гравитация» (1), мозаика с бабочками (2)
«Лента Мёбиуса»:
Невозможная архитектура. Гравюры, которые прославили Эшера во всем мире, где пространство вывернуто наизнанку, где люди поднимаются по лестницам, ведущим вниз, а вода, стекающая с мельничного колеса, течет вверх, объединяют в себе оптические иллюзии, неевклидову геометрию и приемы имп-арта. Серьезное влияние на художника оказали невозможные геометрические фигуры, созданные ученым Роджером Пенроузом. Играя с воображением зрителя, Эшер в каждой гравюре создает собственный мир невозможного, в котором возможно всё.
«Восхождение и нисхождение» с лестницей Пенроуза
«Бельведер»
Эшеру с его мозаичными узорами, невозможной архитектурой и популярнейшими массово тиражируемыми рисунками удалось достичь того, о чем многие художники того времени могли только мечтать. Он прославился при жизни, получил рыцарский титул и умер в преклонном возрасте признанным гением.
Сегодня для детей созданы отличные развивающие объемные пазлы на основе его мозаик:
Эшер не общался с другими художниками, не входил никогда ни в какие объединения. Единственный художник, с которым он дружил, был его учитель, Самуэль де Мескита, научившему его литографии в Харлеме. Эшер его очень любил и после переезда в Италию переписывался с ним до самой его смерти. В 1944 году вся семья Мескиты, еврея по происхождению, была арестована нацистами, и вскоре после этого он погиб в газовой камере Освенцима. Эшеру удалось сохранить множество работ наставника, которые он позже отправил в амстердамский музей. У себя он оставил лишь один эскиз Мескиты с впечатанной в него жуткой «гравюрой» —следом сапога немецкого солдата. Позже он создал собственную гравюру со следами сапог в грязи и вечностью неба, отраженной в луже.
Скульптура второй половины ХХ века
Витализм (от лат. vitalis – «жизненный») - название течения в искусстве 20 века, приверженцы которого стремились в символичных, абстрактных образах передавать эстетику живого через ритм и пластику. Стиль напоминает первобытное искусство – древних идолов.
Самые яркие представители - скульпторы Генри Мур и Константин Брынкциш (Бранкузи)
Творчество Генри Мура (1898 – 1986) – британского скульптора (Англия) -яркий пример искусства виталистов. Поиск нового пластического языка через изучение музейных экспозиций, коллекций древней скульптуры всех континентов. Главные особенности скульптурного языка Мура, которые сам мастер называл «органическими»: произведения как «памятники природы», естественные образования, созданные природными стихиями. Диапазон изобразительных приемов Мура от реальных форм до абстрактных. «Струнные мать и дитя» (1938). Эмоциональность и лиричность работ. «Семейная группа» (1948 – 1949). «Лежащая фигура» (1958) у здания ЮНЕСКО в Париже. Предельное обобщение формы.
1 
2 
3 
Константин Бранкузи (1876-1957). «Спящая муза», «Поцелуй» и др
Кинетическое искусство
(от греч. «кинетикос» - «приводящий в движение»), возникло в 1920-х годах в прямой связи с творчеством футуристов и конструктивистов (опыты В. Е. Татлина в России, «мобили» А. Колдера в США) и оформившемся в 1960-х гг.
«Мобили» - кинетическая (движущаяся) скульптура Александра Колдера (1898 – 1976). «Бесполезная машина» Дворец ЮНЕСКО. Париж (1). Мобиль «L’empennage» (1953), Шотландская национальная галерея современного искусства (2)
Мобиль оказались очень даже полезными, их взяли за основу дизайнеры детских игрушек для малышей: отличное изобретение (3)
1 
2 
3 
Конструкции Никола Шёффера (1912-1992) во Франции (1), Худио Ле Парка в Аргентине (2), проекты группы «Движение» в России. Использование кинетических конструкций в рекламном, оформительском деле. Творчество Жана Тенгли из Швейщария (3), П. Бюри, Х. Ле Парка, В. Коломбо, Х. де Риверы
1 
2 
3 
Дата: 2019-05-28, просмотров: 404.
