Поможем в ✍️ написании учебной работы

Имя

Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой

Выберите тип работыЧасть дипломаДипломная работаКурсовая работаКонтрольная работаРешение задачРефератНаучно - исследовательская работаОтчет по практикеОтветы на билетыТест/экзамен onlineМонографияЭссеДокладКомпьютерный набор текстаКомпьютерный чертежРецензияПереводРепетиторБизнес-планКонспектыПроверка качестваЭкзамен на сайтеАспирантский рефератМагистерская работаНаучная статьяНаучный трудТехническая редакция текстаЧертеж от рукиДиаграммы, таблицыПрезентация к защитеТезисный планРечь к дипломуДоработка заказа клиентаОтзыв на дипломПубликация статьи в ВАКПубликация статьи в ScopusДипломная работа MBAПовышение оригинальностиКопирайтингДругое

Нажимая кнопку "Продолжить", я принимаю политику конфиденциальности

Имени Тараса Шевченко

Институт культуры и искусств

Кафедра изобразительного и

Декоративно-прикладного искусства

 

Т.В.Филатьева

 

Методическое пособие по курсу

«История изобразительного искусства»

для студентов специальностей «Изобразительное искусство», «Декоративно-прикладное искусство»

со специализациями

6.020200 «Художественная керамика», «Художественный металл»,

6.010100 «Педагогика и методика среднего образования. Изобразительное искусство»

 

 

Луганск

«Альма-матер»

2008

 

 

УДК

ББК

Ф-

 

Рецензенты:

В.А.Гудак, член национального союза художников Украины, кандидат искусствознания, доцент кафедры художественной керамики Львовской академии искусств;

С.А.Шпетная, завкафедры парикмахерского искусства и профессионального мастерства ЛНПУ имени Тараса Шевченко, кандидат педагогических наук, доцент.

Ф- Филатьева Т.В. Учебное издание для подготовки к комплексному государственному экзамену (история изобразительного искусства и методика его преподавания). – Луганск:: Альма-матер, 2008. - 77 с.

Материалы к комплексному государственному экзамену (история изобразительного искусства и методика его преподавания) рекомендованы для студентов специальностей «Изобразительное искусство», «Декоративно-прикладное искусство» со специализациями «Художественная керамика», «Художественный металл», «Педагогика и методика среднего образования. Изобразительное искусство» преподавателей специальных дисциплин.

УДК

ББК

Рекомендовано к печати на заседании кафедры изобразительного и декоративно-прикладного искусства Института культуры и искусств Луганского национального педагогического университета имени Тараса Шевченко

(протокол № 6 от 27 февраля 2008г.)

Ó Филатьева Т.В., 2008

Ó Альма-матер, 2008

 

ВВЕДЕНИЕ

Методическое пособие представляет собой сжатый конспект по истории изобразительного искусства, начиная от первобытного искусства до  ХХ века.

Для получения наиболее целостного впечатления об этапах, тенденциях и направлениях в развитии искусства весь материал излагается в историчес­кой последовательности: от древнейших цивилизаций Египта, Греции, Рима до искусства XX века.

Цель методических рекомендаций – дать студентам теоретическую базу по истории изобразительного искусства с целью успешной сдачи государственного и текущего экзамена по спецдисциплине.

 Данная работа может быть полезна для педагогов и студентов художественных высших учебных заведений, общеобразовательных школ, а также для самого широкого круга чита­телей, интересующихся вопросами культуры, изобразительного искусства.

ИСТОРИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

Первобытное искусство

Истоки искусства как вида духовной деятельности человека достигают глубокой древности. Исследования ученых и археологов дают возможность утверждать, что зарождение искусства относится к периоду палеолита (древнекаменного века).

Особенности первобытного мышления:

- осмысление мира через миф. Миф выражал мироощущение и миропонимание;

- отражение модели мира – мировое дерево или мировая гора;

- слияние с природой;

- не выделение индивида из коллектива;

- высокая эмоциональная чувствительность;

- большая образность воспроизведения в памяти и деятельности.

Функции искусства в первобытном обществе:

идеологическая (закрепление коллективизма);

образовательная (передача знаний и опыта от старших поколений к
младшим);

коммуникативно-мемориальная (установление и закрепление связей между человеком и обществом + закрепление норм и правил);

познавательная (познание и моделирование окружающего мира);

магико-религиозная.

 

Функции первобытного искусства
Идеологическая	- однообразие стиля и сюжета; - отражает анонимность автора; - коллективное начало (тотем, религию рода)
Общеобразовательная	- закрепление и передача информации, опыта; - несет смысловую, символическую нагрузку
Эстетическая	- декоративные эстетические элементы выражают чувства ритма, симметрии, формы.

 

Искусство палеолита

В художественной культуре – реализм.

В центре – животное

Эволюция рисунка:

- волнистые линии, прочерченные пальцами;

- фигуры животных (Ляско, Фон де Гам, Альтамир);

- детализация (изображение шерсти, дополнительные цвета, попытка передать объем – Труа Фрер, Ляско, Нио);

- полихромия;

- стилизация

Развитие изобразительных форм

Схематизм изображений

Факторы:

- свободное время индивида;

- его наблюдение за миром за пределами полезного труда;

- отвлеченные размышления.

Смысл:

- тотемический;

- религиозный (магия);

- мифологическое мышление

Искусство мезолита

Живопись многофигурная, в центре – человек. Женские фигуры – «Венеры».

- Гипертрофированные части лица;

- отсутствуют черты лица, ступни ног;

- своеобразно трактуются руки

- красочность;

- обобщенность;

- многофигурность;

- динамичность сцен.

Искусство неолита

Протоархитектура: - Дольмен; - Кромлех; - Аминьман; - Менгиры.

Функции сооружений:

- захоронения;

- культовые;

- религиозные святилища;

- астрологические обсерватории (дольмены Кубани, кромлех Стоунхендж)

- полировка камня; - сверление; - украшение орнаментом; - распространение украшений; - колоссальность архитектуры        

Основные черты первобытного искусства: синкретизм (формы и содержания); основа культуры — коллективное сознание; аморфность (нельзя выделить виды искусств); культура = способ формирования этноса; символический характер; традиционализм; мифологичность.

ДРЕВНИЙ ЕГИПЕТ

 Общая характеристика

Египетская цивилизация – одна из древнейших в мире. Принято считать, что слово «Египет» произошло от древнегреческого «Айгюптос». Сами же египтяне называли свою страну «Та Кемет» - Черная Зем­ля по цвету местной почвы.

Уже в эпоху Раннего царства (ХХХ – ХХVІІІ в. до н.э.) в Египте су­ществовало единое государство со столицей Мемфис.

Эпоха Древнего царства (ХХVШ – ХХШ в. до н.э.) - это эпоха клас­сики в египетском искусстве, время создания огромных пирамид и ос­новных канонов египетского искусства.

Период Среднего царства (ХХП – ХVП в. до н.э.) - это время форми­рования египетской письменности, расцвет науки, медицины, литера­туры.

Эпоха Нового царства (ХVІ – ХІ в. до н.э.) – период мощных военных походов, это время знаменитых фараонов Тутмоса І, II, III, Рамзеса I, II, Эхнатона, Нефертити, Тутанхамона...

В 332 г. до н.э. Египет был завоеван Александром Македонским. Время фараонов прошло.

 Пирамиды

Египтяне верили в загробную жизнь. Они верили, что душа вер­нется в тело, если оно будет сохранено. Отсюда возникает обычай баль­замирования (мумификации). Мумия (высохшее тело) помещалось в саркофаг (деревянный, каменный, золотой) – гроб определенной фор­мы, повторявший фигуру человека. Он был весь покрыт рисунками и иероглифами и наверху имел портретную маску умершего. Из этой тра­диции выросло знаменитое портретное искусство Египта. Саркофаг помещался в гробнице – пирамиде, огромном архитектурном сооруже­нии, призванном увековечить имя фараона в веках. В Египте насчиты­вают 70 – 80 пирамид. Самые большие пирамиды строились в эпоху Древнего царства. Это гробницы фараонов Хеопса, Хефрена и Микерина. Они построены в Гизе, неподалеку от нынешнего Каира, в пустыне.

Высочайшая из них, пирамида Хеопса, до сих пор не имеет себе равных по величине среди каменных построек всего мира. Ее высота – 146, 6 м, длина в окружности – около I км. Хеопс заставил работать на себя весь египетский народ. Постройка пирамиды длилась 30 лет, 10 лет из них только строили дорогу к пирамиде. На строительстве пира­миды ежедневно работало 100.000 человек. Пирамида состоит из 2.300.000 кубических блоков известняка с гладко отполированными сто­ронами. Нижние блоки весят 15 – 40 тонн, верхние – 2,5 тонны. Построе­на она в XXVIII в. до н.э. Руководил постройками известный архитек­тор Хемиун, родной брат фараона. Качество работы строителей тако­во, что несовпадения горизонтальных и вертикальных линий пирами­ды не превышает ширину большого пальца. Камни настолько плотно пригонялись один к другому, что между ними нельзя просунуть даже иголку.

Большую пирамиду Хеопса называли Библией в камне. Она является  самым грандиозным сооружением на Земле.

Фараоны, царствовавшие после Хеопса, тоже строили себе огром­ные пирамиды. Фараон Хефрен, сменивший Хеопса, хотел превзойти его, но не смог. Пирамида Хефрена всего на несколько метров ниже великой пирамиды Хеопса. Зато рядом с ней из единой скалы вырублен сфинкс-лев с лицом фараона Хефрена. Он как будто охраняет пирами­ды. Его загадочная улыбка стала символом тайны пирамид.

В пирамидах находилось множество статуй – самого фараона, его жены, слуг. На стенах гробницы располагались росписи и рельефы с изображением сцен охоты, пиров, военных походов и т.д. Большинство пирамид было разграблено еще в древности, и знаменитые сокровищницы фараонов не сохранились. Однако и сейчас ученые продолжают нахо­дить новые (небольшие) пирамиды, занесенные песком. Открытие ар­хеологом Г.Картером в 20х годах XX ст. гробницы фараона Тутанхамона стало большим событием в египтологии. Этот юный фараон умер в 18 лет и самым главным событием в его жизни, по словам ученых, было то, что он «умер и был похоронен». Гробница Тутанхамона – один из немногих, уцелевших до наших дней. Стены усыпальницы были из золота, в нескольких золотых гробах; вставленных один в другой, каж­дый со скульптурной маской фараона, покоилась мумия.

Египетские храмы

Период Среднего царства ознаменовался интенсивным строитель­ством храмов, которое было продолжено и в эпоху Нового царства. Каждому богу строились храмы. В храмах служили жрецы. Жрецы в эту эпоху стали самостоятельной политической силой, конкурирующей даже с властью царя. Они обладали знаниями и никому не раскрывали своих тайн. Самыми знаменитыми в Египте храмами были храмы бо­ гов солнца в Карнаке и Луксоре неподалеку от Фив. Их строили и дос­траивали несколько веков. Оба храма соединялись двухкилометровой аллеей, уставленной сфинксами. В каждом храме было больше 100 ко­лонн, верхушки которых были похожи на пальмы, на цветы лотоса. Ствол одной колонны не могли бы обхватить, взявшись за руки, 5 человек. Высота колонн была больше 20 м. В храмах находилось множество статуй. (В Карнакском храме их было 86.000). Стены и колонны были исписаны иероглифами и покрыты барельефами. Постройка таких хра­мов обходилась не дешевле, чем строительство пирамид.

Скульптура

В отличие от земной кратковременной жизни, искусство считалось носителем жизни вечной, поэтому труд художников считался священ­нодействием. Ведущие зодчие, скульпторы, художники Египта были вы­сокопоставленными лицами, очень часто жрецами, их имена были из­вестны и окружены почетом.

Еще в Древнем царстве сложились строго определенные типы ста­ туй:

- стоящей – фигура напряженно выпрямлена, фронтальная, голова высоко поднята, левая нога делает шаг вперед, руки опушены и прижа­ты к телу,

- сидящей – руки симметрично положены на колени или одна рука согнута в локте, торс выпрямлен, взор устремлен вдаль. И эти типы неизменно повторялись и в Среднем, и в Новом царстве.

В рельефах Древнего царствования утвердилась традиция своеоб­разного распластывания фигуры на плоскости. Голова и ноги изобра­жались в профиль, а торс – прямо, в анфас. Этот принцип рисунка со­хранялся всегда. (Египетские рисовальщики отобрали из анфасного и профильного положения самые четкие, ясно читаемые аспекты, объе­динив их вместе).

Искусство Древнего царства – это египетская классика: оно мону­ментально, торжественно, спокойно, ритмично и величаво.

Градация размеров на рельефах – это всегда градация ценностей. Чем значительнее предмет, тем он больше. Фараон – самый большой, даже если он изображен сзади. Его родственники – поменьше. Рельефы всегда раскрашивались. Преобладали сочетания голубых и коричневых с голубыми и зелеными – тона земли и безоблачного неба Египта.

На весь мир прославился скульптурный портрет жены фараона Эхнатона – красавицы Нефертити, жившей в эпоху Нового царства в 1400 г. до н.э. Эти скульптурные портреты сделаны из известняка и рас­крашены. Портрет Нефертити работы скульптора Тутмеса знаменит не меньше, чем Афродита Милосская или Джоконда Леонардо да Винчи.

На весь мир также известны колоссы Рамсеса II. Эти четыре ста­туи сидящего фараона высечены в скале у входа в храм. Высота статуи – 20 м, вес – 1200 тонн.

АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО

Античным искусством (от лат. «антиквус» - древний) принято на­зывать искусство Древней Греции и Древнего Рима. Это название вве­ли итальянские мыслители эпохи Возрождения.

ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ

Достижения древнегреческой цивилизации легли в основу европей­ской культуры.

Ранняя Греция

На рубеже Ш – ІІ тыс. до н.э. в южной части Балканского полуострова и на прилежащих островах возникают общества, разделенные на классы, появляются государства. Культуру этого периода называют КРИТО-МИКЕНСКОЙ (Крит – остов в Средиземном море, Микены – один из древних городов Греции), и длилась она до XII в. до н.э. Крито-микенское искусство считают прекрасной прелюдией греческого искусства. Следующие ХІ – ІХ в. до н.э. называют «темными веками» или «гомеров­ским временем», т.к. сведения об этой эпохе очень скудны, их черпают из поэм Гомера и мифов.

Эпоха эллинизма

Походы Александра Македонского (336 – 323 г. до н.э.) переход от классики к эпохе эллинизма. Эллины (греки и македоняне) массовым колонизационным потоком населяли завоеванные Македонским земли, греческая цивилизация и культура решительно возобладали повсю­ду. Эллинизм (термин этот был введен в науку в I пол. XIX в.) – это встреча Востока и Запада, это победа эллинской культуры.

Архитектура

Основные черты греческой культуры проявились в строительстве храмов. Храм был одним из центров общественной жизни города-госу­дарства. В храмах хранилась государственная казна, помещались биб­лиотека, картинная галерея. Греческие храмы обычно строились на высоком фундаменте; в плане (план – архитектурный вид здания сверху) были прямоугольными. Скаты и карниз крыши образовывали треуголь­ник – фронтон. Крыша храма опиралась на колонны: дорические (стро­гой формы) и ионические (с изящными завитками вверху), коринфские.

В отличие от христианских храмов, в древнегреческом храме ос­новные культовые действия проводились около храма, а не внутри него. Отсюда – особая декорированность храма с внешней стороны.

Наиболее выдающиеся храмы Древней Греции посвящены богам: это храм Зевса в Олимпии, Артемиды в Эфесе (третье чудо света), хра­ мы Афинского Акрополя.

Ансамбль АКРОПОЛЯ считается вершиной древнегреческой архитектуры, символом эпохи наивысшего расцвета и могущества Афин. Он включает ряд сооружений: парадные ворота – Пропилеи, храм Ники Аптерос (Бескрылой Победы), храм Эрехтейон и Парфенон.

Акрополь – это большой холм, возвышающийся над Афинами, он был одновременно и крепостью, и святилищем, и общественным цент­ром. В Афинах отмечалось около 60 праздников. На ежегодных празд­нествах в честь Афины (так называемые Панафинеи) после конных и гимнастических соревнований, после соревнований певцов и музыкан­тов, наступал самый торжественный момент – всенародное шествие на Акрополь.

Главное сооружение Акрополя – ПАРФЕНОН, посвященный Афине-Парфенос, Афине-Деве. Весь из светлого мрамора, в окружении 46 колонн дорического ордера, гармоничный по своим пропорциям, он кажется воплощением чистоты и строгости. В центре храма находилась статуя Афины работы знаменитого скульптора Фидия. Она была сде­лана из слоновой кости и золотых пластин на деревянной основе. Пар­фенон находился на высоте 150 м над уровнем моря и был виден не толь­ко с самой высокой точки города, но и с кораблей, подплывавших к Афинам. Архитекторы – Иктин и Калликрат. Над скульптурами и рель­ефами трудился целый коллектив мастеров под руководством Фидия. Тема восточного фронтона – рождение Афины, любимой дочери Зевса. На западном фронтоне изображен спор Афины с Посейдоном за гос­подство над Аттикой. На площади перед Парфеноном стоит еще одна статуя Афины, также выполненная Фидием. Она отлита из бронзы, это 8-метровая статуя Афины Промахос (Афины-воительницы), грозной и суровой защитницы города. Блеск ее копья был как маяк для кораблей.

... Греки ценили разумность, равновесие, меру. Эти черты как нельзя лучше проявились в древнегреческой архитектуре.

Скульптура

Большинство скульптур в Греции вели не музейный образ жизни. Они стояли в храмах, на площадях, на берегу моря, возле них проходи­ли праздники, шествия, спортивные игры. Плутарх говорил, что в Афи­нах статуй больше, чем живых людей. Однако до нас дошло очень мало греческих подлинников – в основном в фрагментах и обломках. Боль­шинство знаменитых статуй нам известно по римским копиям, кото­рые, к сожалению, не передают красоту оригиналов.

Скульпторы высекали статуи из мрамора, отливали из бронзы, вырезали из дерева. Мраморные статуи раскрашивались под цвет чело­веческого тела, а бронзовым вставлялись глаза из цветных камней. Де­ревянные статуи обклеивались пластинами из слоновой кости. И бо­гов, и героев, и современников греки изображали красивыми людьми со стройными телами и правильными чертами лица. Греки ценили кра­соту человеческого тела и уже в V в. до н.э. научились передавать тело в движении. Образ прекрасного человека- бога, героя, спортсмена-атле­та, гражданина – становится главной темой скульптуры. Искусство скульптурного портрета было развито слабо, в скульптуре главное вни­мание уделялось телу, а лица статуй носили обобщенный характер, вы­ражали идеал греческой красоты: правильный овал лица, прямая линия носа, волнистые волосы, спокойный взгляд...

Выдающиеся скульпторы V века: Мирон, Поликлет, Фидий.

Самая известная работа МИРОНА - «Дискобол», где атлет пока­зан в момент метания диска. Совершенное тело атлета в момент наи­высшего напряжения – любимая тема Мирона. Скульптурная группа «Афина и Марсий» создана по известному мифу.

В творчестве ПОЛИКЛЕТА ведущая тема – изображение атлетов, которые воспринимались как воплощение лучших черт гражданина.

Статуи «Дорифор», «Диадумен», «Раненая амазонка». Дорифор – могу­чий воин с копьем, воплощение спокойного достоинства. Поликлет на­писал теоретический трактат «Канон» (правило), где рассчитал разме­ры человеческого тела, исходя из роста человека: голова должна со­ставлять 1/7 часть роста, лицо и кисть руки 1/10, ступни - 1/6 и т.д.

Величие, отрешенность, неземная красота – характерные черты произведений ФИДИЯ. Сами греки считали величайшим творением Фидия статую Зевса Олимпийского, помешенную в его храме в Олим­пе. Она была изготовлена в той же технике, что и статуя Афины на Ак­рополе: деревянную фигуру покрывали пластины слоновой кости, а одежда, волосы были сделаны из золота. Сидящий на троне 13-метровый Зевс, в правой руке держал фигуру богини победы – Ники, в левой – символ власти – жезл. Фидиеву статую причисляли к чудесам света. «Бог ли на землю сошел и явил тебе, Фидий, свой образ. Или на небо ты сам бога узреть восходил?» писал поэт Филипп, живший 5 столетий спустя.

Скульпторы IV в. до н.э. – ПРАКСИТЕЛЬ («Гермес с Дионисом»,
«Афродита Книдская») и Скопас («Менады»). Пракситель одним из пер­вых изобразил обнаженное женское тело. Скопас создает образы монументально-героические, его герои находятся в состоянии экстаза, бурной страсти (менады – спутницы Диониса).

Последним великим скульптором поздней классики был ЛИССИПП
(конец IV в. до н.э.) – придворный скульптор А.Македонского. Он работал в бронзе, оставил 1500 статуй, но они почти не сохранились. Атлетов изображал в момент спада: «Отдыхающий Геракл», «Отдыхающий Гермес». Оставил портреты А.Македонского. У него были свои пропорции, его фигуры – выше и стройнее. По Лиссиппу – голова – 1/9) часть фигуры. На острове Родос ученик Лиссиппа скульптор Харес соорудил медную статую бога солнца Гелиоса высотой 32 м. Ее назвали чудом света и «Колоссом Родосским».

«Афродита Милосская» - скульптор Агесандр, «Ника Самофракийская» и алтарь Зевса в Пергаме (или Пергамский алтарь) – это уже произве­дения эпохи эллинизма, они созданы во П – ІУ в. до н.э.

Живопись

Древнегреческие художники были гордостью своего времени. Но до наших дней не дошла ни одна картина знаменитых мастеров. О их славе мы можем судить только по легендам.

Художник Зевкис жил во времена Сократа. За свои картины он по­лучал столько денег, что вскоре перестал их продавать. Он дарил их горо­дам и правителям и говорил, что нет таких денег, чтобы их купить. Под одной из картин подписал, что ему легче завидовать, чем подражать. Эта фраза стала крылатой. Прославился он картиной «Елена Прекрасная».

Другой известный художник Паррасий создал картину «Афинский народ». Между художниками произошло состязание. «Суди не выше сапога», - ответ художника Апеллса сапожнику. Его слова «ни дня без строчки» стали девизом художников и писателей.

К сожалению, из работ греческих художников до наших дней не дошли ни фрески, ни мозаики, ни образцы станковой живописи. Сохра­нилась лишь живопись на вазах. Формы ваз были самыми различными. На них рисовали сценки из быта (сцены пира, охоты, спортивных со­стязаний), из мифов, из поэм Гомера. Живопись на вазах была пред­ставлена двумя видами: чернофигурные (красная глина служила фоном, а фигуры закрашивались черным лаком) и краснофигурные вазы (где закрашивался фон, а фигуры были из красной глины).

ДРЕВНИЙ РИМ

Легенда об основании Рима

По легенде, царь одного из латинских городков приказал бросить в Тибр новорожденных сыновей своей племянницы – Ромула и Рема, опа­савшись их как наследников. Но дети спаслись. Волчица накормила их молоком, воспитал пастух. Братья выросли и убили царя. В ссоре Ромул убил Рема и основал город Рим, по-латински Рома. 753 г. до н.э. – леген­дарный год основания Рима. На Капиталийском холме в Риме была по­ставлена статуя волчицы, хранящаяся сейчас в музее.

Римская скульптура

Римский СКУЛЬПТУРНЫЙ ПОРТРЕТ – одно из высших дости­жений римского искусства. В отличие от греческой скульптуры, ставив­шей своей задачей создание идеально-прекрасного образа гражданина греческого полиса, римский портрет передает неповторимую индиви­дуальность модели. Истоки римского портрета лежат в этрусском по­гребальном портрете (этруски – одни из предков древних римлян) и в древних обычаях самих римлян ставить в домах портретные изображе­ния предков хозяина дома. Восковые отливки этих портретов-масок (или гипсовые слепки) хранили дома, этот обычай научил скульпторов точ­ной передаче черт человеческого лица. Трезвый, объективный, рацио­нальный ум римлян способствовал именно развитию портретного жан­ра. Материал – бронза, позднее – мрамор.

Скульпторы не только изображали лица, но и раскрывали харак­тер человека. Так, в скульптурном портрете оратора Цицерона мы ви­дим умного человека, в изображении Юлия Цезаря – решительность, отвагу, в портрете ростовщика – скупость.

В статуе в полный рост римляне решили другую проблему – образ делового человека, оратора, гражданина республики.

Императоров скульпторы нередко возвеличивали и обожествля­ли. (Скульптура императора Августа в полный рост).

Около 170 г. была отлита конная статуя императора Марка Авре­лия, послужившая образцом для последующих европейских монумен­тов. В XVI в. Микеланджело поставил ее в центре площади на Капитолии. «Философ на троне», стоик, Марк Аврелий изображен как бы в глубоком раздумье. В своем дневнике он писал: «Время человеческой жизни – миг, ее сущность – вечное теченье, ощущение – смертно. Строе­ние всего тела – бренно, душа – неустойчива, судьба – загадочна, слава – недостоверна».

Римская культура получила широкое распространение не только в Италии, но и во всей Римской империи.

ИСКУССТВО СРЕДНЕВЕКОВЬЯ (У-Х І V века)

 Возникновение христианства. Раннехристианское искусство

Мостом между искусством средневековья и античным явилось раннехристианское искусство. Оно возникло под влиянием новой религии - христианской в I веке н.э. На смену многочисленным языческим бо­гам приходит единый бог – Иисус Христос. Согласно новой религии страдающие на земле получали вечный рай на небесах. Первые христи­ане в основном были бедняками и подвергались жестоким преследованиям со стороны официальных властей Римской империи. Для своих тайных молитв, совершения похоронных обрядов, они собирались в подземных галереях Рима – катакомбах (по имени местности Катакумб). Стены катакомб сохранили фрагменты фресок, в которых еще исполь­зовались античные мотивы, но уже в соответствии с духом новой рели­гии. Например, Орфей отождествлялся с библейским царем Давидом-псалмопевцем, Персей – со св. Георгием, Одиссей – устоявший перед сиренами, - с христианином, стойким перед мирскими соблазнами. Хри­стос изображался в виде юноши – пастуха с ягненком на плече. Так сла­галась роспись, понятная лишь посвященному.

В 313 г. при императоре Константине христианство становится официальной религией и появляются первые христианские храмы –БАЗИЛИКИ (прямоугольное здание, вытянутое по оси восток-запад). В 395г. Римская империя распадается на Восточную и Западную. В 476 г. Западная империя пала. Рим был захвачен варварами.

Общая характеристика

На ХІП-ХІУ в. приходится наивысший расцвет средневековой куль­туры: светской литературы и поэзии, театрального искусства, музыки. Главной идеологической силой остается церковь, но жизнь городов вызывает рост антифеодальной и антицерковной оппозиции. В Боло­нье, Парме, Солермо, Оксфорде в ХП-ХШ в. возникают первые евро­пейские университеты.

Готическое искусство целиком связано с городом. Городская жизнь порождает новые типы здания гражданского назначения; биржа, тамож­ня, суд, больница, рынки...

Готический храм

В отличие от романского, готические соборы кажутся легкими и прозрачными от множества огромных окон. Они словно сотканы из ка­менных кружев. Крутые скаты крыш, стрельчатые арки, высокие баш­ни, увенчанные тонкими шпилями – все это создает впечатление стре­мительного порыва ввысь. Высота башен самых больших храмов дос­тигала 150 м, превышая египетские пирамиды. В огромном соборе ве­рующие должны были чувствовать себя слабыми и ничтожными перед могуществом бога и церкви. Готические соборы строились десятки и более лет.

Соборы Франции

Франция считается колыбелью готики. Самым большим храмом периода ранней готики считается Собор Парижской богоматери или Нотр-Дам де Пари (1163-1208 г. постройки). Он вмещал 9.000 человек, всех жителей города. Высота центрального нефа – 35 м. Колокольни собора были одновременно и дозорными башнями Парижа. Этот со­бор великолепно описан В.Гюго в одноименном романе.

Шартрский собор (1194-1260) и собор в Реймсе (1212-1311) – это примеры зрелой готики. Самый высокий готический собор Франции –Амьенский (1218-1258). Строился 40 лет, высота – 42м, длина 145 м. Его часто называют «готическим Парфеноном».

Немецкие соборы

Они проще в плане, здания сильнее вытянуты по вертикали, ха­рактерна одна башня, увенчанная высоким шпилем. Строились несколь­ко столетий, применялся и кирпич.

Знаменитый Кельнский собор был начат в 1248 г., строился до XVI века, башни возведены в XIX в. Высота центрального нефа – 46 м, а башен – 160 м. Великий Гете отправился в Кельн, чтобы «изучить сказку о вавилонской башне на берегах Рейна» - так поэтично сказал Гете о Кельнском соборе.

Английские соборы

Они связаны не с городами, а с монастырями, более «растянуты» в ширину, менее высоки, имеют много пристроек и главную башню – донжон.

2 Собор в Солбери (1220-1270) – образец ранней готики. Его башня самая высокая в Англии – 135 м. Этот собор воспет в пейзажах художника Констебла.

3 Кентерберийский собор (ХП-ХУ века) – главный готический собор Англии, резиденция архиепископа Кентерберийского, национальная
святыня Англии.

- Собор Вестминстерского аббатства в Лондоне – место коронации и погребения английских королей, впоследствии усыпальница великих людей Англии.

Соборы Италии

В Италии получили воплощение лишь отдельные элементы готики: стрельчатые арки, «розы». Основа оставалась чисто романской: широкие приземистые храмы, гладкие стены. Пример поздней итальян­ской готики – это огромный, вмещающий в себя до 40.000 человек Милан ский собор, самый большой храм Европы (1378 – XV век, заканчивался в XIX в). Его строили не только итальянские, но немецкие и французские зодчие. Весь собор покрыт скульптурной резьбой.

Готическая скульптура

Готика – период расцвета монументальной скульптуры. Вырабатываются определенные каноны (правила), в какой части здания что изображать. Так, в алтарной части изображались сцены из жизни Христа, на Западном фасаде – картины «страшного суда». Со 11 половины ХIII в. фигуры становятся более подвижными, тела – более объемными (статуи Марии и Елизаветы западного портала собора в Реймсе). Декор Реймского собора является высшей точкой расцвета готической скульптуры. Количество статуй в готических храмах доходило до 10.000.

ИСКУССТВО ВОЗРОЖДЕНИЯ

ИТАЛЬЯНСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

«Возрождение» (по-французски - «ренессанс», по-итальянски - «ринашименто») – это термин, введенный Джорджо Вазари (архитектором, живописцем и историком искусств XVI века) для определения исторической эпохи раннего капитализма.

Культура Возрождения, связанная с появлением класса буржуазии, родилась в Италии. Сам термин не случаен. В Италии, на родине античности, вновь возрождается античный идеал прекрасного, гармоничного человека. ЧЕЛОВЕК вновь становится главной темой искусства. Поэтому деятелей новой культуры называли ГУМАНИСТАМИ (от латинского «гуманус» - человеческий). Гуманисты проявляли большой интерес к культуре Древней Греции и Рима.

Проторенессанс

Подлинное начало новой эпохи связывают с именем живописца ДЖОТТО ди БОНДОНЕ (1266?-1337). Еще Данте в «Божественной ко­медии» назвал Джотто лучшим художником своего времени. Фрески Джотто изучали и копировали Рафаэль, Микеланджело. Джотто гени­ально предугадал главное нововведение искусства Возрождения, наме­тил путь, по которому пошло развитие живописи.

Из работ Джотто лучше всего сохранились фрески Капеллы дели Арена в г. Падуя (1303-1306). Сюжеты фресок взяты из жизни Марии и Христа, тема традиционная, но Джотто впервые сумел выразить инди­видуальное отношение к этим сюжетам. Джотто лишает персонажей средневековой не материальности, «возвращает» их на землю. Живопись Джотто проста, строга по сравнению с изяществом готики. Благодаря этому она обретает силу и монументальность. Его художественный язык близок литературному стилю священного писания.

Одна из самых известных росписей падуанского цикла - «Поцелуй Иуды» - рассказывает о поединке добра и зла, благородстве и низости. На фоне синего неба среди взметнувшихся копий и факелов Христос и обнимающий его Иуда изображены в профиль. Спасителю с лицом бе­зупречной красоты противопоставлен уродливый низколобый Иуда. Джотто достигает здесь неведомой до сих пор психологической глуби­ны. Джотто был и прекрасным архитектором. В своей родной Флорен­ции он возвел колокольню главного собора.

Примечание: Имя Джотто было в 1986 г. присвоено космическому аппа­рату, пролетевшему недалеко от кометы Галлея (т.к. Джотто изобразил на своих фресках эту комету), и вся программа Европейского космичес­кого агентства получила название «Джотто». К этому событию выпу­щены марки.

Высокий Ренессанс

Это наивысшая точка расцвета итальянского искусства, «золотой век» итальянского Возрождения. Этот период совпал с периодом ожесточенной борьбы итальянских городов за независимость. Искусство эт ого времени было пронизано гуманизмом, верой в силы человека, торжество прогресса. В нем на первом плане выдвигаются проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств, подвига, образа прекрасного, гармонично развитого, сильного телом и духом героя, сумев шего подняться над уровнем повседневности. Искусство Высокого Воз­рождения отказывается от частностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа.

ВЫСОКИЙ РЕНЕССАНС В ВЕНЕЦИИ

Высокий Ренессанс в Венеции представлен творчеством художни­ков Джорджоне и Тициана.

ДЖОРДЖОНЕ (1477-1510) первый в Венеции обратился к литературным и мифологическим сюжетам. Пейзаж и прекрасное обнаженное человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом по­клонения. Чувство гармонии, совершенство пропорций, мягкая светотень, одухотворенность и психологичность типичны для Джорджоне. Одна из популярных картин Джорджоне - «Юдифь» (Юдифь – героиня библейского мифа, проникла в лагерь ассирийцев и убила их предводителя Олоферна). В образе Юдифи сочетается мужественная величавость и тонкая поэтичность. Прекрасная женщина изображена на фоне прекрасной природы. Но в ее руке холодно блестит обоюдоострый меч, а нежная нога опирается на мертвую голову Олоферна.

Одухотворенностью и поэтичностью пронизано изображение «Спящ ей Венеры». Ее тело написано легко, свободно, исследователи говорят о музыкальности ритмов Джорджоне. Джорджоне умер рано, от чумы и пейзажный фон в этой картине написал Тициан, как и в «Сельском концерте».

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИ (1477-1578) – величайший художник Вене­цианского Возрождения. Писал произведения на мифологические и христианские сюжеты, работал в жанре портрета. Его исключительное колористическое дарование, неисчерпаемая композиционная изобретательность и счастливое долголетие (прожил около 100 лет) позволили представить богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков (Рубенс, Веласкес). У него было немало учеников, но и один из них не был равен учителю.

Наиболее известные работы: «Даная» (согласно мифу, к Данае, дочери царя, заточенной им в башню, проник Зевс в виде золотого дождя), «Св. Себастьян», «Автопортрет», «Венера Урбинская» (написана по заказу герцога Урбинского).

СЕВЕРНЫЙ РЕНЕССАНС

Северные города Европы (северные по отношению к Италии) не имели такой самостоятельности, как итальянские. Это сказалось на характере культуры. В искусстве северного Ренессанса отразилось сред­невековое мировоззрение. Оно более связано с готикой, условно по форме, более архаично, в нем больше религиозного чувства и символи­ки, меньше – связи с античностью. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие.

Нидерландское Возрождение

Нидерландское Возрождение в живописи начинаемся с творчества братьев Губерта (умер в 1426) и Яна (ок. 1390-1441) ВАН ЭЙКОВ, с их совместной работы «Гентский алтарь» (г. Гент, церковь св. Бавона). Этот алтарь представляет собой двухъярусный складень на 12 досках. Ввер­ху изображен Христос на троне с предстоящими Марией и Иоанном, поющими и музицирующими ангелами и Адамом и Евой, внизу – сцена «Поклонения агнцу». Для братьев ван Эйков характерна тщательность и подробность в передаче всех деталей, в этом сказались принципы ни­дерландской миниатюры. Ян ван Эйк писал мадонн (мадонна канцлера Роллена), портреты («Человек с гвоздикой», портрет жены Маргариты ван Эйк, «Портрет супругов Арнольфини»). Ван Эйки усовершенство­вали технику масляной живописи.

Творчество ИЕРОНИМА БОСХА (1450-1516) полно противоречий и загадок. Он обращается и к средневековой аллегории, и к народному юмору, и к демоническим образам, и к конкретной действительности. С беспощадной гротескностью он изображает человеческие пороки («Корабль дураков», «Стог сена»). Фантазия художника создает неви­данные формы, соединяя предметы живого и неорганического мира («Сад наслаждений»).

Вершиной Нидерландского Возрождения стало творчество ПИТЕ­РА БРЕЙГЕЛЯ старшего, прозванного Мужицким (1525/30-1569). С его именем связывается окончательное сложение пейзажа в нидерландской живописи как самостоятельного жанра. Особенно популярен «Зимний пейзаж» (второе название - «Охотники на снегу») из цикла «Времена года». От этой картины веет тонким проникновением в природу, ли­ризмом и щемящей грустью. Питер Брейгель зародил и основы нидер­ландской жанровой живописи. Он изображает деревенские ярмарки, свадьбы, танцы, праздники («Крестьянский танец», «Деревенская свадь­ ба»). В 60-е годы Брейгель создает ряд трагических произведений, пре­восходящих по силе выразительности все фантасмагории Босха. В ре­лигиозных сюжетах он изображает злободневные события – бесчинства испанских угнетателей (Нидерланды в это время находились под влас­тью Испании). «Вифлиемское избиение младенцев» - это картина резни испанцев в нидерландской деревне, даже солдаты изображены в испан­ских одеждах. Картина «Слепые» имеет символическое значение. Путь слепых – это жизненный путь всех людей.

Немецкое Возрождение

Самый крупный художник немецкого Возрождения – АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471-1528).

Дюрер – типичный художник Высокого Возрождения. Он был живописцем, гравером, анатомом, математиком, инженером. Его наследие: 80 станковых произведений, более 200 гравюр, более 1000 рисунков, скульптуры, рукописи. Был крупнейшим гуманистом Возрождения, его идеал человека отличен от итальянского. Его образы полны силы и раздумий, сомнений, в них отсутствует ясная гармония, художественный язык усложнен, аллегоричен.

Дюрер родился в Нюрнберге, в семье золотых дел мастера, отец был его первым учителем. Много ездил по Германии, Швейцарии, был в Италии. Занимался гравюрой на дереве и меди и стал крупнейшим мастером гравюры в Европе. Тема смерти – частая тема его гравю р. Создает серию гравюр на дереве на темы Апокалипсиса. Первый в Германии разрабатывает проблемы перспективы, анатомии, пропорции, пишет научные трактаты.

Три самые знаменитые гравюры Дюрера на меди: «Всадник, смерть и дьявол», «Св. Иероним» и «Меланхолия» вызвали к жизни целые тома исследований. В первой гравюре изображен всадник, неуклонно движущийся вперед, несмотря на то, что дьявол и смерть искушают его (образ воли). Во второй – сидящий в келье и занятый работой Св. Иероним (образ ясной человеческой мысли). В гравюре «Меланхолия» молодая женщина – крылатый гений в окружении атрибутов средневековой науки и алхимии: песочных часов, весов, колокола, «магического квадрата», летучей мыши – полна мрачной тревоги, раздумий, неверия в торжество разума и знаний. Живописные работы Дюрера: «Автопортрет», «Адам и Ева», «Четыре апостола» и др.

Французское Возрождение

Начало французского Возрождения – середина XV века. Французский Ренессанс носил характер придворной культуры. (Народный ха­рактер проявился во французской литературе в творчестве Франсуа Рабле).

Первый крупный художник французского Возрождения – ЖАН ФУКЕ (1420-1481), придворный художник Карла VII и Людовика XI. С начала XVI в. Франция представляла собой самое большое абсолютистское государство Западной Европы. Центром культуры становится двор, особенно при Франциске I, знатоке искусств, покровителе Леонардо. Приглашенные сестрой короля Маргаритой Наваррской итальянские маньеристы Россо и Приматиччо становятся основателями школы Фонтебло. Замок в Фонтебло, замки Шамбор, Шенонсо, перестройк а старого дворца Лувр (архитектор Пьер Леско и скульптор Жан Гужон) – первое применение ренессансных форм в архитектуре.

XVI в. – время блестящего расцвета французского портрета – живописного, карандашного. В этом жанре особенно прославился ЖАН КЛ УЭ (1485/88-1541), придворный художник Франциска I. Он пишет небольшие по размеру, парадные по форме портреты придворных, короля («Портрет Франциска I»). Его сын ФРАНСУА КЛУЭ (1516-1572) становится самым крупным художником Франции XVI в. Краски Ф.Клуэ напоминают по своей чистоте и интенсивности драгоценные эмали («Портрет Елизаветы Австрийской»). В исключительных по мастерству владения карандашом, сангиной, акварелью портретах Клуэ запечатлен весь французский двор середины XVI ст. (портрет Генриха II, Ма­рии Стюарт и др.).

Скульптора ЖАКА ГУЖОНА (1510-1566/68) прославили рельефы фонтана Нимф (фонтана Невинных) в Париже.

РУССКОЕ СРЕДНЕВЕКОВЬЕ

Культура древних славян

Развитие духовной культуры и верований восточных славян, жив­ших на территории современной Украины, было тесно связано с их хо­зяйственной деятельностью. Большое место в жизни восточных славян занимали обрядовые праздники, посвященные наступлению весны и началу полевых работ, сбору урожая, новогодним праздникам.

Славяне были язычниками по вере, обожествляли солнце, луну, явления природы, реки, озера, леса. Богов было множество. Главные – Ярило – бог Солнца, Велес – защитник скота. Перун – бог войны, грома. Лада – богиня любви.

Древние славяне верили в загробную жизнь, устраивали князьям (вождям) торжественные похороны, насыпая могилы (курганы) высо­той до 10 м.

В могилы клали оружие, драгоценности, пищу, одежду. В приклад­ ном искусстве господствовало 2 стиля:

- «звериный» - изображение жи­вотных и

- «геометрический» - изображение орнамента из треугольни­ков, квадратов, ромбов и т.д.

У славян было развито и музыкальное искусство. По характеру были свободолюбивы и не давали себя никому покорить. Славяне перешли от первобытного строя к феодальному ми­нуя рабство.

Искусство Киевской Руси

Киев, согласно легенде, был основан в 482 г., его основателями считаются братья Кий, Щек, Хорив и их сестра Лыбидь. Как государство Киевская Русь сформирова­лась в I пол. IX века. При князе Владимире Святославовиче в 988 г. состоялось официальное крещение Руси, перенявшей христианство из Византии. На смену языческим идолам пришли христианские храмы, строившиеся по образцу византийских. Русское искусство, начиная с X в. и вплоть до XVII в. неразрывно связано с Церковью и христианством.

В древнерусской архитектуре получила распространение крестово-купольная система. Над храмом возвышался главный купол, кото­рый могли окружать от 4-х до 12-ти меньших куполов. Центральный купол опирался на 4 главных столба, прямоугольное в плане здания словно расчленялось крестом. Купола напоминали формой луковицу или шлем древнерусского воина.

Выдающимся памятником древнерусской архитектуры является собор Святой Софии в Киеве, построенный при Ярославе Мудром, сыне Владимира, в 1037-44 г. в честь победы над печенегами. В XII веке со­бор был тринадцати купольным, что символизировало Иисуса Христа и 12 апостолов, но затем число куполов уменьшили. В центре главного купола изображен Христос как Вседержитель, 4 архангела и Богоматерь - Оранта – с поднятыми вверх в молении руками. Ее считают покро­вительницей Киева. В этом соборе сохранилось 260 м² мозаик XI века и около 3000 м² фресок. Мозаики собора насчитывают 177 цветовых оттенков. На фресках есть изображение дочерей и жены Ярослава Муд­рого, сцен из жизни святых, но есть и светские сюжеты: сцены охоты, пляшущие и играющие музыканты (фреска «Скоморохи»).

Домонгольский период – блестящая эпоха в развитии русской куль­туры, отмеченная такими произведениями, как «Слово о полку Игореве», Дмитриевский (XII в.) и Успенский (XII в.) соборы во Владимире, Софийский собор (XI в.) в Новгороде, церковь Покрова на Нерли (1165 г.). Чем севернее строился храм, тем больше в нем проявлялось черт оригинального русского зодчества, дальше уходили византийские тра­диции. Древние русские храмы отличались:

- монументальностью форм,

- строгими плоскостями стен,

- подчеркнутой простотой и геометризмом архитектурного убранства, не знавшего украшательства.

С распадом в XII в. Киевской Руси возникают крупные культур­ные центры и самобытные школы: Новгород и Псков, Смоленск и Тверь, Ярославль и Суздаль, Владимир и Чернигов, Галич и Полоцк.

Богаты были Владимирские князья, их называли «великими». Из Киева во Владимир переносится главная святыня православной Руси – икона «Умиление», которая отныне будет называться «Владимирская богоматерь».

ИСКУССТВО РУСИ Х ІУ-ХУІ в.

Общая характеристика

Монголо-татарское иго нанесло страшный удар по культуре Руси. Было уничтожено множество материальных и духовных ценностей, ис­треблены или угнаны в плен лучшие ремесленники и мастера, разорено большинство городов. На полстолетия прекратилось каменное строи­тельство, приостановилось развитие фресковой живописи. В связи с этим возросла роль станковой живописи (иконопись). Тяжелый удар был нанесен письменности – погибло много книг. В первое столетие после нашествия усилия русского народа были направлены на восстановле­ние разрушенного хозяйства и сохранение уцелевших от гибели куль­турных ценностей.

Со II половины XIV века в русских землях начался культурный подъем, связанный с освободительной борьбой и объединением земель вокруг Москвы.

Творчество Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия

Своего наивысшего расцвета в конце XIV - 1 пол. XV в. достигла церковная живопись. В современной литературе русскую культуру это­го времени иногда характеризуют как «русское Возрождение», имея в ви­ду возрождение и дальнейшее развитие нарушенных монголо-татарс­ким игом лучших традиций культуры древнерусской народности.

Развитие живописи происходило в условиях высокого патриоти­ческого подъема и всей духовной жизни после Куликовской битвы (1380), в условиях формирования национального самосознания русского на­рода, концентрации всех его сил в борьбе за государственное единство.

В жестких рамках богословских канонов и традиций средневеко­вой церковной живописи русские мастера смогли создать произведе­ния большого общественного значения, отвечавшие политическим задачам Руси и духовным запросам людей того времени.

В творчестве Феофана Грека и А.Рублева древнерусское изобра­зительное искусство достигло своей вершины. Центральной темой их творчества и творивших вместе с ними Даниила Черного, Симона Чер­ного, Прохора из Городца становится ЧЕЛОВЕК и его внутренний ду­ховный мир, раскрываемый через сюжеты церковной мифологии.

ФЕОФАН ГРЕК (1330-ок.1410-1415) приехал на Русь из Византии – отсюда его прозвище, уже зрелым художником, расписавшим более 40 церквей. Русь стала для него второй родиной, именно здесь он написал свои лучшие работы, соединив в своем творчестве традиции византий­ского искусства с достижениями русских живописных школ. Темпера­ментная, смелая, поражавшая современников манера письма создавала образы людей, полных душевного внутреннего напряжения. Искусст­воведы, описывая его линии, называют их молниями. Современники считали его мудрецом и философом. Когда художник писал фрески, он не сверялся по образцам, как это делали все. Его работ сохранилось очень мало. В Новгороде – это фрески церкви Спаса на Ильине, в Мос­кве – часть икон из иконостаса Благовещенского собора в Кремле. Здесь он работал вместе с молодым А.Рублевым, которого считают его уче­ником. Но как подлинный талант, Рублев не стал подражать, а создал свой живописный стиль.

Творчество АНДРЕЯ РУБЛЕВА (ок. 1360-1430) – высшая точка в развитии древнерусского искусства и одна из вершин мирового искус­ства. Творец «Троицы» и «Спаса», росписей Благовещенского собора в Кремле, Успенского во Владимире, Троицкого – в Троице-Сергиевом монастыре, он создал школу, пережившую века. В своих героях Рублев воплотил национальные черты. Для его работ, в отличие от трагичес­кой, бурной живописи Феофана Грека, характерна мягкость колорита, гармония линий и красок.

Сведений о Рублеве известно очень мало. Андрей – это монашес­кое имя художника. Предполагают, что он принял постриг в 40 лет, став иноком Спасо-Андронникова монастыря. В 1410 г. Рублев вместе с дру­гими иконописцами в Успенском соборе во Владимире создает мону­ментальный иконостас, состоящий из З-х разделов, общая высота кото­рых достигала 6 м. Этот иконостас надолго стал образцом для подра­жания.

... В 1918 г. в деревянном сарае близ Успенского собора в Звениго­роде были обнаружены 3 иконы - «Спас», «Архаил Михаил», «Апостол Павел», известные с тех пор под названием Звенигородского чипа. Об­раз «Спаса» воплощает типично русские представления о внешней и внутренней красоте человека.

Восхищение и признание современников вызывали не столько жи­вописные дарования Рублева, сколько умение открывать человеку не­видимый мир Божественной красоты, сотканной из чистых красок, све­та и молитвенной тишины. Таким художник предстает в знаменитой «Троице», написанной на ветхозаветный сюжет (старец Авраам и его жена Сара угощают трех таинственных спутников – триединого Бога). Обычно художники заостряли здесь внимание на бытовых подробнос­тях. Рублеву удалось почти неразрешимое – показать Троицу как трие­динство. Три ангела Рублева едины потому, что связаны единым ритмом, движением в круге. Тема Троицы для русских людей того време­ни, знаменосцем которой был Сергий Радонежский, понималась как тема национального единства.

Стиль Рублева, новый эстетический идеал, сложившийся в его твор­честве, определили лицо московской школы живописи.

Наиболее выдающимся представителем рублевского направления в искусстве II пол. ХУ- начале XVI в. был московский художник ДИО­НИСИЙ (ок. 1440-ок. 1505). Уступая своему гениальному предшествен­нику в глубине проникновения в сущность образа, Дионисий создал классический московский стиль, который позже стал общерусским. Его росписи и иконы торжественны, живопись нарядна и празднична. Дио­нисий происходил из знатного рода, работал с артелью художников, среди которых были его талантливые сыновья Феодосий и Владимир. Расписывал Благовещенский и Успенский соборы в Кремле. К сожале­нию, московские работы Дионисия не сохранились. До нас дошли фрес­ки Ферапонтового монастыря в Вологодской области.

Как создавалась икона?

«Икона» в переводе с греческого означает «изображение». Икона­ми называют живописное изображение И. Христа, Богоматери и Святых. Икон требовалось множество, они были в каждом доме – от избы крестьянина до княжеского терема. Обязательными были иконы Хрис­та, Богоматери, Иоанна Предтечи, крестившего Христа. Что писать – оп ределял заказчик: князь, монастырь, купец, ремесленник. Сюжеты и кон – житие девы Марии, Христа: «Рождество Богоматери», «Успение», «Рождество», «Благовещение», «Страшный суд» и др. Или – изображение святых, апостолов, евангелистов. Каждый христианин имел своего небесного заступника. Святых на Руси было много:

- Георгий Победоносец – покровитель воинов, земледельцев, скотоводов. Изображался в красном плаще на белом коне.

- Николай Угодник – покровитель мореплавателей, странников, один из самых почитаемых святых на Руси. Изображался с Евангелием в ле­вой руке, правая – в крестном знамении.

- Илья Пророк ведал молниями, громом, дождями.

- Параскева Пятница – рукоделием, торговлей.

- Иван Воинов, Дмитрий Солунский – защищали ратников.

- Зосима – помогал пасечникам.

- Спиридоний – садовникам.

- Козьма и Демьян – кузнецам, ювелирам, лекарям.

Иконы делались из липы, сосны, ели. Доску (цку) заготавливал деревщик. Мастер покрывал доску холстом, грунтовал левкасом (смесь клея и мела). Краски были естественного происхождения – минераль­ные и органические. Их растирали на яичных желтках. Особо ценилась синяя лазурь из лазурита, которую доставляли из Персии. Для дорогих икон использовали сусальное золото. Иногда для получения красок растирали в порошок драгоценные камни – рубины, сапфиры, изумру­ды. ... Писание икон требовало величайшей тщательности и сосредото­ченности. Это не было обычным ремеслом вроде сапожного или кузнечного, а занятием богоугодным. Иконописцы были глубоко верую­щими людьми. К работе над иконой они готовились долго и основа­тельно, постились и молились несколько недель. Помещение, в кото­ром писали иконы, тщательно мыли. Кроме иконописца, туда никого не пускали. Художник шел в баню, надевал чистую рубаху и только тогда приступал к работе.

Иконостас

Иконостас – это перегородка из высокой стены с иконами, кото­рая отделяла восточную часть храма. Русский иконостас сложился к XV в. В больших церквях иконостасы – это сложные архитектурные соору­жения, богато украшенные живописью, позолотой, декоративной резь­бой по дереву, драгоценной чеканкой серебряных окладов. Иконоста­сы составлялись по строгим канонам и правилам. Классический, боль­шой иконостас имел 5 рядов. Верхний ряд – праотеческий чин, олицет­ворял дохристианскую церковь, ветхозаветную. В центре его был бог-отец Саваоф, по сторонам – ветхозаветные праотцы Адам, Авель, Ной и другие персонажи Библии.

ряд сверху – пророческий чин, изображал библейских пророков,
предсказавших появление Христа, в руках пророков – свитки.

ряд - средний чин, праздничный, повествовал о земной жизни
Марии, Иисуса Христа: «Рождество», «Благовещение», «Успение» и т.д.

ряд сверху – деисусный чин, это основной ряд иконостаса («деи-
сус» - с греч. моление), его идея – моление всех святых перед Спасителем
за род людской на Страшном суде. Христос – в центре, сидящий, как
судья, справа - Богоматерь, слева – Иоанн Предтеча в молитвенных позах:

Иисус Христос

Иоанн Предтеча                            Богоматерь

Архангел Гавриил                                                    Архангел Михаил

Апостол Петр                                                                             Апостол Павел

5 ряд – иконы местных святых

 

Памятки зодчества Руси

В ХУ-ХУ1 веках продолжается развитие местных архитектурных школ, большое значение приобретает московская школа, которая опи­ралась на традиции Владимиро-Суздальского зодчества. Каменное стро­ительство в Москве, начатое при Иване Калите, было завершено при Иване Ш и Василии III, его сыне.

В XV веке завершается объединение Руси как государства со сто­лицей в г. Москве, Иван III отказывается платить дань Орде (1480 г.), вводит герб России – двуглавый орел и шапку Мономаха – символ цар­ской власти, принимает титул великого князя всея Руси. Его недаром называли «великим строителем», т.к. при нем были возведены совре­менные грандиозные стены Кремля, с высотой от 8 до 18 м, толщиной 4,5 м. Двурогие зубцы с бойницами – с окончаниями в виде ласточки­ных хвостов, придавали стенам суровую воинственную красоту. В сте­нах Кремля было расположено 18 башен, самая знаменитая из них – Спасская с курантами (часами). На Соборной площади Кремля распо­ложены главные соборы России.

УСПЕНСКИЙ собор – это главный храм России (и в настоящее время). В нем совершался обряд венчания князей на царство, обряд поставления патриархов. Он был построен в 1479 г. итальянским архитек­тором Аристотелем Феораванти и воплотил в себе все лучшие черты русской архитектуры. Пятиглавый величественный белоснежный собор напоминал храмы Владимиро-Суздальской Руси XII ст. В Успенском соборе находится главная христианская святыня Древней Руси – икона Владимирской Божьей матери. (По преданию, евангелист Лука эту икону написал с живой Богородицы. Из Царьграда (Константинополя) икона попала в Киев, из Киева – во Владимир, потом – в Москву). Успенский собор посвящен Успению – дню смерти Богородицы.

БЛАГОВЕЩЕНСКИЙ девятиглавый собор Московского Кремля (1484-89 г.) – это домовая (семейная) церковь великого князя, построен­ная псковскими мастерами.

Одноглавая, небольшая церковь РИЗОПОЛОЖЕНИЯ (1484-85 г.) – это домовая церковь митрополита, построенная теми же мастерами из Пскова.

АРХАНГЕЛЬСКИЙ собор, как и Успенский, построен по заказу Ивана III, как семейная усыпальница рода великих князей в 1505-08 г. (итал. арх. Алевид Фрязин). В мощном 5-ти главом храме покоится прах русских князей и царей – Ивана Калиты, Дмитрия Донского, Ивана III и др., до конца XVII столетия.

КОЛОКОЛЬНЯ ИВАНА ВЕЛИКОГО построена в 1505-1508 г. при Иване III, как дозорная вышка, имеет высоту 81 м. Пушкин, Лермонтов любили смотреть на Москву с этой колокольни.

ГРАНОВИТАЯ ПАЛАТА построена для приема иностранных послов итальянскими архитекторами Пьетро и Антонио Солари в 1487-91 г. Свое название получила от «граненых» кирпичей, украшавших палату снаружи. Древнейшие росписи не сохранились. Расписана па­лехскими мастерами в конце XIX века.

В XVI в. уже строились каменные церкви с шатровым завершени­ем, т.е. по образцу деревянных построек.

В 1532 г. в подмосковном селе Коломенское в ознаменование на­следника Василия III – Ивана IV (будущего Грозного) была возведена шатровая церковь ВОЗНЕСЕНИЯ. Взметнувшийся к небу на прибреж­ном холме у Москва-реки храм с удивительной силой воплотил идею движения ввысь. Французский композитор Гектор Берлиоз, побывав­ший в Коломенском в середине XIX века, писал: «Все во мне дрогнуло. Это была таинственная тишина. Гармония красоты законченных форм. Я видел какой-то новый вид архитектуры. Я видел стремление ввысь. И я долго стоял ошеломленный».

Венцом русской архитектуры XVI столетия стал знаменитый ПО­ КРОВСКИЙ собор или храм ВАСИЛИЯ БЛАЖЕННОГО, воздвигнутый в память взятия Казани в 1555-1561 г. Девятиглавый собор увенчан большим шатром. Пестрота индивидуальных форм собора придала ему сказочный вид. Строили собор русские архитекторы Барма и Постник. (Английская королева попросила у Ивана Грозного зодчих для работы в Англии, но по дороге их отравили).

Шедевры Московского Кремля.

ОРУЖЕЙНАЯ ПАЛАТА – старейший русский музей-сокровищ­ница, которая хранит шедевры декоративно-прикладною искусства IV-начала XX в. Она создана при Иване III и пополнялась всеми русскими царями. В 9 залах ее находятся свыше 3.000 произведений русского и зарубежного искусства: древнее оружие и доспехи, золотая и серебря­ная посуда, ювелирные изделия, драгоценные ткани и шитье, парадные экипажи, государственные регалии, посольские дары и т.д.

ЦАРЬ-ПУШКА. Она отлита русским пушечным и колокольным мастером Андреем Моховым в 1586 г. Царь-пушке не пришлось участво­вать в боевых действиях, однако ее отливали как боевое орудие, а не в чисто декоративных целях. (Ожидая нашествия татар, в конце XVI в. в Москве было отлито много пушек, пищалей: «Троил», «Аспид», «Лев», «Скорпион» - все это работы А.Чохова.

Вес Царь-пушки – около 40 тонн, длина ствола – 5 м 34 см, калибр у дульного среза – 890 мм. 4 чугунных ядра – декоративные, вес каждого – I тонна. Царь-пушка является шедевром тяжелой артиллерии своего времени.

ЦАРЬ-КОЛОКОЛ. Отливал его московский литейщик Иван Моторин вместе с сыном Михаилом в 1733-35 г. В мире нет такого колоко­ла по весу – 200 тонн (12.000 пудов Китай, Япония – не более 3.000 пу­дов, и Европе – не более 1.000).

Отлитый Царь-колокол находился в яме в лесах. В 1737 г. в Моск­ве был сильный пожар. На раскаленный колокол лили воду, откололся кусок высотой 2 м, весом 11,5 тонн. Колокол лежал в земле более 100 лет. Поднят в 1836 г. под руководством архитектора А.Монферрана. Вся поверхность колокола украшена рельефами.

Творчество Л.Бернини

Примером является творчество Лоренцо Бернини (1598 – 1680) архитектора и скульптора. Придворный архитектор и скульптор римских  пап, Бернини возглавлял все архитектурные и скульптурные работы Рима. Его главные работы: королевская лестница в Ватиканском дворце, связавшая папский дворец с собором, сенькиворий в соборе Св. Петра, статуи, рельефы, оформление гигантской площади перед собором Св. Петра (280 м)...

Скульптурные работы: «Давид», «Экстаз Св.Терезы», алтари для церквей, надгробия знаменитым людям, фонтаны...

Живопись

В живописи Италии XVII в. существовало два направления: «болонский академизм» и «караваджизм».

Три брата КАРРАЧИ основали в г. Болонье «Академию направленных на истинный путь», где художники обучались по определенной программе. Принципы болонской академии: изучение натуры, профессионализм, идеализация, облагораживание натуры и природы (чтобы они стали достойным предметом изображения в соответствии с классическими нормами). Принципы обучения художника, разработанные братьями  Каррачи, легли в основу академической системы образования, существующей до сих пор.

Судьба основоположника второго направления в итальянской живописи  XVII в. – МИКЕЛАНДЖЕЛО КАРАВАДЖО (1573-1610, настоящее имя  Меризи), сложилась трагически. Одаренный мастер, он вел странную, неустроенную жизнь, был неуравновешенным человеком и дрался на дуэлях. Одна из дуэлей окончилась смертью противника, и художник последние 4 года провел в скитаниях, умер в полной нищете. Его картины у современников вызывали как восторги, так и яростные нападки. Караваджо был основателем реализма в Италии. Единственным источником его искусства была окружающая его действительность. Его метод был антиподом академизму и сам художник бунтарски восставал против него. Отсюда обращение к необычным персонажам: картежникам, шулерам, гадалкам, что положило начало жанровой живописи в Италии («Лютнист», «Игроки», «Корзинка с фруктами»). Но главными для Караваджо оставались религиозные темы. Но и здесь, он выступает новатором и апостолов делает похожими на крестьян. Его  картины были так реалистичны, что заказчики отказывались от них, не усматривая в них должного благочестия и идеальности.

В XVII в. Италия еще занимала ведущее положение в искусстве Европы, но с XVIII в. начинается его упадок.

Пейзаж

Пейзажный жанр Голландии XVII в. особенно интересен. Это не природа вообще, а именно голландский пейзаж: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны, каналы со скользящими по ним лодками летом и с конькобежцами - зимой. Воздух насыщен влагой. Серое небо занимает в композициях большое место. Именно такой изображают Голландию Ян ван Гойен, Саломон ван Рейсдаль. Крупнейшим масте­ром реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдаль («Водопад», «Еврейское кладбище»). Только морским пейзажем (мариной) занимался Ян Порселлис.

В тесной связи с голландским пейзажем находился анималистичес­кий жанр. Излюбленный мотив Альберта Кейпа – коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»).

Натюрморт

Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюр­морт - это скромные по размерам картины. Питер Клас, Виллем Хеда чаще всего изображали завтраки: блюда с окороком или пирогом на скромно сервированном столе (П. Клас «Завтрак с ветчиной», В. Хеда «Завтрак с ежевичным пирогом»). Во II половине XVII в. с постепен­ным стремлением буржуазии к аристократизации изменяется и харак­тер натюрмортов. Появляются роскошные «десерты» Кальфа.

Жанр портрета

Крупнейшим портретистом Голландии был Франс Хальс (1580-1666). Он работал в основном в жанре группового портрета, который был очень популярен в Голландии ХУІ-ХУП в. Это были большие по­лотна, изображавшие чаще всего офицеров стрелковых гильдий. Они вносили определенный взнос, и художник должен был изобразить каж­дого. В ранний период творчества с портретов Хальса на нас смотрят энергичные, уверенные в себе люди («Стрелковая гильдия Св. Георгия»).

В портретах Хальса позднего периода исчезает беззаботная удаль, энергия, прослеживается усталость, грусть. Мастер чаще использует се­рый и черный цвета, хотя Ван Гог сказал: «У Франса Хальса есть не менее 27 различных оттенков черного» («Регентши для приюта престарелых»).

Рембрандт ван Рейн (1606-1669)

Вершиной голландского реализма, итогом голландской живописи XVII в. является творчество гениального Рембрандта. Этот мастер был одинок среди собратьев по искусству. Они считали его «первым ерети­ком в живописи».

Рембрандт родился в Лейдене в семье владельца мельницы, учился в Лейденском университете, но оставил его ради занятий живописью. В 1632 г. он навсегда переехал в Амстердам. Признание публики принес­ла Рембрандту картина «Анатомия доктора Тулпа». В 1634 г. Рембрандт женится на девушке из богатой семьи - Саскии ван Эйленборх - и попа­дает в патрицианские круги. Начинается самый счастливый период его жизни. Он материально свободен, имеет много заказов, у него большая мастерская, многочисленные ученики. Весь этот период овеян роман­тикой. Он пишет себя и Саскию в роскошных фантастических нарядах, его картины передают ликование, упоение жизнью («Автопортрет с Саскией на коленях», «Флора»). Находится под влиянием итальянского барокко («Жертвоприношение Авраама»). В 30-е годы серьезно начи­нает заниматься графикой, офортом. Его офорты - уникальны. Их сю­жеты - библейские или евангельские, но есть и жанровое начало.

На рубеже раннего и зрелого творчества пишет свою знаменитую картину «Выступление стрелковой роты капитана Франса Бантинга Кока» («Ночной дозор», 1642). Рембрандт отходит от привычной ком­позиции - изображать всех во время пирушки, здесь, скорее, историчес­кая картина - по сигналу тревоги отряд выступает в поход. На всех ли­цах лежит выражение энергии, патриотического подъема. Но само эго настроение не отвечало вкусам заказчиков, живописные приемы шли вразрез с общепринятыми. Многие лица были в тени, что не понрави­лось заказчикам. Начинается разлад художника с обществом, который усугубился со смертью Саскии.

40-50 г. – пора творческой зрелости. Рембрандт переписывает пре­жние работы («Данаю»). Растет его мастерство. Он выбирает для сюже­тов лирические, поэтические стороны жизни, то, что извечно: материн­ство, любовь, сострадание. Черпает сюжеты из Священного писания («Святое семейство»).

Большое место занимает пейзаж («Пейзаж с мельницей»).

Последние 16 лет - наиболее трагические в жизни Рембрандта, но они потрясающе продуктивны. Он принимает в семью любимую жен­щину - служанку Хендрикье Стоффелс. Их брак не был официально оформлен, и обывателей раздражала эта «безнравственность». Публика охладела к художнику - в Голландии вошли в моду легкая манера ван Дейка. Рембрандт не желал потакать заказчикам. В его картинах этих лет нет ничего преходящего, случайного. Детали сведены к минимуму, все продумано. Главные выразительные средства - не линии и масса, а свет и цвет. Преобладают красный и коричневый, как бы горящие изнутри. Его краски словно излучают свет. Особенно много пишет порт­ретов. Он создает портреты-биографии, выделяя только лицо и руки («Портрет старика в красном», «Портрет Титуса» (сын художника), «Портрет Хендрикье Стоффелс»). Наибольшей тонкости психологичес­ких характеристик достигает в автопортретах, которых было около 100!

В 50-е годы Рембрандт создает свои лучшие офорты. Как офор­тист он не имеет себе равных в мире. Обогащает и усложняет технику офорта. В офортах Рембрандта выражено его сочувствие к страдающим, обездоленным. ( «Слепой Товит», «Снятие с креста», «Положение во гроб»). Он много занимается рисованием, и оставил после себя 2000 рисунков, они технически блестящи, безукоризненны.

Эпилог творчества Рембрандта – его знаменитая картина «Возвращение блудного сына» (1668-69). В ней художник говорит о всепрощающей любви и силе раскаяния. Эта всечеловечность делает сцену по­нятной многим людям и сообщает ей бессмертие. Колористический язык этой картины поражает.

В нищете и забвении, одиночестве (его жена и сын умерли раньше) ушел из жизни великий мастер, подаривший миру около 650 картин, множество гравюр и рисунков, мастер, о котором спустя два века фран­цузский живописец Эжен Делакруа сказал: «... правда - самое прекрас­ное и редкое на свете».

Рембрандт имел огромное влияние на искусство. Ни один современ­ный голландский художник не прошел мимо этого влияния. Его многочисленные ученики усвоили систему рембрандтовской светотени, но рембрандтовского постижения человеческой личности усвоить не могли.

В конце XVII столетия начинается упадок голландской живопис­ной школы.

Клод Лоррен

Клод Лоррен (1600-1682) - один из основоположников пейзажного жанра в мировой живописи. Также жил в Италии. Пейзажи Лоррена включают в себя мотивы моря, античных руин, деревьев и среди всего этого - маленькие фигурки людей. Воздух и свет - сильнейшие стороны дарования Лоррена. Замечательны у Лоррена 4 полотна, изображаю­щие 4 времени суток: утро, полдень, вечер, ночь («Утро в гавани», «Ве­чер в гавани»).

II половина XVII столетия. Формирование национальной французской художественной школы произошло в I половине XVII в. благодаря прежде всего творчеству Пуссена и Лоррена. Но оба художника жили в Италии, вдали от главного заказчика искусства - двора. В Париже процветало иное искусство - официальное,
парадное, декоративное, праздничное (Симон Вуэ - «Первый живописец короля»).

Это время длительного правления Людовика XIV, «короля солн­ца», вершина французского абсолютизма. Искусство находится под полным контролем со стороны королевской власти. Созданная в 1648 г. Академия живописи и скульптуры и в 1671 г. Академия архитектуры находятся в официальном ведении первого министра короля. Ведущим стилем всего искусства официально становится классицизм, который проникает и в культовую архитектуру (Собор Инвалидов в Париже, Ардуэна Мансара). Архитектор Клод Перро, победивший в конкурсе про­ектов главного, восточного фасада Лувра, в этом здании воплотил ос­новные черты архитектуры классицизма - строгость и торжественность, масштабность и предельную простоту. Больше всего архитекторов за­нимала проблема соотношения ансамбля дворца и парка. Эта пробле­ма была блестяще решена в главной постройке II пол. XVII в. - Версальском дворце и парке (архитекторы Лево и Мансар). В 18 километ­рах от Парижа возник сказочный дворец (0,5 км в длину) и гигантский парк, в котором все выверено, расчерчено на аллеи, определены места для фонтанов и скульптур. Декоративные работы в Версале возглавил директор Академии живописи и скульптуры, директор мануфактуры го­беленов Шарль Лебрен. Он обладал большим декоративным даром и исполнял и картоны для шпалер, и рисунки для мебели, и алтарные об­раза. Именно Лебрену французское искусство обязано созданием декоративного единого стиля от монументальной живописи и картин до ковров и мебели.

ИСКУССТВО РУСИ XVII века

Зодчество

Новые вкусы ярко проявились в зодчестве. На смену монументаль­ным храмам прошлого приходили небольшие посадские церкви, живые, нарядные, поражающие игрой красок и объемов. Шатровые колоколь­ни украшаются резьбой. Резной, белый камень применяется для отделки зданий, а стены красятся в красный цвет. Стремление к «узорочью» встретило суровое сопротивление со стороны церкви. Патриарх Никон запретил строительство шатровых церквей и требовал следовать ста­рым византийским образцам крестово-купольного храма. Этот запрет был легко обойден - в виде шатров стали строить колокольни.

«Дивной» была названа построенная в 1628 г. в Угличе Успенская церковь с 3-мя высокими стройными шатрами.

В Москве в 1642 г. построен храм Рождества Богородицы в Путни­ках (около площади Пушкина), в 1653 г. - церковь Троицы в Никитни­ках - по заказу ярославского купца Никитникова.

В Ярославле в 1650 г. купцы построили 5-главый храм Ильи Про­рока.

В XVII в. башни Московского Кремля были увенчаны нарядными шатрами, Кремль приобрел современный нарядный и величественный вид.

ФРАНЦУЗСКОЕ ИСКУССТВО

 Архитектура

В архитектуре Франции XVIII в. господствует два стиля: рококо (1пол. века) и неоклассицизм (П-я).

Рококо, по сравнению с барокко, искусство более камерное, ин­тимное. Это искусство миниатюры и главное выражение оно нашло в прикладном искусстве - в мебели, посуде, в архитектуре - прежде всего в интерьере, где главным теперь было не пышное и величавое, а прият­ное и удобное. Большинство построек рококо - это частные дома фран­цузской аристократии. Внешне эти дворцы, особняки строились по за­конам классицизма. Но внутри были обильно украшены живописью, позолотой, лепкой, хрусталем, мелкой пластикой, декоративными тка­нями, бронзой, фарфором, зеркалами, часто установленными друг про­тив друга, чтобы в них множилось, дробилось, делалось фантастичным отражение. Формы - дробные, ажурные, линии - изогнуты. Все искусст­во рококо построено на асимметрии.

Отель Субиз в Париже, построенный для принца де Субиза, осо­бенно интересен овальным салоном (арх. Ж.Боффран), где нет ни од­ной прямой линии. Ансамбль трех площадей в г. Нанси (арх. Эре де Корни) - один из красивейших городских ансамблей Франции.

Архитектура неоклассицизма во Франции ярко представлена твор­чеством выдающегося архитектора Жака Анж Габриеля (1698-1782). Самые главные его работы: роскошное помещение Оперы в Версале, Малый Трианон в Версале - шедевр архитектуры XVIII ст., площадь Людовика XV (ныне площадь Согласия).

Архитектурным центром неоклассицизма был Париж. Здесь Жак Блондель возводит церковь Святой Женевьевы, Шарль де Вайн создает театр Одеон (театр французской комедии).

Некоторые архитекторы этого века прославились своими неосу­ществленными проектами. Их называли «бумажными архитекторами», представителями «говорящей архитектуры». Это Этьен Булле с его про­ектом «Кенотаф Ньютону» (пустая, ложная могила) в виде яблока, сфе­ры, или Клод Леду, спроектировавший идеальный город будущего.

Скульптура

Почти все французские скульпторы работали в разных жанрах одновременно: и в портретном, и в историко-мифологическом, а также легко переходили от изящных статуэток в стиле рококо к монументаль­ным неоклассическим композициям.

ЭТЬЕН ФАЛЬКОНЕ (1716-1791) виртуозно владел техникой вая­ния, был блестящим эрудитом, руководил фарфоровой мануфактурой в Севре. Его маленькие композиции в стиле рококо на античные сюже­ты - «Аполлон и Дафна», «Пигмалион и Галатея» словно обработаны ювелиром. Но вершина его творчества - «Медный всадник» - памятник Петру I в Санкт-Петербурге.

Скульптор ЖАН АНТУАН ГУДОН (1741-1828) прославился как автор портретов знаменитых людей: Дидро, Руссо, Глюка, Вольтера.

Живопись

Стиль рококо представлен во французской живописи творчеством А.Ватто, Ф.Буше, Ж.Фрагонара.

Главным для ЖАН АНТУАН ВАТТО (1684-1721) был мир челове­ческих чувств, мир, не известный ранее французской живописи. Он вы­ступает певцом «галантных празднеств». Театральность характерна для всего искусства XVIII в. Театром была вся жизнь, которую пишет Ватто. В домах знати разыгрывались спектакли, длившиеся неделями. Уча­стники переодевались античными персонажами, пастухами и пастуш­ками. Непременным атрибутом этих празднеств был изощренный лю­бовный флирт. Тонкая система ухаживания, намеков никогда не пере­ходила в сильную страсть. Теме «галантных празднеств» посвящены полотна «Общество в парке», «Затруднительное предложение», «Праз­дник любви». Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарова­ния - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете, так и в изображении Ватто даны все оттенки любовного чувства.

Вся утонченная культура рококо в полной мере выразилась в твор­честве ФРАНСУА БУШЕ (1703-1770). «Первый художник короля», ди­ректор Академии, он был истинным сыном своего века, умевшим де­лать все: панно для отелей, картины для богатых домов, картоны для гобеленов, театральные декорации, эскизы костюмов, рисунки обоев, карет, вееров и т.д... Станковые картины похожи на панно, панно - на самостоятельные произведения. И любой сюжет - античный, религиозный, жанровый, мифологический - разыгран как современная пасто­раль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, вез­де царствует бело-розовая богиня Флора (Ио, Калисто, Европа), а по сути - переодетая аристократка- парижанка: «Триумф Венеры», «Туалет Венеры», «Купание Дианы» и т.д.

Главными достоинствами живописи ЖАНА ОНОРЕ ФРАГО НАРА (1732-1806), блестящего мастера-импровизатора, ученика Рембран­дта, были свет и воздух. Он работал в жанре галантно-любовной лири­ки («Поцелуй украдкой», «Счастливые возможности качелей»), порт­рет (Дени Дидро), иллюстрировал книги («Дон Кихот»), ...

В творчестве художника ЖАНА БАТИСТА ШАРДЕНА (1699-1779) главными стали жанр натюрморта и бытовой. Он начал писать с натуры, что не было характерно для художников XVIII века. Главные его герои - это люди третьего сословия - горничные, кухарки, гувернан­тки, их дети. Они скромны, всегда заняты трудом: «Вернувшаяся с рын­ка», «Молитва перед обедом». В натюрморте Шарден находит свою тему: он пишет вещи кухонного обихода: котлы, кастрюли, миски, хо­лодильники («Медный котел», «Трубки и кувшин»). В противовес ари­стократическим, галантным праздникам Шарден, выражая вкусы бур­жуазии, изображает размеренность, уют, порядок буржуазного быта. Изумительное живописное мастерство, чистые тона делают картины Шардена маленькими шедеврами.

РУССК ОЕ ИСКУССТВО ХУШ в.

 Общая характеристика эпохи. Реформы Петра I в области культуры, быта, просвещения, искусства

XVIII век для России – это век разума и просвещения. В конце XVII-начале XVIII в. Россия совершает качественный скачок. Средневековая Русь превращается в Российскую империю. В результате реформ Петра I в ее экономике, политике, строе, культуре и быту произошли огром­ные изменения.

Главным содержанием реформ молодого царя в области культуры и искусства была «европеизация» быта, культуры, искусства и установ­ления их светского характера.

В стране впервые создается система светского образования. Открываются школы «математических и навигатских наук», медицинские, инженерные, горные, ремесленные. Сначала в эти школы допускались дети разных сословий ввиду острой нехватки специалистов, затем - толь­ко дворяне. В книгопечатании вводится новый гражданский шрифт, и старославянский остается лишь в церковных книгах. В 1703 г. появляются первая русская печатная газета «Ведомости» и знаменитая «Ариф­метика» Л.Магницкого, где впервые были арабские цифры.

В 1714 г. создается первая государственная библиотека, а созданная по указу Петра I кунсткамера (1718) положила начало музейному делу в России.

Реформы Петра I в области быта затрагивали массу населения. Старая, привычная долгополая одежда была заменена новой, европей­ской. Запрет носить бороды вызвал у бояр большое недовольство. Уч­реждение ассамблей (музыкальных вечеров в домах знати) с присутствием на них женщин отражало серьезные изменения их положения в об­ществе. В среде русского дворянства утверждаются «правила хорошего тона» - благородного поведения в обществе, разговора на французском языке. Эти изменения в культуре и быту превратили дворянство в при­вилегированное сословие. Культура становится одной из привилегий дворянства (в конце XVIII в. дворянство составляло 1% от общего насе­ления России). В XVIII в. начинается процесс презрительного отноше­ния к русской культуре, к русскому языку со стороны аристократии.

В целом реформы Петра I имели огромное прогрессивное значение.

 Особенности русского искусства XVIII века

Если в западноевропейских странах переход от Средневековья к новому времени растягивается на целые столетия, то в России он про­изошел стремительно за один XVIII век. За несколько десятилетий рус­ское искусство превращается из религиозного в светское, осваивает но­вые жанры и темы. Поэтому стили в искусстве, которые в Европе пос­ледовательно сменяли друг друга на протяжении веков, существовали в России XVIII века одновременно или с разрывом в несколько лет.

Если I половина столетия в истории русского искусства была пе­риодом ученичества, когда учителями русских художников были инос­транцы (за границей и в России), то во второй половине века русские учителя уже учили своих соотечественников и работали с иностранца­ми на равных. К концу века Россия предстала в обновленном виде - с новой столицей, где была открыта Академия художеств, и множеством художественных собраний, не уступавшим европейским своим разма­хом и роскошью.

Русское искусство XVIII в., приобретя подчеркнуто светский ха­рактер, испытывало сильное влияние вкусов и потребностей двора на помещиков. Создаются дворцы Петербурга, Пушкина (Царское село). Петродворца, Останкино, Кусково. Получают развитие такие виды ху­дожественного ремесла как гжельская керамика, великоуспенская чернь, вологодские кружева, холмогорская резьба по кости, фарфор и хрусталь русских заводов, ювелирные изделия. Именно в это время был создан шедевр русского деревянного зодчества - Кижи.

Особенностью века было то, что большинство русских художни­ков, скульпторов, музыкантов, архитекторов были детьми крепостных крестьян, ремесленников, солдат, разночинцев.

 Русская архитектура XVIII в. В XVIII архитектура получает наибольшее развитие, оказывает огромное влияние на характер и жанры живописи и скульптуры. И по своему уровню не уступает лучшим образцам мировой архитектуры того времени.

Бурному развитию архитектуры способствовало развитое градос­троительства и переход к регулярной планировке городов, начало чему положило строительство Петербурга. Во 2 половине XVIII в. этот про­цесс распространился на все губернские и уездные города России. Имен­но тогда их центры получили тот архитектурный облик, который мно­гие из них сохранили до наших дней. Серьезные изменения в быту и жизни дворян, аристократии и царского двора сопровождались строи­тельством большого числа правительственных зданий, дворцов, заго­родных резиденций: Пушкин (Царское село), Петродворец (Петергоф), Павловск, Ораниенбаум (Ломоносов), Царицин, усадьбы Кусково, Ос­танкино - в Москве.

В I пол. и сер. XVIII в. господствующим стилем русской архитек­
туры было барокко, типичное для всех дворянских государств эпохи
абсолютизма. Для него было характерно создание огромных ансамблей, в которых архитектура, скульптура, живопись, садово-парковое искусство сливаются в единое целое. Архитектура барокко      отличалась необыкновенной торжественностью, пышностью декора, обилием леп­ки и скульптуры, позолоты, бронзы, хрусталя, мрамора, «изломан­ностью» фасада и общего плана здания, отсутствием четко выраженно­го архитектурного центра. Наиболее яркими произведениями барокко являются созданные архитектором В.В.Растрелли, итальянцем по происхождению, ансамбли Зимнего дворца, Смольного монастыря и двор­цы Строгановых в Петербурге, Царского села, Петергофа, Андреевская церковь в Киеве. Наибольшее распространение стиль барокко по лучил в Петербурге и окрестностях, т.к. в это время в Москве и других городах каменное строительство в I пол. века было запрещено или силь­но ограничено. Во II пол. XVIII в. на смену барокко в России приходит класси­цизм, возрождавший приемы, формы и планировку античной архитек­туры и архитектуры эпохи Возрождения. В отличие от барокко, для классицизма характерна ясность, простота, сочетание монументально­сти с изяществом, гармоничность составных частей ансамбля. У зданий был строгий прямой фасад, состоящий из главного корпуса и симмет­рично расположенных, более скромных по отделке флигелей или кры­льев. Архитектурным центром здания являлся портик с колоннами, ук­рашенный лепниной, фронтоном и скульптурным фризом за колонна­ми портика. Над портиком возвышался купол или ротонда. Интерьер строился по принципу анфилады парадных комнат. Архитектурным центром интерьера являлся колонный зал, часто завершавшийся купо­лом, украшенный росписью или лепниной.

Архитектура классицизма щедро представлена в Москве. И сегод­ня одним из красивейших зданий Москвы являются творения гениаль­ного зодчего В.И.БАЖЕНОВА (1737-1799) - бывший дом Пашкова, ныне Старое здание библиотеки им. Ленина. Большинство творений Бажено­ва разделило трагическую судьбу их автора, который всю жизнь подвергался травле и репрессиям. Эти здания (Юшкова, Шереметьева) перестра­ивались, разрушались. Грандиозный проект Кремлевского дворца (модель, закладка) был остановлен Екатериной II в разгар строительства.

М.Ф.КАЗАКОВ (1738-1813) - помощник Баженова, создал много общественных и политических зданий: здание Сената в Москве (здание правительства России), Московского университета, дом Долгорукова-Крылова (сильно перестроенный Дом Союзов, сохранился лишь Колонный зал), дом Голицына (городская больница), Петровский дворец (академия Жуковского).

Классицизм в Петербурге:

И.Е.Старов ( Таврический дворец, собор Александро-Невской лав­ры),

Н.А.Львов (дом Державина),

Иностранные архитекторы:

Джакомо Кваренги (Академия наук, Смольный институт, Алексан­дровский дворец в Царском селе).

Чарльз Камерон (Камеронова галерея, дворец в Павловске, Екатерининский дворец (интерьер).

Архитектура классицизма оказала большое влияние на облик уса­деб. В их проектировании принимали участие: Баженов, Казаков, Старов, Львов. Но большинство было создано крепостными: А.Ф.Мировнов, Ар­гуновы (Д.С. и П.И.), Г.Дикушин - работали в Кусково и Останкино.

  Скульптура

В эпоху Петра для русской скульптуры открылись возможности бурного развития. Городские и загородные резиденции, дворцы уси­лившегося дворянства стали украшаться и круглой станковой скульп­турой, и декоративной пластикой, и портретными бюстами. Не дожи­даясь, пока сложатся кадры отечественных мастеров, Петр I велел учить­ся за границей. Расцвет искусства ваяния наступил во второй половине столетия - это «золотой» век русской скульптуры (и первая треть XIX в.). Блестящая плеяда мастеров: Шубин, Козловский, Мартос, Пиме­нов, Демут - Малиновский выдвигаются в ряд крупнейших представи­телей мировой скульптуры. Больших успехов достигает монументаль­ная скульптура. Ее достижения связаны с укреплением и ростом рус­ского государства. Тема героики и национального торжества по слу­чаю победы над врагом, посягнувшим в 1812 г. на независимость России, становятся ведущими в монументальной скульптуре. Ценно, что ни в одной стране в это время не было такого тесного сотрудничества скульпторов и архитекторов.

АРХИТЕКТУРА

В 1 половине XIX в. в Европе развернулось грандиозное строительство. Большинство европейских столиц приобрели свой характерный облик. Усиливается роль общественных зданий.

Неоклассицизм в I половине XIX в. пережил поздний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Под влиянием романтического увлечения стариной возрождаются традиции архитектуры прошлого - НЕОготика, НЕОренесанс, НЕОбарокко. Усилия зодчих часто приводили к ЭКЛЕКТИЗМУ - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым.

Архитектура Франции

Неоклассицизм времен Наполеона I получил название АМПИР (от фр.- империя). Он должен был символизировать величие и могущество державы, созданной Бонапартом. (Этот стиль получил широкое распространение и в декоративно-прикладном искусстве, например, в интерьере комнат, при изготовлении мебели).

Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала (Конструкция Парижа). Были разбиты новые площади, улицы, поставлены монументы, прославляющие победы императорской армии. В основу многих таких монументов легли известные древнеримские памятники.

Триумфальная арка Великой армии (1806-1837 г., арх. Жан Франсуа Шальгрен) была заложена на площади Звезды по приказу императора в честь его победы при Аустерлице в 1805 г. над войсками Австрии и России. Однопролетная арка высотой 50 м, шириной около 4,5 м и ныне великолепно просматривается из разных частей города. Ее пилоны (массивные столбы перекрытий) украшены рельефами.

Архитектура Англии

В архитектуре Англии еще в XVIII в. утвердился неоготический стиль. Одним из самых впечатляющих его примеров - ансамбль Парламента в Лондоне (Архитектор Чарл Бэрри), который строили с 1840 по 1868г. Башни разной высоты делают силуэт Парламента ассиметричным; самая высокая из них - Виктория - достигает 103 м, а часовая - почти 100. На Часовой башне установлены знаменитые часы Биг Бен с колоколом весом 14 тонн. В здании 100 комнат, коридоры имеют протяженность 4 км (интерьеры здания украшены статуями (их более 500 шт.), фресками, мозаикой, витражами).

 Архитектура Германии

Крупнейшим центром зодчества был Берлин, а выдающимися архитекторами К.Ф.Шинкель и Ф.К.Л. фон Кленце . По проектам ШИНКЕЛЯ

построены берлинский Драматическим театр (1819-1821), Старый музей (1824-28), строительная академия (в которой он определил прообраз архитектуры будущего). Творчество фон КЛЕНЦЕ обращено в прошлое. Каждая его построенная вариация на тему того или иного исторического стиля. Коллекции произведений скульптуры в Мюнхене выдержано в стиле древнегреческого зодчества, а фасад старой пинакотеки (1826-36 г.) - картинной галереи, где собраны работы старых мастеров, - повторяют стиль итальянских архитекторов эпохи Возрождения. В 1830-42 г. по его проекту был возведен памятник Валгалла (по названию загробной обители павших воинов в древнегерманской мифологии) близ Регенсбурга. Он был задуман как пантеон немецкого народа. В центре мемориала - здание из серого мрамора в виде античного храма, где помещены бюсты 163 знаменитых немцев.

Будучи европейской знаменитостью, Лео фон Кленце выполнял заказы для иностранных государств. Для российского императора Ни­колая I он выполнил проект здания Нового Эрмитажа в Санкт-Петер­бурге в 1839 г.

СКУЛЬПТУРА

Европейская скульптура в начале XIX в. пережила краткий период расцвета, который уже в 20-е годы сменился упадком и застоем. Господствующим стилем оставался НЕОклассицизм. Интерес к искусству Древ­ней Греции и Рима был повсеместным, а обладание прославленными ан­тичными шедеврами стало важным вопросом международной политики.

РОМАНТИЗМ привнес в скульптуру интерес к личности, в резуль­тате чего в европейских городах 20-30 г. появились многочисленные па­мятники великим людям прошлого.

АНТОНИО КАНОВА (1757-1822) - виднейший итальянский скуль­птор XIX века, работавший в стиле неоклассицизма: «Орфей и Эвридика», «Дедал и Икар», «Эрот, слетающий к Психее», «Геракл и Лихас». По заказу Наполеона во Франции Канова выполнил ряд изображений императора и его близких: сестра Наполеона изображена в виде Вене­ры, получившей от Париса золотое яблоко.

Датский скульптор БЕРТЕЛЬ ТОРВЛДСЕН (1768 или 1770-1844), получивший образование на родине и в Риме, сумел в своих статуях передать величие античной пластики - «Ясон», «Венера с яблоком». Для церкви Богоматери в Копенгагене он создал статуи Христа, Иоанна Кре­стителя, рельефы «Вход в Иерусалим» и «Шествие на Голгофу». Начи­ная с 20-х годов, прославленный скульптор выполняет заказы на памят­ники для разных городов Европы: астронома Николая Коперника для Кракова в Польше; поэта Джорджа Байрона для Кембриджа в Англии и др. Все они выполнены в традиционной манере, за исключением памятни­ка швейцарским гвардейцам «Раненый лев» (Люцерн, Швейцария).

ГОТФЛИД фон ШАДОВ (1764-1850) - немецкий скульптор, глава Берлинской академии художеств. Прославился памятниками выдаю­щимся немецким деятелям: фельдмаршалу Блюхеру, писателю Виланду, поэту Гете и др.

ЖИВОПИСЬ

Живопись стала главным видом искусства XIX ст., т.к. сумела пе­редать многообразие впечатлений от жизни, которая менялась букваль­но на глазах.

ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ

ФРАНЦИСКО ГОЙЯ (1746-1828) - выдающийся художник не только испанского, но и мирового искусства. В его творчестве, как в зеркале, отразилась история Испании его времени.

Родился близ г. Сарагоса в семье ремесленника - позолотчика алтарей. Живописи обучался в родном городе, затем в Мадриде и в Италии, после чего вернулся в Сарагосу и делал росписи в местных церквах и дворцах. В 1775 г. поселяется в Мадриде, по заказам королевской шпалерной мануфактуры он создает картины для шпалер, на которых изображает сцены из испанской жизни: «Зонтик», «Мадридский рынок». Его работы – это мир, залитый солнцем, счастливый и естественный. Во 2-йполовине 80-х годов Гойя был уже признанным мастером, получил звание придворного художника. Но блестящая карьера длилась не долго. В 1792г. у него ослабло зрение, начались сильнейшие головные боли, он полностью оглох. С 90-х годов начинается новый период его творчества. Вместо  веселого живописца появляется страдающий, замкнутый в себе мастер, остро видящий чужое горе.

В 1797-98 г. появляется знаменитая графическая серия «Капричос» ( «игра воображения») из 80-ти офортов. В ней Гойя, используя образы испанских народных пословиц, басен, поговорок, высмеивал людские пороки и суеверия - трусость, лицемерие и т.д. В его офортах реальное сплетается с фантастическим, гротеск – с карикатурой. Каждый лист серии - это законченное произведения  из рисунка и авторского комментария к нему: «Когда рассветет, мы уйдем» (колдуны, бесы темной ночью); «Какой златоуст» (духовенство в образах ослов, попугаев, обезьян). Офорты Гойи раскрывают тему борьбы со злом, причем зло торжествует. Эта серия приобрела невероятную популярность среди романтиков, ее неоднократно копировали.

Романтическая  любовь Гойи к Каэтане Альбе, одной из знатнейшей женщины Испании, отразилась в его творчестве. Он написал несколько  портретов, сделал множество рисунков очаровательной Альбы, которую его друг и поэт Хуан Мелендес-Валъди назвал в стихах испанской Венерой. Самыми знаменитыми ее изображениями стали «Одетая Маха» и «Обнаженная Маха» (махо и махи - молодые мужчины и женщины, принадлежавшие к городскому простонародью). Они вели себя свободно, не подчиняясь правилам благочестивой скромности, установленной церковью.

В начале XIX в. в Испании происходят бурные политические события: оккупация войсками Наполеона, изгнание короля Фердинанда VII, первая и вторая революции. Все это надолго приковало к себе внимание художника.

Новая серия офортов Гойи (1810-1820 г.) «Бедствия войны» с жестоким реализмом показывает войну как чудовищную катастрофу. Голод, грабеж, насилие – вот основные темы офортов.

Тема войны звучит в них обобщенно, недаром один из листов назван «Так повсюду». В офорте «Какое мужество» изображена Агостина Сарагосская, геройская женщина, заменившая возле пушки погибших артиллеристов. Теме войны посвящены и исторические полотна в технике масляной живописи: «Восстание 2 мая 1808 г. в Мадриде» и «Рас­стрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 г.»

В 1824 г., опасаясь гнева инквизиции и короля, заявившего, что художник заслуживает казни, Гойя, испросив отпуск на лечение, отправ­ляется во Францию, где вел тихую, незаметную жизнь и умер, слепой, оглохший, забытый всеми.

Уже к середине XIX ст. творчество Ф.Гойи нашло множество вос­торженных поклонников в среде романтиков - поэтов, писателей, ху­дожников. Жизнерадостность и трагизм, реалистичность и фантасти­ка, гротеск, слившийся воедино в творчестве испанского живописца, предвосхитили искусство II половины XIX и XX столетий.

Живопись Франции

В I пол. XIX в. французская школа живописи была ведущей в ис­кусстве Западной Европы.

Два первооткрывателя новой живописи - англичанин Джон Констебл и испанец Франсиско Гойя, - не получив призвания на родине, нашли учеников и последователей именно во Франции. Теодор Жерико и Эжен Делакруа восприняли их свободную манеру и колорит, под­готовив рождение импрессионизма и всей современной живописи.

Франция опередила другие европейские страны и в демократиза­ции художественной жизни. С 1791 г. право участия в выставках Луврско­го Салона получили любые авторы независимо от их членства в Акаде­мии, а с 1793 г. открылись для широкой публики залы Луврского музея.

ЖАК ЛУИ ДАВИД (1748-1824) к началу XIX в. был общеприня­тым лидером французских художников и самым последовательным представителем НЕОКЛАССИЦИЗМА в живописи.

Он родился в зажиточной буржуазной семье, учился в Королевс­кой академии живописи и скульптуры, 4года совершенствовался в Ита­лии. Французская молодежь находила в античном искусстве прежде все­го примеры суровой гражданской доблести, и Давид с увлечением рабо­тает над правительственным заказом - сюжетом из римской истории. Он пишет картины «Клятва Горациев» (три брата из знатного рода Горациев клянутся отцу не отступать в битве) и «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей» (Луций Юний Брут, легендарный основатель респуб­ликанского строя в Риме, приговорил к смерти двух своих сыновей за участие в монархическом заговоре).

В сентябре 1792 г. Давид был избран депутатом в Конвент и руко­водил организацией национальных празднеств.

В 1793 г. Давид пишет для зала заседаний Конвента картину «Смерть Марата», увековечив память одного из вождей якобинского движения Жана Поля Марата, убитого в своей квартире.

После прихода к власти Наполеона Бонапарта Давид пишет ряд пор­третов императора: «Переход Бонапарта через перевал Сен-Бернар» и др.

После поражения Наполеона художник был вынужден покинуть Францию и остаток дней провел в Нидерландах.

Параллельно с Давидом образ Наполеона в живописи прекрасно изобразил его ученик АНТУАН ГРО (1771-1835) - «Наполеон на Аркольском мосту», «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе», «На­полеон на поле битвы при Эйлау».

ЖАН ОГЮСТ ДОМЕНИК ЭНГР (1780-1867) был привержен­цем классических идеалов, но сумел в своих полотнах воплотить представление о красоте, чем приблизился к художникам II пол. Х1Х-ХХ столетий. Энгр родился в семье живописца, получил академическое образование, совершенствовался в Италии, где прожил вместо 4-х лет стажировки 18. Он с головой погрузился в изучение античного искусства, в результате чего появились такие полотна, как «Эдип и Сфинкс», «Юпитер и Фетида», «Вергилий, читающий «Энеиду» семье императора Августа» и др. По возвращению во Францию становится известным, поборники неоклассицизма считали его своим вождем. Его работы: «Одалиска и рабыня», «Портрет Луизы де Оссонвиль», «Источник» и др.

 ТЕОДОР ЖЕРИКО (1791-1824). Уже первая работа двадцатилетнего ученика художественной мастерской «Офицер конных егерей в императорской гвардии, идущей в атаку» («Портрет лейтенанта Р.Дьедонне») имела большой успех. Всадник на полотне не позирует, а сражается, даже зрители как бы сопричастны к этому бою.

Художник прожил короткую жизнь (он умер на 33-м году, получив травму при падении с лошади), но в некрологе его назвали «юным романтиком» - так впервые был замечен романтизм во французской живописи.

И действительно, его герои - люди сильные духом, находящиеся в необычных условиях: «Раненый кирасир, покидающий поле боя», «Плот «Медузы» (корабль «Медуза» затонул у побережья Африки из-за неопытности капитана, уплывшего на шлюпке и бросившего на плоту 150 человек, из которых выжило 15). Жерико 2 года разыскивал этих людей, делал их зарисовки, писал этюды моря. (1818-19 г.).

Художника очень увлекали скачки лошадей, им он посвятил се­рию «Бег свободных лошадей» (1817) и «Скачки в Эпсоме», написан­ную под влиянием английского художника Д.Констебла.

 ЭЖЕН ДЕЛАКРУА (1798-1863).

20-е годы для Франции были временем становления романтизма. Молодые художники объявили своим учителям настоящую войну. Историки назвали их выступление «романтической битвой», а ее героем стал живописец Эжен Делакруа.

Свою первую картину «Данте и Вергилий» («Ладья Данте»,1822 .) Делакруа написал по «Божественной комедии» Данте - одной из са­мых читаемых книг в те времена. Его вторая значительная работа - «Хиосская резня» (1824) - отклик на современные события, когда в сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население греческого острова Хиосса.

В июне 1830 г. в Париже вспыхнуло восстание. Откликом на него стала одна из знаменитейших картин Делакруа «Свобода, ведущая народ» (28 июля 1830 г.). Простому эпизоду уличных боев художник придал эпическое значение. Повстанцев ведет сама Свобода, которая поднимает трехцветное знамя Французской республики. Критики увидели в Свободе «помесь торговки с древнегреческой богиней».

Под влиянием дипломатической поездки в Алжир возникла картина «Алжирские женщины в своих покоях» (1823), которая приоткрыла  для посторонних женскую половину арабского дома с красочными коврами и пестрыми нарядами.

Находки Делакруа в области колорита наметили путь развития французской живописи вплоть до конца столетия.

Живопись Германии

Германия в начале XIX в. переживала общественно-политический подъем. Сопротивление завоевателям Наполеона и освободительная война 1813 г. сделали немецкий патриотизм всеобщим, а поданные трех­сот немецких карликовых государств осознали себя единым народом.

Германия сыграла исключительную роль в истории РОМАНТИЗ­МА - направления в европейской культуре конца ХУШ-1 пол. XIX в. Именно немецкие писатели и критики были первыми его теоретиками. Книга В.Г.Вакенродера «Сердечные излияния монаха - любителя ис­кусств» стала манифестом романтизма и изобразительном искусстве. Она провозгласила решительный отказ от любых «правил красоты» и объявила основой творчества искреннее чувство. Сам термин «роман­тизм» был введен Фридрихом Шлегером (1772-1829) - немецким крити­ком, философом и писателем.

 ФИЛИПП ОТТО РУНГЕ (1777-1810).

Один из самых ярких представителей романтизма в немецкой жи­вописи I пол. XIX в.

Учился в Академии художеств в Копенгагене, затем Дрездене, по­знакомился с поэтом и мыслителем И.Гете. Большую часть творческо­го наследия Рунге составляют портреты («Портрет родителей худож­ника с внуками»).

Еще в 1802 г. Рунге задумал живописный цикл, изображающий времена суток. Утро, день, вечер, ночь были для романтиков символом человеческой жизни и земной истории. Он предполагал выставить «Вре­мена суток» в специально спроектированном здании, сопроводив их музыкой и стихотворным текстом. Рунге не хватило жизни, чтобы вы­полнить этот замысел: из 4-х картин закончена только одна - «Утро». Она наивна и светла как сказка и является одной из лучших его картин.

Цвет, краски очень трогали Рунге. В многообразии красок он ви­дел клич к тайнам Вселенной, откровения Мирового Духа - так некото­рые романтики называли Бога, который представлялся им растворен­ным в природе.

В последний год жизни Рунге вышла его книга «Шар цветов», где он показывает цветовую гармонию в виде глобуса. Белый и черный цвет - это полюса; экватор составлен из 12 чистых красок; светлые и темные оттенки каждого цвета стали меридианами. Все краски сливаются в цент­ре шара (в разрезе) в серую точку - центр сферы, начало и конец всех кра­сок, в Великое Ничто (Бог). В этом шаре он воспроизводит систему ми­роздания по учению немецкого философа-мистика Якоба Беме (1575-1624).

Рунге умер от туберкулеза в 33 года, все его творчество приходит­ся на последние 7 лет жизни. В своих живописных полотнах он вопло­тил многогранное единство Бога, мира и человека - основную мысль немецкой романтической философии.

 КАСПАР ДАВИД ФРИДРИХ (1774-1840)

Он вошел в историю живописи как наблюдательный и глубокий мастер-пейзажист, который принципиально не подписывал своих работ, не датировал их: он считал себя лишь соавтором вечной Природы.

Родился в семье мыловара на Балтийском побережье. Учился в Академии художеств в Копенгагене, затем жил в Дрездене, познакомился с Рунге.  Первая работа «Крест в горах» (Тегенский алтарь», 1808) создана по заказу владельца замка в Чепин (Чехия), она вызвала споры в обществе.

   Следующие работы - «Монах у моря» (1809) и «Аббатство в дубовом лесу» (1810) - также имели успех. Они повествуют о жизни монаха-скитальца, излюбленного в те годы персонажа, романтический идеал человека. Картины приобрел прусский король, а художник был избран почетным членом Берлинской академии.

Под впечатлением свадебного путешествия на родину, пишет цикл пейзажей Балтийского моря («На паруснике»).

После поездки в Чехию, в горы, появилась картина «Исполиновы горы»: горные вершины, как символ высоты познания, стали частым мотивом его пейзажей.

 Фигура созерцателя часто присутствует у Фридриха: «Женщина у окна», «Меловые скалы на острове Рюген».

В последние годы творчество художника вышло из моды, но он не изменил своим идеалам и умер в забвении. Его оценили по достоинству только в начале XX в.

 Живопись Англии

 В I пол. XIX в. в живописи Англии главным жанром оказался ПЕЙЗАЖ, направление - романтизм.

 УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757-1827).

Поэт и художник Уильям Блейк стоял особняком в истории английского искусства, он был гениальным самоучкой - великим фантазером и философом.

Блейк родился в Лондоне в семье бедного торговца, с раннего детства

 писал стихи и рисовал, в 14 лет уже работал в граверной мастерской.

В 1789 г. он выпускает сборник стихов «Песни неведения», где каждый

 лист был целиком гравирован автором в новой технике, им изобретенной.

 Чудесному и счастливому миру, описанному в стихах, соответствует  легкое и тонкое графическое оформление.

Через 5 лет Блейк выпускает сборник стихов « Песни познания» о страшном мире трущоб, тяжелой жизни фабричных рабочих и их детей. Каждое стихотворение также сопровождается иллюстрацией.

Блейк никогда не работал маслом, а только темперой и акварелью. Он писал картины на сюжеты из Библии («Сон Иакова»), из сочинений Шекспира («Жалость» по мотивам «Макбета»). В конце жизни Блейк выполняет заказ на иллюстрацию «Божественной комедии» Данте, для которой он сделал более 100 акварельных рисунков и гравюр. Художник не признавал работы с натуры, у него все подчинено фантазии и творческому воображению. В его иллюстрациях все движется и меняется, люди бесплотны и похожи на тени, пространство взмывает волной и скручивается в воронку, низвергается потоком, как на гравюре «Паола и Франческа» («Вихрь влюбленных»).

Блейк умер в полной нищете и был похоронен в общей могиле. Его открытие произошло в середине XIX века, а в XX в. пришло всеобщее признание. В Вестминстерском аббатстве в Лондоне, усыпальнице английских королей и знаменитых людей Англии был установлен бюст Уильяма Блейка.

Стиль Блейка для европейского искусства ХIХ в. уникален. Он сочетает АРХАИЧЕСКИЕ черты, свидетельствующие об отсутствии у художника специального образования, с ТВОРЧЕСКОЙ ФАНТАЗИЕЙ, композиционной изобретательностью и явным стремлением к обобщенным символическим образам. «Мое сердце полно будущего», - говорил он, предчувствуя, что его жизнь продолжится в стихах, рисунках, гравюрах.

 ДЖОН КОНСТЕБЛ (1776-1837).

Певец английского сельского пейзажа. Родился в небольшой анг­лийской деревне в семье мельника. Желание стать профессиональным художником привело его в Лондон, где он учился в школе при королев­ской Академии искусств. Живя постоянно в Лондоне, Констебл каждое лето приезжал в родные места и много работал с натуры. Он был пер­вым художником XIX в., в творчестве которого жанр ЭТЮДА имел самостоятельное значение. Художник писал маслом этюды родных с детства мест, создал серию видов реки Стур, неоднократно изображал стоявшую на ней мельницу: «Мельничный поток», «Плотина и мельни­ца в Дедхеме». «Лучший твой наставник - природа», - говорил Констебл. Многие свои этюды художник перерабатывал в выставочные полотна - «Белая лошадь» (1819), «Телега для сена» (1821). Работы Констебла при­влекли внимание французского художника Т.Жерико, побывавшего в Англии и рассказавшего о нем во Франции.

Работы Констебла были выставлены в парижском Салоне, приве­ли всех в восторг и принесли художнику Золотую медаль Салона.

Творчество Джона Констебла до XX ст. оставалось незамеченным на родине, но оказало огромное влияние на развитие французской жи­вописи.

УИЛЬЯМ ТЕРНЕР (1775-1851).

Родился в Лондоне в семье цирюльника, учился в школе при Коро­левской академии искусств. После первых успехов был избран действи­тельным членом, читал лекции для широкой публики, обучал студентов.

Создал серию эпизодов, где изобразил берега Темзы («Пейзаж на Темзе», 1806). Достиг большой виртуозности в технике акварельной жи­вописи: «Кораблекрушение», «Фрегат первого класса, пополняющий за­пасы».

В 20-30 г. по заказу Тернер оформляет сочинения английских пи­сателей Сэмуэля Роджерса и Вальтера Скотта. Эти книги пользовались успехом, и гравюры с рисунков Тернера висели почти в каждом англий­ском доме.

 В 30-е годы Тернер достиг вершины мастерства. Он давал уроки живописи на вернисажах, заканчивая там свои картины. Так, на глазах у изумленной публики он за несколько часов почти полностью написал полотно «Пожар лондонского Парламента» (1835). В 40-е годы творчество Тернера становится все более непонятно английской публике. Он писал то потоки дождя, то мчащийся поезд («Дождь, пар и поезд») (1844) и все реже выставлял свои картины...

РУССКОЕ ИСКУССТВО. I половина XIX века

Два политических события повлияли на все сферы общественной жизни России этого периода: Отечественная война 1812 года и восстание декабристов 1825 г. В это время в России правил Александр I (1801-1825) и Николай І (1825-1855).

Архитектура Петербурга

АНДРЕЯН ЗАХАРОВ (1861-1911).

Родился в Санкт-Петербурге в семье мелкого чиновника. Закончил Академию художеств с большой золотой медалью, получил право на заграничную поездку. Получил звание академика, преподавал в Академии художеств.

Вершиной творчества Захарова стало здание Адмиралтейства в Петербурге (1806-23 г.). Главный фасад Адмиралтейства колоссален: его протяженность более 400 м. Здание построено в стиле классицизма. Захаров  разработал и план скульптурного убранства здания: это морские божества, нимфы, рельефы о зарождении флота в России. Все декоративное убранство выполнено российскими скульпторами во главе с Феодосием Щедриным.

Швейцарский архитектор ЖАН ФРАНСУА ТОМА де ТОМОН построил здание БИРЖИ в Санкт-Петербурге (1805-1810). Это было первое сооружение в стиле ампир в Петербурге.

АНДРЕЙ ВОРОНИХИН (1759-1814) был крепостным графа А.С.Строганова - президента Академии художеств, мецената, коллекционера и богатейшего человека своего времени. Будущий архитектор пол­учил образование, традиционное для дворянских детей, в 1786 г. – вольную. Изучал архитектуру за границей.

КАЗАНСКИЙ СОБОР – главное творение Воронихина (1801-1811). Собор возведен по указу Павла I, который хотел видеть храм, напомина­вший римский собор Святого Петра. Был объявлен конкурс на проект этого храма, и выбрали работу Воронихина. В конструкциях купольного перекрытия Воронихин впервые в России использовал ЧУГУН и ЖЕЛЕЗО. После победы над Наполеоном в соборе разместили 105 знамен французских войск, ключи от взятых городов и другие трофеи. Еще одна выдающаяся работа Воронихина - Горный институт в Петербурге (1806-1811).

КАРЛ РОССИ (1775-1849).

Карл Иванович Росси был сыном итальянской балерины, приехавшей в Россию в 80-е годы XVIII в. Образование получил в России и за границей.

В России служил при дворе в качестве главного архитектора, по заказу Александра I воздвиг грандиозный МИХАЙЛОВСКИЙ ДВОРЕЦ (1819-1825), ныне государственный русский музей.

Одновременно Росси занимается другим императорским заказом –перестройкой зданий, стоящих на Дворцовой площади, для нужд госу­дарственных учреждений. Против Зимнего дворца Росси возводит два монументальных симметричных строения - Министерство финансов и Министерство иностранных дел, расположив линию их фасадов по дуге. В высшей точке этой дуги он поставил арку Главного штаба, которая соединила корпуса министерства в единую композицию (1819-1829). Скульптурное убранство посвящено Отечественной войне 1812г. Над кар­низом арки движется колесница крылатой богини Победы. Ансамбль двор­цовой площади был завершен в 1834 г., когда в центре ее по проекту Монферрана возвели Александровскую колонну в честь победы в войне 1812 г. Ее высота - 47,5 м. Это самая высокая триумфальная колонна в мире.

Росси выигрывает конкурс и перестраивает также Сенатскую пло­щадь, (здание Исаакиевского собора по проекту Монферрана заверши­ло ансамбль Сенатской площади), проектирует ансамбль Александров­ского театра (1816-1834), ныне Российский академический театр драмы им. А.С.Пушкина.

ВАСИЛИЙ СТАСОВ (1769-1848) - один из немногих русских
архитекторов, чье творчество связано и с Москвой, и с Петербургом.
Родился в небогатой дворянской семье в Москве, уже в 14 лет поступил
на государственную службу чертежником, затем - помощником архи­тектора. Его заметил сам император и отправил учиться за границу.
Там Стасов проникся идеями и образами стиля ампир.

По возвращении получил звание академика и стал заниматься об­щественным и промышленным строительством. Его работы в Петербурге:Павловские казармы (1817-1821); Преображенский и Троицкий соборы; Московские триумфальные ворота (1834-38, в честь победы в рус­ско-турецкой войне, основной материал - чугун). В Москве - здания провиантских складов и др.

Стасов показал, что яркое архитектурное решение не зависит от назначения здания. Его творчество достойно завершает историю клас­сицизма в России.

АРХИТЕКТУРА МОСКВЫ. В первые годы XIX ст. Москва
продолжала жить традициями прошлого века. Преобразование древ­
ней столицы в современный вид началось после наполеоновского на­
шествия и пожара 1812 г.

В 1813 г. была организована Комиссия для восстановления Моск­вы, которая занималась перестройкой в течение 30 лет.

Архитектору ОСИПУ БОВЕ (1784-1834) поручили перестроить центр города. Он только возвратился из народного ополчения, а до вой­ны учился в архитектурной школе под руководством М.Казакова.

С 1814 по 1816 г. Бове занимался реконструкцией Красной площа­ди, которая к началу XIX ст. была хаотически застроена различными лавками. Бове вернул ей величественный облик, снес лавки, выделил композиционный центр и т.д.

Следующая работа О.Бове – проект Театральной площади и зда­ния Петровского театра, позднее названного Большим. Идея создания театральной площади принадлежала царю Александру 1. Архитектору пришлось провести сложнейшие градостроительные преобразования, т.к. место оказалось застроенным, у стен Китай-города стояли бастионы и протекала река Неглинная. Петровский (Большой) театр (1821-1824) один из ярких образцов стиля ампир в Москве. Монументальное кубическое здание с гладкими стенами обращено в сторону площади колоннадой портика, над треугольным фронтоном установлена квадрига Аполлона (квадрига - колесница с четверкой лошадей). В 1853г. здание сгорело, но было восстановлено с изменениями в 1855-86 г. Под китайгородской стеной, на месте заключенной в трубу реки Неглинной, архитектор спланировал живописный сквер с фонтаном.

В 1819-1827г. Бове под стенами Кремля разбил Кремлевский сад ( в 1856 г. его назвали Александровским). Сохранился грот «Руины». Последняя постройка зодчего – триумфальные ворота у Тверской заставы.

В первые десятилетия XIX в. Москва приобретает новый облик. И в этом, наряду с Осипом Бове, большая заслуга ДОМЕНИКО ЖИЛЯРДИ (1785-1845) - сына итальянского архитектора, который приехал в Россию вместе с семьей еще в XVIII в. Жилярди восстановил Московский университет, построенный Казаковым, изменив лишь фасад, подчеркнув стиль ампир; построил здание Опекунского совета.

 Помимо общественных зданий, Жилярди строил и частные дома. Самый знаменитый - особняк Луниных на Никитском бульваре.

СКУЛЬПТУРА

I пол. XIX века - это окончание «золотого века» русской скульптуры, начатого во 2 пол. XVIII столетия. Продолжают творить скульпторы И.Мартос, Ф.Щедрин, В.Демут-Малиновский и С.Пименов .

ЖИВОПИСЬ

Общая характеристика

Многие художники - О.Кипренский, К.Брюллов, А.Иванов, С.Щедрин предпочитали больше работать в Италии, чем в России, подальше от «мецената» Николая I, но и там они творили для родины. ГОГОЛЬ: «Национальность состоит не в описании сарафана, но в самом духе народа; поэт может быть даже и тогда национален, когда описывает совершенно сторонний мир, но глядит на него глазами своей национальной стихии, глазами своего народа, когда чувствует и говорит так, что его соотечественникам кажется, будто это чувствуют и говорят они сами».

Академия художеств – большое и сложное явление русского искусства I пол. ХIХ в. С одной стороны – здесь последовательно отстаивались позиции «идеалистической» эстетики, облагораживающей действительность, далекие от реальной жизни; с другой – это было единственное заведение, где художники получали основательную профессиональную подготовку, ее закончили почти все русские художники.

Сложным и многогранным было русское искусство этого времени. Официальный академизм сдерживал проявление свободной творческой мысли. В РОМАНТИЗМЕ, выдвинувшим более широкую гуманистическую концепцию человека в живописи, в отображении народной жизни мы видим образ эпохи, озаренной пушкинским гением.

 В годы Отечественной войны и движения декабристов раскрывается дарование одного из лучших портретистов XIX в. - ОРЕСТА КИПРЕНСКОГО. Он был незаконнорожденным сыном помещика и крепостной крестьянки. В его творчестве человек выступает как цель­ная и значительная индивидуальность, личность, романтически взвол­нованная, приподнятая над обыденностью. Когда по приезде в Италию, молодой Кипренский выставил там портрет приемного отца А.Швальбе, его обвинили в том, что он выдает произведение Рубенса или Ван Дейка за свое. Итальянские профессора не поверили, что такой портрет мог написать художник из «медвежьей России».

Творчество: портрет Е. Давыдова (гусар, герой Отечественной вой­ны, - нарисован ярко, красочно, торжественно и героически). Портреты Жуковского, Крылова, Батюшкова. Самый известный - портрет Пуш­кина, писал летом 1827 г. по заказу Дельвига. После смерти Дельвига Пушкин приобрел портрет у его жены и повесил у себя в кабинете. «Себя как в зеркале я вижу, Но это зеркало мне льстит», - сказал Пушкин о портрете.

(Мысль и вдохновение; красота творческого деяния и высокое пред­начертание «избранника муз» - вот содержание этого портрета. Чис­тое, незамутненное чело, лицо спокойно, величавая поза, взгляд, уст­ремленный вдаль, строгий сюртук и плед, перекинутый через плечо и статуэтка Музы, играющей на лире - классический символ поэзии).

ВАСИЛИЙ ТРОПИНИН (1776-1857) - написал портрет Пушкина чуть раньше, весной 1827 г. по заказу самого поэта. Образ поэта здесь
мягче, интимнее, доступнее. Халат, рубашка, платок небрежно повязан
вокруг шеи. Но облик Пушкина исполнен высокой духовности, чувства
собственного достоинства.

Тропинин - крепостной, с юности мечтал о живописи, но граф Морков отдал его в кондитеры. Художник сумел устроиться в Акаде­мию «посторонним учеником», имел успех на выставке, но граф заби­рает его домой. И лишь в 47 лет художник получает вольную. Сам скром­ный, мягкий, добрый - эти качества присущи и его портретам. ЧЕЛО­ВЕК КАК ТАКОВОЙ - основная тема его творчества. («Портрет Арсе­ния», сына художника; «Кружевница» и др.).

АЛЕКСЕЙ ВЕНЕЦИАНОВ (1780-1847) стал основоположником
народного бытового жанра в русской живописи, открыл «Россию крес­тьянскую». Он бросает Академию, уезжает в деревню Сафонково Твер­ской губернии и живет там. Его работы: «На пашне. Весна», «Гумно»,
«На жатве. Лето», «Жнецы», «Крестьянка с васильками», «Сенокос»,
«Захарка», «Спящий пастушок».

Художнику присуща некоторая сентиментальность, но в своих кре­стьянах он видит носителей лучших национальных черт. Не драматизм социальных конфликтов, но истинная поэзия русской деревни и рус­ской природы отражена в его работах.

КАРЛ БРЮЛЛОВ (1799-1852).

Карл Великий - так назвал Брюллова его ученик Т. Г Шевченко. Итальянцы ломились в римскую мастерскую Брюллова, чтобы посмотреть

«Последний день Помпеи». Гоголь: «Картина Брюллова может назваться полным, всемирным созданием». Возвращение Брюллова из Италии на родину стало триумфом русского искусства.

Художник был окружен славой еще при жизни. В основу картины положены исторические события - гибель римского города Помпеи при извержении Везувия в 79 г. н.э. Брюллов посещает Помпеи, раскопанные в ХVIII в., изучает памятники архитектуры, искусства античного Рима. Громадное полотно (длина 631 см, высота 456 см) и сейчас поражает зрителей.

Другие работы Брюллова: «Автопортрет», «Итальянский полдень», «Всадница» и др.

 АЛЕКСАНДР ИВАНОВ (1806-1856).

Нелюдимый, робкий, застенчивый, болезненный, недоверчивый, сторонящийся людей. Явление в русском искусстве сложное и единственное в своем роде. Ученик своего отца – художника Андрея Иванова, в своем творчестве намного опередил современников. 25 лет жил в Риме, боялся ехать в Россию. «Художник должен быть со­вершенно свободен». Фанатично верил в религиозно-нравственное обновление мира, но затем глубоко разочаровался в религии, а новых идеалов не нашел. 20 лет работал над картиной «ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ», но так и не закончил ее. Написал более 600 этюдов, акварелей, и рисунков к этой картине. Изучал античное искусство, творчество художников Возрождения, но героями его полотна стали бедняки Рима, Неаполя. Сквозь физическое безобразие многих рабов он увидел их душу. Каждый человек в картине - индивидуальная личность, судьба. Иоанн Креститель – образ вдохновения и внутреннего огня, фанатичной веры в грядущего освободителя.

ПАВЕЛ ФЕДОТОВ (1815-1852).

Скончался в 37 лет в психической больнице, одинокий офицер в отставке. Его назвали своим учителем Крамской, Репин. Творческая жизнь - коротка и сложна. В 25 лет бедный офицер пришел к Брюллову. Тот, посмотрев его рисунки, сказал, что поздно учиться технике искусства. Но… «чего не может творческая воля, постоянство и труд». Федотов  отрекся от личного счастья: «Меня не станет ... на две любви – к женщине и искусству». Всего 6-7 лет стали творческим подвигом Федотова - основоположника КРИТИЧЕСКОГО РЕАЛИЗМА в русской живописи. Затем - болезнь, ночь безумия и смерть. Истоки творчества Федотова - голландские и фламандские жанристы XVII в., русское народное творчество, народный театр и сама жизнь.

«Сватовство майора» (1848). Долго искал своих натур: купца - год «знакомился с ним», пока не получил разрешения «снять» портрет. Или «люстра» - взял напрокат в трактире.

«Анкор, еще анкор» (1851-52) - одно из самых драматических произведений русского живописца. В тесной избе офицер заставляет собаку прыгать  через палку. Собака устала, устал и хозяин от тупого занятия. За окном - зима, безлюдная деревня, одиночество. Это уже не сюжет, а метафора - символ не жизни, но лишенного смысла существования.

Архитектура

Развитие промышленности вызвало приток населения в город и бурный рост городов. Старые города росли и перестраивались. Заст­ройки становились плотнее, дома поднимались ввысь - формировался современный тип западного многоэтажного города. Система радикаль­ных улиц связывала город в единое целое.

В XIX в. западная архитектура пережила технологический перево­рот: появились новые материалы (чугун, сталь, железобетон) и методы строительства. Но современные конструкции считались слишком гру­быми и недостойными стать основой нового архитектурного стиля. Их использовали, лишь при строительстве мостов, вокзалов, крытых рын­ков, а также популярных всемирных промышленных выставок.

«Хрустальный дворец», Лондон, 1851 г. Автор проекта - ДЖОЗЕФ ПАКСТОН - для всемирной выставки, возведен за 9 месяцев из металла и стеклянных элементов одного размера. Это был новый шаг в XX век. (Но здание сгорело в 1936 г.).

«Эйфелева башня», символ Парижа, построена в 1819 г. как пара­дный вход на всемирную выставку из решетчатых металлических кон­струкций. Автор проекта - АЛЕКСАНДР ЭЙФЕЛЬ (1832 - 1923), он за­нимался строительством большепролетных мостов и выбрал для баш­ни высотой 300 м форму многократно увеличенной мостовой опоры. Художественная общественность вначале возмущалась «чудовищной» Эйфелевой башней, но за 100 лет к ней привыкли, и она стала достопри­мечательностью.

А в европейском зодчестве II пол. XIX в. восторжествовал ЭКЛЕК­ТИЗМ (от греч. «эклектикос» - «выбирающий», архитектурная прак­тика, основанная на воспроизведении конструктивных и декоративных форм различных стилей).

Появление эклектизма было подготовлено НЕОклассицизмом и НЕОготикой, (I половина века), затем возникли романско-византийский стиль, НЕОренессанс, НЕОбарокко, ложное рококо, второй ампир.

Эклектизм - это явление массовой культуры и отражает психоло­гию европейца тех времен, который считал свою цивилизацию образ­цовой и думал, что вправе свободно распоряжаться наследием всех времен.

    Пышный псевдоисторический декор часто использовали как рекламу, как броскую упаковку в доходных домах для сдаваемых квартир.

Но и среди мастеров эклектизма были яркие индивидуальности - это французский архитектор ШАРЛЬ ГАРНЬЕ, построивший помпезное здание парижского театра «Гранд-Опера» (1861-75). Постройка Гарнье послужила образцом для театральных зданий того времени (театров в Вене, Одессе, Нью-Йорке).

Скульптура

       ОГЮСТ РОДЕН (1840-1917)

Французский скульптор, один из самых великих в истории мировой скульптуры. Родился в Париже в семье мелкого служащего, учился в школе рисования, затем трижды поступал в Школу изящных искусств (высшее художественное учебное заведение в Париже), но был отвергнут. Занимался в мастерских известных скульпторов, необходимость в заработке заставила Родена изучить все стороны его ремесла: он обтесывал камень, работал по орнаменту, был ювелиром. Долго шел к известности. Его самые известные работы: «Мыслитель», «Ева», «Данаида», «Поцелуй», «Вечная весна», «Граждане Кале». Создал большое количество портретных бюстов - писателю Виктору Гюго, драматургу Бернарду Шоу.

Роден писал: «Лгать и льстить я не могу. Мои бюсты часто не нравились, потому что они чересчур искренни: в этом их главное достоинство. Пусть правда заменит им красоту».

   Статуя Бальзака, заказанная скульптору Обществом литераторов, при показе в Салоне в 1898 г. вызвала очередной скандал. Роден выступил в ее защиту в прессе. В 1939 г. бронзовый памятник Бальзаку был установлен в Париже на пересечении бульваров Распай и Монпарнас. А Всемирная промышленная выставка в Париже 1900 г., где Роден выставил 168 своих работ, принесла ему настоящий триумф. Еще при жиз­ни правительство Франции разрешило ему превратить отель Бирон, где он работал на I этаже, в музей Родена.

ИМПРЕССИОНИЗМ

 История возникновения

ИМПРЕССИОНИЗМ – художественное направление, возникшее во Франции в последней трети XIX в. Собственно история импрессионизма всего 12 лет: с первой выставки в 1874 г. по последнюю, восьмую, в 1886г.

Знакомство будущих импрессионистов (К.Моне, К.Писсаро, П.Ренуара, Э.Дега и их старшего наставника Э.Мане) состоялось в конце 60-х, начале 70-х годов во время занятий в частных художественных мастерских и посещении кафе Гербуа на улице Батиньоль, 11. Вот почему их называли батильонской школой, хотя собственно школой они не были, у них не было единой программы. Объединяло этих художников несогласие с официальным искусством, желание найти новые формы. Современники называли этих художников «бунтовщиками», а жюри Салона постоянно отвергало их произведения.

В 1863г. художники устроили свой «Салон отверженных», на ко­тором был представлен скандальный «Завтрак на траве» Э.Мане.

В 1874 г, на выставке художников картина Клода Моне «Впечатление: Восход солнца» дала повод назвать группу молодых художников, участвовавших в выставке, импрессионистами (впечатление). Первая выставка, как и последующие, завершилась провалом. Они должны были иметь большое мужество, чтобы заниматься живописью без надежды на успех, без средств к существованию. Лишь последняя, 8-я, выставка принесла ус­пех, дружба художников кончилась. Ренуар и Мане стали выставляться в салонах, Писсаро примкнул к неоимпрессионистам. Мане умер в 1883 г. К 1887 г. импрессионисты завершили свое формирование как группа.

Некоторые из них умерли, так и не дожив до признания, как Мане. Через год после смерти Сислея, умершего в нищете, его работы продавались по баснословным ценам. Мировая известность выпала на долю Моне. Он прошел все этапы: нищету, непризнание, едкость насмешек, славу и устарелость своих идей.

  Импрессионизм как художественный метод

Импрессионисты вывели живопись на пленэр, на природу. Решая задачу передачи света и воздуха, они пришли к совершенно новому методу. Они отказались от смешанных цветов, начали писать чистыми яркими красками, чуть нанося их отдельными мазками. Нужный цвет достигался оптическим смешением красок во время созерцания (эти картины нужно смотреть издалека). Предшественники импрессионистов воспроизводили предметы, тела, объемы как нечто устойчивое, постоянное. Импрессионисты обратили внимание на изменчивость солнечного света, едва уловимые
краски, которым язык не находил объяснения, но кисть может запечатлеть.
 Они довели до высокого совершенства ИСКУССТВО ЗАКРЕПЛЕНИЯ МИМОЛЕТНОГО.

  Эдуард Мане (1832 - 1883).

     Сын богатых родителей, получил образование в мастерской Кутюра, учителя-академиста, но подлинными его учителями стали полотна старых мастеров. Мане постоянно испытывал жажду новизны и его ранние работы - «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публи­ку. Перед его картинами устраивались настоящие скандалы, посетите­ли выставки бросали гнилые апельсины, хотели зонтами проткнуть его холсты. Его живописное восприятие мира было таким непосредствен­ным, что казалось дерзким ниспровержением художественных автори­тетов и буржуазных устоев.

Город стал постоянным мотивом произведений Мане: «Завтрак в мастерской», «Балкон», «В лодке», «Партия в крокет», «Розы в хрус­тальном бокале». Наиболее совершенная импрессионистская вещь Мане - «Бар в Фоли - Бержер». Цвет стал у Мане одним из главных средств выражения. Его работы так залиты светом, что их сравнивали с пере­держанными фотографиями.В творчестве Мане соединены достижения как старых мастеров, так и нового стиля - импрессионизма.

 

      Клод Моне (1840-1926)

Автор картины «Впечатление», давший название новому направ­лению, был самым последовательным из импрессионистов.

В природе его привлекало СОЛНЦЕ, трепет его лучей, прони­зывающих воздух, многообразие ОТТЕНКОВ, которые лучи солнца придают небу, облакам, деревьям, цветам.

Свои лучшие произведения он создал в 70-е годы в местечке Аржентейль, недалеко от Парижа, где он писал этюды, легко и как бы не­брежно бросал на холст мазки, но с безупречной точностью передавал лимонно-желтые рассветы, оранжевые закаты, зелено-голубую поверх­ность реки. В Париже он заметил красоту бульваров с их мелькающей толпой, фиакрами (экипажами). В Лондоне он «открыл» синеву тума­нов, окутывающих Весминстерское аббатство и Темзу. Он упорно при­ходил на одно и то же место с этюдником, изучал оттенки освещения в различное время на стогах сена или на стенах Руанского собора - ут­ром, днем, вечером:

«Стог сена в Живерни» (1866)

«Скалы в Бель Инь» (1866)

«Поле маков» (1886-87) - одна из лучших картин

«Луга в Живерни» (1888)

«Уголок сада в Монжероне» (1876-77)

«Мост Ватерлоо» (1903) - эффект тумана

«Бульвар Капуцинок в Париже» (1873)

«Руанский собор вечером (утром, днем)» (1894)

«Завтрак на траве» (1866)

«Белые кувшинки» (1899) - одна из последних картин.

«Моне - это только глаз, но какой глаз!» - сказал Сезан.

Огюст Ренуар (1841-1919)

Самым крупным художником-импрессионистом и выдающимся ху­дожником XIX века был Огюст Ренуар. Долгое время не был известен, потом его портреты завоевали популярность. Последние 30 лет Ренуар провел на юге Франции, целиком отдаваясь живописи «для своего удов­летворения». Страдая ревматизмом, он рисовал, будучи прикованным к креслу, кистью, привязанной к скрюченным пальцам. Ренуар занимал особое место среди импрессионистов: для него пейзаж был не главным жанром. Любимые темы: женщины (портреты и «ню» - обнаженная натура), дети, цветы - источник вдохновения.

Женщины: любимый тип - с пухлыми губами, вздернутым носиком, непокорной челкой, неизменной улыбкой. Всегда праздничны. Писал маслом прозрачно, как акварелью. Его живопись маслом похожа на пастель. Свои портреты понимал не как исповедание, разоблачение или прославление: он хотел удовлетворить потребность людей в праздничном и радостном и сообщал своим портретам нарядный облик. Любимые тона: розовый, красноватые оттенки тела.

Картины: «Бал в Буживале», «Девушка с веером», «Портрет мадмуазель С. (Портрет актрисы Жанны Самари)».

Эдгар Дега (1834-1917)

Дега не был последовательным импрессионистом. Выходец из с старинной банкирской семьи, он получил академическое художественное образование и даже занимался исторической живописью в раннем творчестве.

Но в 60-е годы сближается с Мане и делит с батильонцами все невзгоды и непризнание публики. Тематика картин Дега типична для импрессионистов и довольно ограничена: будни театра (балет), ипподром (скачки лошадей), женщины за туалетом и сцены труда - прачек, модисток, гладильщиц. («Урок танцев», «Голубые танцовщицы», «Гладильщицы», «Прачки», «Проездка скаковых лошадей», «Туалет»).

Дега никогда не обращался к пейзажу, что отличает его от многих импрессионистов. В свои произведения Дега вносит иронию, сарказм, грустное настроение: будни балета скучны, танцовщицы некрасивы, жокеи устали, прачки изнурены трудом.

Дега работал не только в технике масляной живописи, но и в технике пастели, особенно в последние годы.

 Камилл Писсарро (1830-1903) и Альфред Сислей (1839-1899) Исключительно в жанре пейзажа работает К.Писсарро. Париж и его окрестности под его кистью предстают то в лиловых сумерках, то в тумане серого утра, то в синеве зимнего дня «Бульвар Монмартр», «Дорога под деревьями».

Еще более тонки и лиричны пейзажи в творчестве А.Сислея: «Маленькая площадь в Аржантейе».

НЕОИМПРЕССИОНИЗМ

НЕОимпрессионизм, или дивизионизм (от фр. – разделение), или пуантилизм (от фр. - точка) - течение, связанное с импрессионизмом и развивающее его. Его представители, художники ЖОРЖ СЕРА (1859-1891) и ПОЛЬ СИНЬЯК (1863-1935) пытались создать научную теорию цвета, применить в искусстве научные открытия в области оптики. Суть этого метода заключалась в способности глаза синтезировать нужный цвет, значит, художник не должен смешивать этот цвет на палитре. Пуантилизм - это техника неоимпрессионистов, когда чистые цвета наносятся маленькими мазками, похожими на точки.

ЖОРЖ СЕРА: «Купание в Аньере», «Воскресенье после полудня на острове Гранд-Жатт», «Цирк». Он умирает в 31 год, так и не дождав­шись признания. Самым его рьяным приверженцем стал СИНЬЯК, ко­торый оставался верен принципам нового направления и пропаганди­ровал его всю жизнь. Ему принадлежат работы: «Сосна», «Гавань в Марселе».

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ

Художники, которые в истории искусства называются ПОСТинмпрессионистами (от лат.post - после), не были объединены ни общим мето­дом, ни общей программой. Они начали работать в пору заката имп­рессионизма, и все были яркими личностями.

В отличие от импрессионистов, они стремились на своих полот­нах изобразить не мгновения, а вечность, а также отрицали буржуаз­ный образ жизни, искали успокоение в природе.

ПОЛЬ СЕЗАНН (1839-1906) - самый старший из них, выставлял­ся вместе с импрессионистами. Ему перевалило за 50, когда на него об­ратили внимание. Он утверждал: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра, надо научиться писать в этих простых фигурах». В его натюрмортах посуда приближалась к простым геометрическим фи­гурам. Человека Сезанн также рассматривал как любой другой пред­мет, интересуясь лишь передачей форм, а не содержания. При этом внут­ренний мир человека, его характер, настроение отступали на второй план. Модели жаловались, что Сезанн обращался с ними, как с плода ми из натюрмортов. Его картины не несут сложного содержания: это портреты, автопортреты, пейзажи, натюрморты («Берега Морны», «На­тюрморт с корзиной фруктов», «Игроки в карты», «Курильщик» и др.).

Творчество «великого голландца» ВИНСЕНТА ВАН ГОГА (1853-1890) воплотило душевную смятенность современного человека. Выходец из семьи голландского пастора, он изучал теологию в Амстер­даме, был проповедником на угольных шахтах Бельгии и параллельно занимался живописью. Только после 30 лет целиком посвятил себя жи­вописи, переехав в Париж, затем в Арль. Ван Гог начинает лихорадоч­но работать, будто чувствуя, что ему отпущено мало времени. Но буду­чи человеком душевно больным, он обостренно воспринимает все жиз­ненные конфликты и кончает жизнь самоубийством.

Последние 5 лет жизни Ван Гога - это годы напряженнейшего тру­да, когда он создает произведения, оставившие неизгладимый след к мировой живописи: «Красные виноградники в Арле», «Прогулка зак­люченных», «Автопортрет с перевязанным ухом», «Подсолнечники», «Хлеба и кипарисы», «Сеятель» и др.

В жизни он был человеком неуравновешенным, в общении с людь­ми подозрителен, по внешности - отталкивающе невзрачен, но он обла­дал страстной душой и болел за всех страдальцев. Он был очень скром­ного мнения о себе, всегда чувствовал себя маленьким, приниженным человеком.

Ван Гог писал все, что его окружало: улицу города, кабаки, окрес­тные поля, маленькие домики с черепичными кровлями, свою комнату, простой соломенный стул или грубые стоптанные башмаки. Он писал друзей и соседей, попав в психиатрическую больницу - ее обитателей, садик доктора. И портреты, и пейзажи Ван Гога производили впечатление болезненной напряженности и беспокойства.

При жизни Ван Гог не пользовался никакой известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось намного позднее. (Экспрессионисты называли его своим предтечей). Нет ни одного большого художника современности, который бы не испытал влияния напряженно-эмоционального и глубоко искреннего искусства великого голландца.

 Жизнь ПОЛЯ ГОГЕНА (1848-1903) была так же неспокойна, как и его друга Ван Гога. Будучи по матери креолом, детство он провел в Перу среди китайцев и негров, но получил воспитание во Франции. Долгое время занимался живописью как любитель-коллекционер и лишь после 30 лет, оставив службу в банке, стал заниматься живописью систематически. Однако современное искусство, цивилизация перестали удовлетворять художника, и он уезжает в экзотические страны, на остров Таити (1891 г.), где нашел вторую родину, пленился примитивной жизнью таитянских племен, сохранивших, по его мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества. Он делает туземцев идеалом человеческой красоты, и они становятся главными героями его картин: «Таитянки», «Женщина, держащая плод». Проведя 3 года на Таити, Гоген приехал в Париж. Но не найдя ни у кого понимания, он снова вернулся на Таити и создал там свои лучшие произведения: «Женщина под деревом манго», «Жена короля». Большая композиция «Откуда мы? Кто мы? Куда идем?» (1897) представляет собой царство первозданного единства природы, человека и божества.

Свои впечатления от жизни на островах он передал в поэтичном дневнике «Ноа-Ноа» (благоуханная земля).

Мир рисуется Гогену как восточный многоцветный ковер с паху­чими ядовитыми цветами. В его пейзажах с огромными пестрыми деревьями, птицами, животными, страшными идолами есть влекущая, но жесткая красота, человек себя чувствует потерянным. Его пейзажи пробуждают то сладкую негу, то безотчетный страх. По его словам, он хотел передать «согласие жизни человеческой с жизнью животной и растительной».

Импрессионисты придавали зелени оранжевый оттенок, - такой она казалась при вечернем освещении. У Гогена преходящие красочные оттенки превращаются в постоянные: у него можно увидеть оранжевую собаку, розовый песок, зеленых коней.

В действительности жизнь художника в этом раю не была столь безмятежной. Он жил там в непрерывной нужде, часто болел, тратил силы в борьбе с колониальными властями, пытаясь защитить туземцев. Они же его не понимали и считали чужаком и чудаком.

Гогена в истории искусства обычно связывают с направлением символизма н примитивизма (течения конца Х1Х-начала XX в.). Стре­мясь приблизиться к художественным традициям туземского искусства, Гоген намеренно пришел к примитивизации формы. Он пользуется пре­дельно упрощенным рисунком, формы предметов - нарочито плоскостны, краски чистые и яркие, композиции носят орнаментальный характер.

... Создав стилизацию таитянского искусства, Гоген вызвал инте­рес к искусству неевропейских народов.

 АНРИ де ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901)

Сарказм и наблюдательность Эдгара Дега нашли последователя в лице Анри де Тулуз-Лотрека. Аристократ по происхождению и калека с детства, он стал завсегдатаем театральных кулис, кафе и публичных домов Парижа. Герои художника - певцы и танцовщицы, акробаты и клоуны, посетители злачных мест и проститутки. Каждому он нашел точную характеристику.

Тулуз-Лотрек выполнил серию афиш для парижских кабаре. Он ВВЕЛ РЕКЛАМУ в сферу художественного творчества, определив ос­новные направления ее развития в XX столетии.

ВЫВОД: открытия, сделанные постимпрессионистами в живопи­си, оказали воздействие на новые течения XX в. - фовизм, кубизм, эксп­рессионизм.

Живопись

Общая характеристика

II     пол. века - время Базаровых и Рахметовых. На историческую арену выходит новый герой - разночинец-демократ, революционер.

Большое общественное значение имела защита диссертации Н.Г.Чернышевского «Об эстетическом отношении искусства к действительнос­ти» и его вывод: «Прекрасное есть жизнь».

Академия художеств становится тормозом развития русского ис­кусства. Для русского искусства многое сделали два человека, не брав­шие кисти в руки: Владимир Васильевич Стасов (1824-1906) и Павел Михайлович Третъяков (1832-1898).

СТАСОВА враги называли «громобоем» и «иерихонской трубой». На него писали памфлеты и полицейские доносы, но он ни разу не по­кривил душой, не сошел со своего пути. Сторонник Чернышевского, Белинского и Герцена, он посвятил себя защите и пропаганде школы русского реалистического искусства. М.Горький сказал: «Вот человек, который делал все, что мог, и все, что мог, сделал». Наследие Стасова огромно. Писал критические статьи, исторические обзоры, рецензии о музыке и живописи на протяжении 30 лет (1860-1890 г.).

П.ТРЕТЬЯКОВ (замоскворецкий купец и промышленник) - в 1856 г. приобрел картину Н.Шильдера «Искушение». Она положила начало знаменитой коллекции. Третьяков сразу поставил перед собой цель со­здать национальный музей искусств. Собирал картины художников ХУШ-Х1Х в., но особенно его интересовали современники. В 1892 г. передал коллекцию в дар г. Москве.

«Тринадцать»

В 1863г. 13 выпускников Академии художеств, претенденты на ме­дали, подали Совету Академии коллективное ходатайство с просьбой о дозволении свободного выбора сюжета для конкурсной картины. Им отказали. Тогда студенты отказались от конкурса и просили выдать только дипломы. Они решили жить и работать артельно, в коммуне. Душой артели был Иван Николаевич Крамской. Их было 13, бросив­ших вызов Академии, но на самом деле их было больше. Разночинцы, сыновья крестьян, ремесленников, солдат, чиновников, они стекались в Москву и Петербург с мечтой отдать талант народу. С их картинами, пусть не всегда зрелыми, в русскую живопись ворвалось дыхание НО­ВОЙ ЖИЗНИ. Большинство этих картин - верный сколок жизни, стра­стный и гневный протест, отклик на все происходящее в действитель­ности.

ИВАН КРАМСКОЙ (1837-1887) - инициатор «бунта 13-ти»; душа Петербургской артели художников и товарищества передвижников. Крамской - художник-реалист, портретист, критик и теоретик искусст­ва, пропагандист реализма, для молодежи - высший авторитет, друг, наставник.

Главный жанр - портрет: «Неизвестная», «Лев Толстой», «Хрис­тос в пустыне» («это не Христос... Это есть выражение моих личных мыслей» (Крамской), «А.С.Грибоедов».

ВАСИЛИЙ ПЕРОВ (1833-1882) - вместе с Крамским возглавил новые направления в русской живописи. В.Стасов ставил Перова ря­дом с Мусоргским, по характеру он близок к творчеству Н.Некрасова и А.Островского. Его работы: «Проводы покойника», «Рыболов», «Охот­ники на привале», «Птицелов», «Ф.Достоевский» (жанр психологичес­кого портрета), «Сельский крестной ход на пасхе» (1861), «Чаепитие в Мытищах» (1862), «Тройка» (1866), «Утопленница» (1867), «Последний кабак у заставы» (1868). Его картины - протест против общества лжи и насилия, уничтожения человеческой личности.

 Передвижники

Идея выдвинута Г.Мясоедовым и Н.Ге в 1869 г. Осенью 1869 г. группа московских художников: Г.Мясоедов, В.Перов, А.Саврасов, Прянишников выработали проект Устава Товарищества. К ним присо­единились петербуржцы: И.Крамской, Н.Ге, И.Репин, И.Шишкин и др.

I выставка состоялась в Петербурге 28 октября 1871 г. Назвали ее «Товарищество передвижных художественных выставок». Было выставлено 82 картины («Охотники на привале» Перова, «Грачи прилетели» Саврасова, пейзажи Шишкина, портреты Крамского и др.) 8 картин купил Третьяков. «Товарищество» - это были действительно единомыш­ленники, противопоставившие официальной Академии идею и искусство демократического реализма.

«Передвижники» провели 48 выставок с 1871 по 1923 г. Выставлялись в городах: Петербург, Москва, Киев, Харьков, Рига, Нижний Нов­город, Казань, Самара, Одесса, Пенза, Тамбов, Орел, Воронеж, Курск, Таганрог, Екатеринбург и др.

 Жанристы – объединяет этих художников гражданственность, демократизм творчества.

В.МАКСИМОВ - крестьянский сын, сирота, студент Академии, «кремень передвижничества, самый несокрушимый камень его основания» (Репин). Все, что написал он - было им видено и пережито: «Больное дитя», «Семейный раздел», «Заем хлеба», «Больной муж», «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу». Репин говорил: «Картины его - перлы народного творчества».

К.САВИЦКИЙ - «Ремонтные работы на железной дороге», «Встре­ча иконы» - главный герой - НАРОД, но не безликая толпа, а каждый -индивидуально. «Спор на меже», «На войну».

В.Маковский – его героями можно заселить целую губернию. Стасов: «дворники, мещане, дети, чванные и глупые генеральши в отрепь­ях, отставные военные чиновники, батюшки, ловкие фуэтики-адвокаты, невинные глупые барышни и горничные»... Работы Маковского: «На бульваре», «Крах банка», «Не пущу», «Вечеринка», «Свидание».

Н.ЯРОШЕНКО - «Кочегар» - первооткрыватель новой темы, первым изобразил промышленного рабочего. «Заключенный», «Студент», «Курсистка», «Всюду жизнь».

Г.МЯСОВДОВ - «Земство обедает» (1872 г.).

В.ПУКИРЕВ - «Неравный брак» (1862 г.).

 Илья Репин

Родился в 1844 г. в Чугуеве на харьковщине в семье отставного солдата. Первые навыки получил от чугуевских иконописцев. Закон­чил Петербургскую Академию художеств. Жил в Москве и Петербурге. Умер в 1930 г. Работы и их тематика:

 - Мир нужды, бесправия и гнета - «Бурлаки на Волге», «Проводы новобранцев», «Крестный ход в Курской губернии» (1880-82 г.).

 - Мир борцов за свободу, революционеров: «Не ждали», «Отказ от исповеди», «Арест пропагандиста», «Сходка революционеров».

· Мир творчества: портреты Л.Толстого, В.Гаршина, М.Мусоргс­кого, Менделеева, хирурга Пирогова, художника Н.Ге, критика В.Ста­сова, М.Глинки.

· Мир старины: «Иван Грозный и его сын Иван», «Запорожцы пи­шут письмо турецкому султану», «Царевна Софья Алексеевна в Ново­девичьем монастыре». Написал книгу воспоминаний «Далекое близкое».

«БУРЛАКИ НА ВОЛГЕ». Замысел картины появился в 1868 г., путешествуя с художником Савицким на пароходе по Неве, Репин уви­дел бурлаков, тянущих баржу. Вначале хотел написать как контраст - барышни и бурлаки, но затем оставил одних бурлаков, и на Волге. Два раза ездил на Волгу. Несколько лет напряженно работал (1870-1873). Подружился с бригадой бурлаков из 11 человек. Как оказалось - все были личностями, со сложными характерами. Впереди - «коренники». Главный - поп-расстрига Канин. Репин подружился с ним, много рисо­вал, влюбился: «большой, умный, интеллигентный лоб, это не простак. Гиська - моряк (справа). Ларька - молодой. Есть и старики. Картина была показана в Москве, Петербурге, в Вене на Всемирной выставке. Но рек­тор Академии художеств назвал ее «величайшей профанацией искусства»; министр Земной был оскорблен видом «этих горилл, наших лапотников».

 «ЗАПОРОЖЦЫ ПИШУТ ПИСЬМО ТУРЕЦКОМУ СУЛТАНУ» (1878-1891).

Летом 1878 г. в Абрамцево (под Москвой), имении С.Мамонтова, Репин с друзьями слушал переписку турецкого султана с запорожскими казаками. «Салтан, сын салтана турецкого, цесарь турский и греческий, македонский и вавилонский, иерусалимский... Повелеваю вам, чтобы есть добровольно поддались нам со всеми людьми».

Ответ: «Салтан, сын проклятого салтана турского, товарищь сатанин, бездны адовы салтан турской, подножие греческое, повар вави­лонский, бронник (пивовар) иерусалимский, ... свинопас александрийс­кий, пес татарский, ... Не поддадимся мы тебе, но биться с тобою бу­дем». Письмо было очень известно на Украине. Репин едет в Чугуев, задумывает картину «Вечорниці» об украинских крестьянах. Пишет пер­вый вариант «Запорожцев» как жанровую сцену. В 80-х годах - снова едет на Украину, в деревни бывшей Запорожской сечи, чтобы почув­ствовать дух казаков, делает множество зарисовок как крестьян, так и старинной одежды, оружия. Л.Толстой, посмотрев картину, сказал, что это только этюд, здесь должна быть «серьезная, основная мысль, а ее нет». Репин пишет другую картину, едет на Дон, Кубань к потомкам казаков. Долго искал персонажи. Историк З.Яворницкий (писарь), ар­тист Ф.Стравинский (есаул), профессор Московской консерватории А.Рубец (Тарас Бульба), художник Н.Кузнецов (Остап) и др. Репин на­писал более 13 этюдов к картине. Эскизы находятся в Третьяковской галерее, первый вариант - в Харьковском художественном музее, ос­новной - в Санкт-Петербурге в Русском музее.

 Летописцы

Н.ГЕ: «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе»

· Портрет А.Герцена.

· Портрет Л.Толстого.

ВАСИЛИЙ СУРИКОВ

Родом из старинного казачьего рода, с Сибири, Суриков говорил: «идеалы исторических личностей дала мне Сибирь». Кисти Сурикова принадлежат портреты, пейзажи, итальянские этюды, акварели, жанровое полотно «Взятие снежного городка» (1891), но главное - исторические картины «Утро стрелецкой казни» (1881), «Меньшиков в Березове» (1883), «Боярыня Морозова» (1887), «Покорение Сибири Ермаком» (1895), «Переход Суворова через Альпы в 1799 г.» (1899), «Степан Разин» (1906).

 ВИКТОР ВАСНЕЦОВ

Автор формы буденовцев («буденовка - как шлем древнерусских дружин и шинель наподобие стрелецкого кафтана с «разворотами» на груди», создана за несколько лет до революции). Ученик Крамского, начинал как жанрист, затем оставляет бытовой жанр для сказки: «Ковер-самолет» (1880), «Аленушка» (1881), «Иван-царевич на сером волке»(1889).

«Я не историк-художник. Я только сказочник, былинный, живописный гусляр».

«Бой скифов со славянами» (1881), «Витязь на распутье» (1882), «Богатыри» (1881-1898) - наиболее капитальное творение. Сюжет: Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алеша Попович на богатырском выезде -  примечают в поле, нет ли ворога, не обижают ли где кого. Почти 20 лет работал над картиной. Не было долго прообраза Ильи Муромца. И случайно в Москве Васнецов увидел владимирского крестьянина Ивана Петрова с простым и добродушным лицом, излучавшим боль­шую, но разумную, сдержанную силу. Пригласил в мастерскую на несколько сеансов.

ВАСИЛИЙ ВЕРЕЩАГИН

Офицер, сражался в Туркестане, на Балканах под Плевной и Шипкой. Погиб на борту броненосца «Петропавловск» в 1904 г., подорвавшись на мине в Японском море. Всю жизнь страстно ненавидел войну. Военные баталии изображали и до него, но - парадно, красиво, а Верещагин показал весь ужас войны. Его картины выставлялись и в Петербурге, и за рубежом, интерес был огромен. Немецкий фельдмаршал Мольтке запрещал военным вход на выставку. Из всех наград носил только Георгиевский крест. «Нападают врасплох», «Смертельно раненый», «Забытый» - балканская серия о русско-турецкой войне 1877-78 г. «На Шипке все спокойно» (так доносили в Петербург). «Продажа ребенка-невольника». «Узбекская женщина в Ташкенте».

  Пейзажисты

АЛЕКСЕЙ САВРАСОВ. «Грачи прилетели» - эту картину назвали «весной русского пейзажа». «С Саврасова, - скажет его ученик Левитан, - появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле». Один из родоначальников русского реалистического пейзажа.

ИВАН АЙВАЗОВСКИЙ (1817-1900).

Сын купца из Феодосии, будучи еще студентом Петербургской Академии, основной темой своего творчества выбрал морской пейзаж. В 25 лет - европейски известен. В 27 лет - живописец Главного Морского штаба, объездил Европу, Америку, Восток. В 31 год поселился в Феодосии, в доме возле моря, здесь создано большинство его работ. Самые известные среди них - «Девятый вал» (1850), «Черное море» (1801) и др.

ИВАН ШИШКИН (1832-1898).

Учился в Московском училище живописи, Петербургской Акаде­мии художеств, в Германии. Среди других русских пейзажистов его от­мечает точность рисунка, суховатая живопись и пристрастие к мону­ментальным композициям. Настоящую славу ему принесла картина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872). Шишкин всегда создавал свои произведения на основе нескольких, увиденных в разных местах, сюжетах. На картине «Рожь» (1878) он намеренно со­единяет рожь и огромные сосны. Картину «Утро в сосновом лесу» (1889) Шишкин создал вместе с художником К. Савицким, который написал медведей и туман над оврагом. Сами художники не считали картину удачной, но она полюбилась многим.

ИВАН КУИНДЖИ (1841-1910).

Грек по происхождению, родился в Мариуполе, не получил профессионального систематического образования, но прославился своими пейзажами: «Вечер на Украине», «Березовая роща», «Днепр утром».

ИСААК ЛЕВИТАН (1860-1900).

Он открыл особую, щемящую прелесть русского пейзажа. Леви­тан говорил, что только в России может быть настоящий пейзажист. Все русские художники рубежа Х1Х-ХХ в. ощутили влияние Левитана. Его картины: «У омута», «Владимирка», «Осенний день. Сокольники», «Март», «Золотая осень».

Живопись

М.К.Чюрленис (1875-1911) - литовский художник и композитор, стремившийся соединить эти два вида ис-в. Картины: «Соната весны», «Скерцо», «Соната солнца. Анданте».

РОССИЯ. Рубеж ХІХ-ХХ в.

Рубеж веков - это «серебряный век» рус. культуры. Господ. стиль модерн. Возникает много худ. объединении: «Мир ис-ва», Союз русских художников, появляются артистические колонии - Абрамцево, Талашкино.

Живопись

МИХАИЛ НЕСТЕРОВ, начинал как передвижник, ученик Перова. Но потом стремился передать тему мятущейся души, готовой скрыться или в стенах монастыря или раствориться в природе. Сам назвал свое направление «опоэтизированным реализмом». Пишет цикл картин о Сергии Радонежском, а также картины «Святая Русь», «Великий постриг», «На Руси» и др.

КОНСТАНТИНА КОРОВИНА (1861-1939) называют «рус. Импрессионистом. «Портрет хористки», «Париж. Бульвар Капуцинок», «Зимой».

ВАЛЕНТИН СЕРОВ (1865-1911). В его творчестве - отголоски традиций от реализма до импрессионизма и модерна: «Девочка с персиками», «Портрет М.Н.Ермоловой», «Петр I».

МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ (1856-1910). Его жена, певица Н.И.Забела, вдохновила его на создание многих работ: «Царевна-лебедь», «Сирень». Долго работал над образом Демона, создав несколько работ: «Демон сидящий», «Демон поверженный» и др. Своеобразие его стиля заклю­чается в бесконечном дроблении формы на грани.

НИКОЛАЙ РЕРИХ (1874-1947). Рерих - художник-ученый, худ.-литератор , худ.-философ. Его творчество - явление исключительное в  истории рус. и мирового ис-ва. Яркая жизнь Рериха подобна удивительной легенде. Начав свой путь в России, пройдя Европу и Америку, он окончил его в Азии. Худ. наследие Рериха огромно - ок. 7.000 работ. Это - картины, рисунки, эскизы костюмов, декораций. Н.Рерих род. в Петербурге в семье юриста и закончил Академию художеств и юрид. ф-т университета. Учился у Куинджи, который развил в нем чувство декоративности цвета и худ. память. Участвует в археологических раскопках, пишет картины на сюжеты из др. рус. истории: «Гонец», «Варяжские гости», «Ростов великий», «Половецкий стан». Совершает поездки по странам Европы, организует свои выставки в Лондоне, Париже, США. В 20-е годы совершает ряд экспедиций по Китаю, Тибету, в последние годы жил в Индии. Написал 500 картин из серии «Гималаи», много научных работ, статей, боролся сохранение культурных ценностей (Пакт Рериха). Его младший сын Святослав Рерих также стал художником и признан одним из величайших портретистов мира.

«МИР ИСКУССТВА». Худ. объединение во главе с худ. А.Бенуа, выпускавшее одноименный журнал (с 1898). Большое внимание уделяли графике, театру, живописи, декоративно-прикладному искусству. Л.Бакст – театр. декорации, костюмы, графика.

Кубизм

Непосредственным толчком к появлению кубизма послужили две выставки. П.Сезанна (1904, 1906 г.) и традиционная африканская скульптура (она давала пример свободного обращения с формой).

Самым ярким представителем этого стиля стал испанский художник Пабло ПИКАССО (1881-1979), который при жизни стал классикой искусства. Его ранний период - «голубой», в картинах господствовал голубой цвет («Девочка с голубем», «Завтрак слепого»). Тематика - одиночество, обездоленность.

II период - «розовый» («Девочка на шаре»), мир бродячих артистов, циркачей.

III период - начало кубизма (1907 г., «Авиньонские девицы» - картина вызвала скандал). «Девушка с веером», «Кларнет и скрипка». Пикассо дробит предметы и фигуры на составные части, упрощает их до строгих геометрических форм: кубов, конусов, цилиндров («аналитический кубизм»). В период «синтетического кубизма» Пикассо использует на картинах обрывки газет, табачные обертки, ко­робочки, ткань, дерево, стекло (прием коллажа, с фр. «со11аgе» - на­клеивание).

Во время гражданской воины в Испании (1936 Г.) Пикассо высту­пил против сторонников генерала Франко и написал громадное полот­но «Герника» (8 X 3,5 м) о трагедии исп. г. Герника. Использует всего три цвета: белый, черный и серый, которые передают ужас, боль, насилие.

Испания и Франция считали Пикассо «своим» художником.

Его сподвижник - Жорж Брак («Ария Баха», «Композиция с тре­фовым тузом»).

Кубизм проявился и в скульптуре. Александр Архиненко (1887-1964) изобрел КОНТРФОРМЫ (замена выпуклых частей вогнутыми или пустотами).

Футуризм

(От лат. - будущее). Футуризм прежде всего заявил о себе в манифестах. Основатель движения - итальянский поэт МАРИНЕТТИ - в феврале 1909 г. в парижском журнале «Фигаро» опубликовал первый манифест футуризма. «Главными элементами нашей поэзии будут храб­рость, дерзость и бунт». «Нет шедевров без агрессивности». «Долой археологов, академиков, критиков, профессоров». Футуристы отрица­ли искусство прошлого, призывали к разрушению музеев, библиотек. Страдания человека должны интересовать художника не больше, чем «скорбь электролампы». Футуристы стремились к созданию искусства больших городов и машинной индустрии. Общее впечатление от кар­тин футуристов - это ощущение хаоса.

Родина футуризма - Италия (У.Боччони, Д.Балла, К.Карра и др.). Футуризм с его прославлением войны как «гигиены мира», с культом «оп­леухи и удара кулака» стал в Италии официальным искусством фашизма.

Абстракционизм

Как направление возник в 10-е годы XX ст. Один из основополож­ников - русский художник Василии КАНДИНСКИЙ (1866-1944). Он провозгласил отход от натуры, сближение цвета с музыкой, испытал большое влияние символизма (черное - символ смерти, белое - рожде­ния, красное - мужества. Горизонтальная линия - пассивное начало, вертикальная - активное). «Композиция VI», «Композиция VIII» -цикл гравюр на дереве «Стихи без слов». По Кандинскому, именно линия и цветовое пятно, а не сюжет, являются носителями духовно­го начала.

Русский художник Казимир МАЛЕВИЧ (1878-1935) создал свою собственную систему абстрактной живописи, выставил в 1913 г. на все­общее обозрение публики картину «Черный квадрат» и назвал эту сис­тему «ДИНАМИЧЕСКИЙ СУПРЕАЛИЗМ» (с фр. supreme - высший). Через черный квадрат Малевич попытался представить в концентри­рованном виде всю картину мироздания. Это символ космоса, который одновременно и предельно ясен, и абсолютно непроницаем для челове­ческого сознания.

Особое направление в абстракционизме - ЛУЧИЗМ - возглавляли Михаил Ларионов и Наталия Гончарова.

Дадаизм

Это авангардное течение родилось в 1916 г. в Швейцарии в среде художников и литераторов. Основатель движения - французский теоретик искусства, поэт и живописец, выходец из Румынии Тристан ТЦАРА. Толкование слова «дада»:

1. игра в лошадки,

2. с итал. «мама»,

3.«ладно» с румынского и русского;

4. «хвост священной коровы» с африканского и т.д. «Уничтожение логики, танец импотентов творения есть дада, уничтожение будущего есть дада». Или: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего»

Поэты декламировали бессвязные наборы слов, танцевали на дада-вечерах в мешках. Французский художник Марсель ДЮШАН имел успех, после картин «Фонтан» (обыкновенный писсуар), «Мона Лиза с усами».

Как направление, дадаизм выродился к 1922 г., но в его недрах зародилось мощное художественное направление XX в. - сюрреализм.

Сюрреализм

Сюрреализм (с фр. «сверхреальный») зародился сначала как литературное течение в 1924 г., когда фр. поэт Андрэ Бретон опубликовал в журнале «Манифест сюрреализма». Затем сюрреализм переходит в жи­вопись, скульптуру, кино и театр.

Австрийского психиатра З.Фрейда сюрреалисты считали своим духовным отцом и разделяли его взгляды о БЕССОЗНАТЕЛЬНОМ как важнейшей сфере человеческой психики, о значении сновидений для понимания причин поступков человека.

Для сюрреалистов характерно коллективное творчество. Напри­мер, игра в слова: «Изысканный труп» (игрок записывал слово и, перегнув листок, передавал другому...). Таким образом и рисовали. Наибо­лее важные черты сюрреализма: показать реальность подсознательно­го, мистического, болезненного... В картинах сюрреалистов «тяжелое повисает», «Твердое растекается», «мягкое костенеет» и т.д.

Кульминацией этого движения стало творчество Сальвадора ДАЛИ (1904-1989). Этот уникальный мастер - живописец, график, скуль­птор, писатель, поэт, сценарист, занимает уникальное место в художественной культуре XX в. О нем слагали мифы, и он сам скандально про­воцировал интерес к своей особе.

Каждая картина Дали - это своеобразный интеллектуальный ре­бус: «Постоянство памяти», «Частичная галлюцинация: шесть портре­тов Ленина на фортепиано», «Мягкая конструкция с вареными бобами: предчувствие гражданской войны в Испании», «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг гранаты за секунду до его «пробуждения» и др.

В 1929 г. Дали соединил свою судьбу с Элен Элюар, урожденной Еленой Дьяконовой. У нее было прозвище «Гала» (фр. - «праздник»). Она стала постоянной моделью художника, его праздником, его музой.

 

Литература

Алексеева В.В. Что такое искусство? Цикл альбомов об изобразительном искусстве, искусстве декоративно-прикладном и архитектуре. М.: Сов. художник, 1978.

Алпатов М.В. Немеркнущее наследие. — М.: Просвещение, 1991.

Альберти Л. Б. Десять книг о зодчестве. - М., 1935.

Антонович Є.А. Декоративно-прикладне мистецтво. — Львів: Світ, 1992.

Асеев Ю.С. Шедеври світової архітектури. К.: Рад. школа, 1982.

Афанасьева Л.В., Гудзь В.В., Олександров В.М. та ін. З історії українського мистецтва. Навчальний посібник. Мелітополь: Аквілон, 2000.

Беда Г.В. Живопись. — М.: Просвещение, 1986.

Богуславская И.Я. Русская глиняная игрушка. - Л., 1975.

Богатырев П.Г. Вопросы теории народного искусства. — М.: Искусство, 1971.

Богуславская И.Н. Русская глиняная игрушка. — Л.: Искусство, 1975.

Власов В.Г. Стили в искусстве: Словарь. — СПб.: Кольна, 1995.

Валери П. Об искусстве. - М., 1976.

Василенко В.М. Русское прикладное искусство. - М., 1977.

Воронов В. С. О крестьянском искусстве: Избранные труды. — М.: Сов. художник, 1972.

Вишневская М. Хохлома. — Л.: Искусство, 1969.Вийранд Тийу. Молодежи об искусстве. Таллин, 1990.

Воловик А.Ф. Человечек на стене. М.: Детская литература, 1968.

Всеобщая история искусства в 6-ти томах / Под. Ред. Б.В. Веймарха, Ю.Д. Колпинского и др. М.: Искусство, 1956—1966.

Гамаюнов В.Н. Арт-дизайн изящных фигур. — М.: МГОПУ, НОУ, 1998.

Дурасов Г.П. Каргопольская глиняная игрушка.-Л., 1986.

Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 1: От древнейших времен по XVI век. Очерки. 4-е изд., стереотип. М.: Искусство, 1985.

Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 2: Возрождение, страны Западной Европы XVII—XVIII веков; Россия — XVIII век. 3-е издание, доп. М.: Искусство, 1990.

Иконников А.В. Зарубежная архитектура. М.: Стройиздат, 1982.

Иконников А.В. Художественный язык архитектуры. М.: Искусство, 1985.

Искусство Западной Европы и Византии. Сборник статей /Под ред. Гращенкова В.Н., Либман М.Я. М.: Наука, 1978.

Ефимов А.В. Колористика города. — М.: Стройиздат, 1990.

Жердев Е.В. Художественное осмысление объекта дизайна. — М.: АУТО-ПАН, 1993.

Искусство: Живопись. Скульптура. Архитектура. Графика: Кн. для учителя. В 3 ч. / Сост. М. В.Алпатов и др. — 4-е изд. — М.: Просвещение, 1987.

Каретникова И.А. Диего Ривера. М.: Искусство, 1966.

Колейчук В.Ф. Кинетизм: XX век. Новое искусство. — М.: Галарт, 1994.

Левин Беседы с юным художником, М., Сов художник, 1986.

Любимов Л. Искусство Древнего мира. М.: Просвещение, 1971.

Максимов Ю.В. У истоков мастерства. — М.: Просвещение, 1983.

Модернизм. Анализ и критика в основных направлениях / Под. ред. В.В.Ванелова, Ю.Д. Колпинского. М.: Искусство, 1969.

Некрасова М.А. Народное искусство как часть культуры. — М.: Изобр. искус­ство, 1983.

Некрасова М.А. Народное искусство России. Народное творчество как мир целостности. — М.: Сов. Россия, 1989.

Нестеренко О.И. Краткая энциклопедия дизайна. — М.: Мол. гвардия, 1994.

Основы художественного ремесла. Вышивка. Кружево. Худож. ткачество. Ручное ковроделие. Худож. роспись тканей: Практ. пособие для руководителей школьных кружков / Под ред. В.А.Барадулина, О.В.Танкус. — М.: Просвещение, 1978.

Основы художественного ремесла: Русские худож. лаки. Резьба по дереву и др.: Практ. пособие для руководителей школьных кружков. — М.: Просвещение, 1979.

Петров-Дубровский А.А. Искатель правды Альбрехт Дюрер. М.: Детская литература, 1961.

Пилявский В.И., Тиц А.А., Ушаков Ю.С. История русской архитектуры. Л.: Стройиздат, 1984.

Полевой В.М. Двадцатый век. Изобразительное искусство и архитектура стран и народов мира 1945—1980 гг. М.: Сов. худ., 1989.

Школа изобразительного искусства в 10-ти томах, М.: Искусство, 1964.

Энциклопедический словарь юного художника. М.: Педагогика, 1983.

Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. 4.1. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство. 2-е издание, исправл. / Главн. ред. М.Д.Аксенова. М.: Аванта +, 2000.

Энциклопедия для детей. Ч. 2. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство XVII — XX вв. / Главн. ред. М.Д. Аксенова. М.: Аванта +, 2000.

Энциклопедия для детей и юношества. История искусства / Ред. Исманова С. М.: Издательский дом Русская энциклопедия, 1996.

Энциклопедия русской живописи / Под. ред. Т.В. Калашниковой. М.: ОЛМА-ПРЕСС, 2000.

Энциклопедия мировой живописи. Сост. Т.Г. Петровец, Ю.В. Садомова, М.: ОЛМА -ПРЕСС, 2001.

Ягодовская А.Т. Автор и герой в картинах советских художников. Размышления и наблюдения. М.: Сов. худ., 1987.

Имени Тараса Шевченко

Институт культуры и искусств

Кафедра изобразительного и