Возрождение — новый этап в истории мировой культуры. В это время были заложены основы науки, в частности естествознания, высокого уровня достигла литература, получившая с изобретением книго­печатания большие возможности в распространении. В это же вре­мя сложилась реалистическая система в искусстве.

Термин «Возрождение» начал применяться еще в 16 в. по отношению к изобразительному искусству художником Джордже Вазари.

Культура Возрождения (Ренессанс — на французском языке) возникла в Европе, в тех экономически наиболее развитых областях, где раньше всего созрели предпосылки для перехода от феодализма к начальной стадии капитализма.

В основе культуры Возрождения лежит принцип гуманизма, утвержде­ния достоинства и красоты человека, его разума и воли, его творческих сил. В отличие от культуры средневековья гуманистическая жизнеутверж­дающая культура Возрождения носила светский характер. Освобождение от церковной схоластики и догматики способствовало подъему науки. Стра­стная жажда познания реального мира и восхищение им привели к ото­бражению в искусстве самых различных сторон действительности. Было по-ново­му понято античное наследие. Воздействие античности сильнее всего ска­залось на формировании культуры Возрождения в Италии, где сохрани­лось множество памятников древнеримского искусства.

Искусство эпохи Возрождения носило общественный характер. Именно эта черта сближает его с искусством классической Греции.

Небывалый расцвет переживала живопись, которая раскрывала огромные возможности в изображении жизненных явлений, человека и окружающей его среды. Развитие наук, разработка линейной, а затем и воздушной перспективы, изучение пропорций и анатомии чело­века - все это способствовало утверждению в живописи реалистического метода.

Появились новые виды и жанры. В монументальной итальянской живописи господство­вала фреска. С 15 в. все большее место занимает станковая картина, в раз­витии которой особую роль сыграли нидерландские мастера. Наряду с су­ществовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи, выдвинулся портрет, зародилась исто­рическая и пейзажная живопись

Завершился начатый в средние века процесс обособления скульптуры: наряду с декоративной пластикой, украшающей здания, появилась само­стоятельная круглая скульптура - станковая и монументальная. Декора­тивный рельеф приобрел характер перспективно построенной многофигур­ной композиции.

Идеалы гуманизма выразились и в архитектуре, в ясном гармоническом облике сооружений, в классическом языке их форм, в их пропорциях и масштабах, соотнесенных с человеком.

Искусство Возрождения прошло этапы:

Проторенессанс (13-14 в.в.)

Раннее Возрождение (15 в.), 

Высокое Возрождение (90-е гг. 15 в.- первая треть 16 в.)

Позднее Возрождение (2-половина 16 в.).

Проторенессанс. В итал. культуры 13-14 вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства – будущего искусства Возрождения. Поэтому этот период назвали Проторенессансом (т.е. подготовившим наступление Ренессанса). Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме.

 Представителями эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, живописец Джотто ди Бондоне.

Архитектура. Итальянская арх-ру долго следовала средневековым традициям, что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики. Вместе с тем сама итальянская готика на северную не походила: она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членением архитектуры, широким поверхностям стен. Церковь Санта-Кроче – одна из самых больших. Храм отличался широкими пролетами, единым светлым внутренним пространством, вместо сложных готических сводов в нем использовано деревянное потолочное перекрытие. В 1334 г. по проекту Джотто было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы – стройной прямоугольной башни поэтажными горизонтальными членениями и красивыми готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго сохранялась в итал. арх-ре.

Применение готики в 14 веке в Италии говорит о соседстве гуманизма с мистикой. В изобразительном искусстве  появилось стремление к символам, к изысканным цветовым решениям. Отличие в том, что уже в Италии был Проторенессанс, поэтому готика в Италии не такая как в других странах Европы. В арх-ре готический стиль применялся во внешнем декорировании фасадов храмов. Остроконечные щипцы, стрельчатые арки, башни, окна-розы. Готический стиль получил признание только в Сиене. Мраморная инкрустация пола в Сиенском соборе – чудо. Рисунки выполнены в технике граффити, т.е. состоят из тонких черных линий со вставками из цветного мрамора на белом фоне.

Живопись. Джотто ди Бондоне – флорентийский живописец. Мозаику заменил фреской. Она соответствовала требованиям ренессанса: во-первых, позволяла больше предать объем и плотность материала; во-вторых, быстрее создавались многофигурные композиции. Первым реализовал принцип подражание природе, начал рисовать с натуры живых людей (чего не делали ранее). Он создал типический образ человека. Ввел в живопись реальное пространство и реальные предметы. Изображаемые фигуры имеют объем. Эффект световой моделировки (светлое – более приближенно к нам, темное – удалено). Первым нарушил традицию плоскостного изображения, его фигуры не на золотом фоне, а на фоне пейзажа, интерьера. Впервые линию горизонта расположил на естественном уровне. Все эти новые традиции Джотто разработал в процессе росписи капеллы Санта Мария Арена в Падуе. Явился родоначальником типологии росписи церковных капелл, где циклы, разбитые на композиции, располагались на стенах в 2-3 яруса. Ему не свойственна симметрия, предпочитал свободные построения. Во фресках художник показывал душевное состояние героев, эмоциональность. Его образы выразительны: «Бегство в Египет» – образ Марии. На передний план у Джотто выступают не образы, а лица, в которых виден характер и состояние человека. «Поцелуй иуды» – Противопоставление добра и зла.

Дуччо ди Буонинсенья. Основатель сиенской школы, ученик византийских мастеров. В своем искусстве соединил греческую манеру с готикой. Его работа икона-полиптих - изображение Богоматери с младенцем Христом, окруженная ангелами. На оборотной стороне иконы в клеймах представлены евангельские сюжеты. Декоративная роскошь. В Сиене сильное влияние Французской готики. Симоне Мартини. Работал при дворе герцога Анжуйского в Неаполе. Привнес черты поздней готики. Ему присуща определенная цветовая гамма: сочетание синего и красного цвета, много золота; золотой фон и плоскостное изображение; размещение композиций на триптихах с завершением в виде стрельчатой арки и резной золоченой рамой с готическим орнаментом: крестоцветами, трилистниками. Но в треченто есть и мистические построения. «Триумф смерти» на пизанском кладбище Кампоманто (автор не известен). Тема безграничного могуществ смерти, быстротечности жизни все чаще возникала в европейской живописи, воплощаясь как в масштабных аллегорических композициях, так и в небольших натюрмортах.

Ранее Возрождение (Кватроченто). Это 15 век. Возникают художественные школы. Итальянские города отражают различные исторические эпохи. Раннее Возрождение во Флоренции. Новое направление в архитектуре было связано с переработкой романской итальянской архитектуры, «инкрустационного стиля» Особенность римской архитектуры является ее декоративность, когда на плоскость стены накладывались архитектурные детали: пилястры, колоны, карнизы. Родоначальником нового направления строительства был Филиппо Брунеллески. Стал первым использовать ордер по-новому, используя ордерный мотив в различных композициях. Возвел огромный купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. В восьмигранном куполе соединены элементы флорентийской готики и римского купола. Он облегчил купол, пустотелый с двумя оболочками. Новым было использование аркады: он опирал арки на колонны. По-своему применял ордерную систему при создании городского дворца. Дворцы были схожи рустовкой первого этажа, украшенными наличниками, ордерными формами разделяющими здание на два этажа. В постройках Брунеллески выражена одна из главных особенностей ранней ренессансной архитектуры: предназначенная для людей, она по масштабам соразмерна человеку, приближена к его реальному росту в отличие от готических построек с высокими сводами.

Скульптура. Расцвет монументальной скульптуры. Уже нет полной подчиненности архитектуре. Она стала самостоятельной и самоценной. Стала выразителем духовной и телесной красоты человека.

Донателло. Работал во многих итальянских городах. Соединил античность с религиозной духовностью. Внес новое:

Монументально свободно стоящая статуя. Св.Георгий. – героическая личность. Твердо стоит на ногах, опираясь на щит, в движении, левая нога впереди. Впервые в эпоху Ренессанса изваял обнаженную статую Давида. Рассчитан на круговой обзор 

Статуарная пластика, связанная с архитектурой, для украшения соборов, Особенность - учитывал где она будет установлена.

Рельефная пластика, добивается истинного впечатления пространства. Образы индивидуальны, люди как живые. Положил начало распространенному в 15 в. надгробий, где были соединены элементы архитектуры (саркофаг) и пластики (рельеф и статуи). Спокойное достоинство человека перед смертью.

Конный монумент, возродил конную статую Гаттамелата – военноначальник. Переданы настоящие черты. Это первый портрет человека эпохи Возрождения – человек всего добился сам.

В дальнейшем образы Донателло становятся драматичнее. Он явился основателем скульптурной группы «Юдифь и Олоферн». Произведения Донателло выразили основные идеи эпохи: гуманизм, стремление к совершенствованию и развитие личности, проявление яркой индивидуальности. Положил начало скульптурному портрету и отлил первый бронзовый памятник.

Живопись. Мазаччо. Следуя традициям Джотто, он сосредотачивает внимание на образе человека, усиливая его суровую энергию и активность. Объединяет фигуры с пейзажем, впервые вводит воздушную перспективу. Не смену неглубокой площадке – месту действия – приходит изображение реального глубокого пространства. Убедительнее и реальнее становится светотеневая моделировка фигур. Мазаччо впервые в Возрождении изображает обнаженное тело, придает человеку героические черты. Его изображения реальны, естественны. Все это наглядно проявилось во фресках Бранкаччи при церки Санта-Мария дель Кармине во Флоренйии «Чудо со статиром» и «Изгнание из рая». 

Сандро Боттичелли. Черты возвышенной поэтичности, утонченности и аристократической изысканности – наиболее яркое воплощение в его творчестве. Два периода. Первый – время весны и радости. Отличаются мягким лиризмом и безмятежностью. «Весна», «Рождение Венеры», «Венера и Марс». Идеал: пропорции тела слегка вытянуты, маленькая голова, длин. шея, удлиненное лицо, пухлые губы, продолгов. разрез больших глаз, высоко поднятые брови. Линия тела очень мелодична. S образный силуэт – параллель с готикой. Гл. цвет – золото. Все в этих работах отмечено спокойствием. Большое внимание уделено рукам. Это новая черта в живописи 15 в., когда через руки предается характер человека. Второй период - углубляются пессимистические настроения худ-ка, время ведущее к гибели и забвению. Он стал сектантом доминиканского монаха Савонаролы. Они обличали власть и отвергали культуру Ренессанса. Оказали сильное влияние на Боттичелли. Он сжег свои картины с обнаженными фигурами. «Покинутая», «Клевета Апеллеса» - показаны духовные переживания. На его картинах человек страдающий, утраты, потери, печаль. Боттичелли «величайший художник линии»: тонким контуром он создавал объём формы, и иллюзию глубины. Изображал предмет-символ.

Период Высокого Ренессанса

Искусство Высокого Возрождения приходит­ся на конец 15 и первые три десятилетия 16 в. «Золотой век» итальянского искусства хроноло­гически был очень кратким, и только в Венеции он продлился дольше, вплоть до середины столетия. Высочайший подъем культуры происходил в сложнейший исторический период жизни Италии.

Отличительной особенностью культуры Высокого Возрождения было необычайное расширение общественного кругозора ее создателе масштабность их представлений о мире и космосе. Меняется взгляд на человека и его отношение к миру. Сам тип художника, его мировоззрение, положение в обществе решительно отличаются от того, которое занимали мастера 15 в., еще во многом связанные с сословием ремесленников. Художники Высокого Возрождения - не только люди огромной культуры, творческие личности, свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов.

В центре их искусства - образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовного, не отвлеченный от действительности, но наполненный жизнью, внутренней силой и значительностью

Архитектура. Зарождение и развитие прин­ципов архитектуры Высокого Возрождения про­исходит в Риме. Складывается единый обще­национальный стиль. Исполненный величествен­ности, монументальности и благородной сдер­жанности, он основывается на более смелом и свободном использовании классических ордеров античности. В Риме находит завершение архи­тектурный образ здания с центрально-осевой симметричной композицией, с пространством замкнутым и всесторонне развитым.

Браманте. Основоположником нового стиля и крупнейшим его представителем в начале 16 в. был Донато д'Анджело Браманте (1444 -1514). Он придал своим сооружениям величаво-монументальный облик. Эти принципы проявились со всей ясностью в первой римской работе Браманте - малень­ком храме, так называемом Темпьетто, построенном в 1502 г. во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. Это круглое в плане купольное сооружение небольшого размера, с гармонически развитым объемом, с мягко круг­лящимся куполом. Окруженный колонна­дой римско-дорического ордера, поддерживающей антаблемент, Темпьетто производит впе­чатление монументального величественного зда­ния строгих пропорций и полнокровных форм.

Став главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит огромные работы по реконструкции Ватикана, объединяя отдельные раз­розненные постройки в единый монументальный комплекс.

Главное создание Браманте - проект собора св. Петра в Риме (1506), воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с сим­метричной композицией. Собор в дальнейшем был пере­строен другими строителями, его идеи нашли распространение в сооружениях многих итальянских зодчих.

Палладио. Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио (1508-1580), теоретика, исследователя и крупнейшего прак­тика-строителя второй половины 16 в. В отли­чие от Браманте, искавшего в античном зодче­стве формы для переработки, Палладио видел в античности идеал, который стремился оживить в своих сооружениях.

Он тяготеет к классической норме, стро­гой симметрии фасадов и планов, но при этом его искусство остается жизнеутверждающим, полным исканий, проявляясь в богатстве кра­сочного и светотеневого решения. Палладио - мастер пластических и световых акцентов.

Наиболее значителен вклад Палладио в раз­витие архитектуры дворцов и вилл. В решении палаццо он вслед за Альберти применяет боль­шой ордер. Поднимая здание на высокий цо­коль и заканчивая его аттиком, он создает впе­чатление грандиозности (палаццо Вальмарана в Виченце). В архитектуре Палладио уде­лено больше внимания разработке фасада, чем у его предшественников.

Из загородных вилл Палладио наиболее со­вершенное и законченное решение получила вилла Ротонда близ Виченцы. Это идеальная центрическая построй­ка, перекрытая куполом, квадратная в плане, с четырьмя изящными ионическими портиками на каждой из сторон. Строгое благородство про­порции и форм этого сооружения великолепно гармонирует с окружающим пейзажем.

Творчество Палладио оказало огромное воз­действие на развитие архитектуры, во многом обусловив характер архитектуры классицизма в Англии, Франции и России.

Живопись. Леонардо да Винчи. Однако подлинным осно­воположником стиля Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519).

Искусство для Леонардо было средством по­знания мира. Многие его зарисовки служат иллюстрацией научного труда, и в то же время это произведения высокого искусства. Леонардо во­площал собой новый тип художника - ученого, мыслителя, поражающего широтой взглядов, многогранностью таланта.

К числу ранних произведений Леонардо относится «Мадонна с цветком» (так называемая «Мадонна Бенуа», 1478), решительно отличающаяся от многочисленных мадонн 15 в. Отказываясь от жанровости и тщательной детализации, присущих творениям мастеров раннего Возрождения, Леонардо углубляет характеристики, обобщает формы.

Миланский период творчества оказался самым плодотворным. Много начинаний, но многое остается не завершенным. К миланскому периоду относятся живописные произведения зрелого стиля – «Мадонна в гроте» и «Тайная вечеря».

«Мадонна в гроте» – первая монументальная алтарная композиция Высокого Возрождения. Формат напоминает окно закругленное наверху. Это единое целое четырех фигур. Объединены расположением, взглядами, улыбками. Фигуры в пейзаже. Фигуры как бы вписаны в равнобедренный треугольник. Вершина – Мадонна. Все его мадонны «Мадонна Бенуа», «Мадонна Лита», « Мадонна с гвоздикой» представляют такую замкнутую пространственную пирамиду, где точно вписываются фигуры. Создал новую манеру живописи – невесомую световоздушную среду, смягчающие контуры. Он помещал источник света спереди и сзади фигуры. Этот эффект дымки называется сфумато. В мир реальных страстей и драматических чувств переносит самая значительная из монументальных росписей - «Тайная вечеря» фреска трапезной доминиканского монастыря Санта Мария дела Грация. Передал драму человеческих чувств, психологическое состояние каждого апостола. Иуда показан в тени. Смысл композиции состоит во взаимосвязи с пространством интерьера. Фреска - как продолжение помещения трапезной. Для этого, он увеличил на фреске масштабы фигуры и этим показал значимость происходящего.

К этому же времени относится портрет Моны Лизы («Джаконда», ок. 1503). Величественная фигура молодой женщины господствует над отдаленным, окатанным голубоватой дымкой пейзажем со скалами и вьющимися среди них водными протоками. Кажется, что зыбкая изменчивость самой жизни ощущается в выражении ее лица, оживленного едва уловимой улыбкой, в ее спокойно-уверенном, проницательном взгляде. Лицо и холенные руки патрицианки написаны с удивительной бережностью, мягкостью. Тончайшая, словно тающая, дымка светотени (так называемое сфумато), окутывая фигуру, смягчает контуры и тени; в картине нет ни одного резкого взмаха или угловатого контура.

Леонардо кроме живописи занимался математикой, физикой, астрономией, ботаникой, анатомией, оптикой, биологией. В Италии нет заказов и он переезжает во Францию, изготовил герб для короля (лилии выпадающие из пасти льва). Свое имущество оставил ученику. Умер в 67 лет во Франции в замке Клу.

Рафаэль Санти. Младший современник Леонардо, прошивший короткую, чрезвычайно насыщенную жизнь, Рафаэль синтезировал достижения предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа.

Родился в г.Урбино. Ученик малоизвестного художника. Позже – у Перуджино. У него Раф. Воспринял ту плавность линий, ту свободу постановки фигуры в пространстве, которые стали характерными для его зрелых композиций. «Мадонна Конестабиле» – просветленный образ молодой матери, изображенной на фоне прозрачного пейзажа. Здесь воплощены грезы о красоте, об идеальной гармонии. В небольших картинах посвященных теме материнства «Мадонна в зелени», «Мадонна-садовница» «Мадонна в кресле» Рафаэль воплотил идеалы гуманизма, создал образ света и тепла. «Сикстинская мадонна» идет по небесам к людям и предвидит участь сына. В цикле мадонн проявилось главное открытие Рафаэля - соединение языческого и христианского мироощущения, поэтому его мадонны не слишком возвышенны, и не слишком чувственны. Рафаэль мастер пространственной композиции. Он точно выстраивает картину, связывает ее в единое целое.

Он расписывал апартаменты папы римского в Ватикане. Дар Раф. – монументалиста и декоратора – проявился во всем блеске. «Диспут», «Афинская школа», «Парнас», «Мудрость, Умеренность и Сила». Здесь виден синтез архитектуры и изобразительного искусства. Римский период отмечен достижениями и в области портрета. (Портрет папы Юлия II, папы Льва Х).

В это же время создана «Сикстинская мадонна» (1515-1519), предназначавшаяся для церк. св. Сикста в Пьяченце. В отличие от ранних, более светлых по настроению, лиричных мадонн, это величавый образ, полный глубокого значения. Серьезно и печально-тревожно смотрит мадонна куда-то вдаль, как будто предвидя трагическую судьбу сына.

Последний монументальный цикл Рафаэля – роспись Лоджий – арочной галереи ватиканского дворца. Это сочетание живописного декора и небольших фресковых композиций. 52 фресковые композиции на темы Ветхого завета «Библия Рафаэля». Рафаэль- создатель стиля, основа которого - идеальное совершенство форм. Его полотна на столетия определили вкусы живописцев академического направления.

Микеланджело Буонарроти. 3 из титанов итальянского искусства. Прошел долгий творческий путь. Гениальный скульптор, живописец, архитектор, рисовальщик, военный инженер, поэт. Его жизнь совпала с историческим потрясениями. Вся его жизнь – непрестанная героическая борьба за утверждение права человека на свободу, на творчество. Поэтому он изображает человека – борца, действенного, активного, готового на подвиг. Уже в ранних самостоятельных произведениях – тяготение к большим монументальным образам, полных героики и силы («Битва кентавров»). Впервые в скульптуре он соединил телесную красоту с духовной идеей – статуя Давид во Флоренции, изображен перед свершением подвига. Юноша сильный и отважный. Таким должен быть человек. Работал над гробницами папы Юлия II и Медичи (ск-ра «Ночь», «День», «Утро», «Вечер») – символизируют быстротечность времени. «Пьета» – создал несколько композиций. Грандиозной была роспись сводов Сикстинской капеллы. В течение 4 лет расписывал собственноручно громадный плафон. Сюжеты взяты из Библии. Написал около 200 фигур и композиций. Люди как живые, это могучие титаны, разнообразные позы. «Отделение света от тьмы», « Сотворение Адама», «Грехопадение», «Опьянение Ноя» и др. Новое наступление католической церкви, период инквизиции и костров - создает в Сикстинской капелле полную мятежного духа протеста и обличения огромную фреску «Страшный суд». В центре - Христос рядом люди, они напуганы, но фигуры полны мощи, их движения конвульсивны, динамичны, они беспомощны перед роком. Завершил постройку собора Св. Петра в Риме, планировка площади и лестницы на Капитолийском холме. Мощь создаваемых образов объясняется желанием передать Величие души в телесной прекрасной оболочке, которая была и темницей. Влияние Микеланджело на современников и последующие поколения огромна.

Джорджоне. Особого расцвета достигла венецианская живопись. Живопись Джорджоне пронизана глубоким лиризмом и созерцательностью. Раскрытию поэтичности и гармонии его образов способствует пейзаж, занимающий видное место в его творчестве. Огромную роль в его композициях играет колорит. Мастерски использует свойства масляной краски. Среди ранних произведений – «Юдифь». В картинах «Гроза», «Сельский концерт» настроение создают не только люди, но и природа. Образ совершенной возвышенной красоты и поэтичности получил свое идеальное воплощение в «Спящей Венере».

Тициан. Представитель венецианской школы. Его творчество принадлежит двум эпохам. Высокого и Позднего Возрождения. Много писал на античные темы, мифологические сюжеты: «Вакханки», «Даная», «Венера и Адонис» - показал простые радости земного бытия, воспевал женскую красоту. Ранние произведения отмечены поэтичностью мировоззрения. Но в отличие от Джорджоне Тициан создает образы более полнокровные, активные, жизнерадостные - «Любовь земная и небесная». К концу жизни мироощущение худ-ка меняется, он обращается к трагическим темам мученичества и покаяния – «Кающаяся Магдалина», «Оплакивание», «Пьета». Техника живописи тоже меняется. Золотистый светлый колорит сменился густыми красками. Отказался от ярких, ликующих красок, обращается к пасмурным, стальным, оливковым оттенкам. Широкие мазки даже пальцами. Тициан заменил господство линии господством цветового пятна. На протяжении всей жизни обращается к жанру портрета.

Его творчество оказало влияние на Рубенса, Веласкеса.

Позднее Возрождение. (с 40-х гг. 16в.) Италия под властью иностранных держав. Католичество переживает кризис. Лишь богатая Венеция свободна и может развивать искусство. Представители Позднего Возрождения: Тициан, Паоло Веронезе, Тинторетто.

Живопись. Наряду с образами отдельных героев все чаще в произведениях возникает образ толпы. Веронезе. Младший современник Тициана. Он обращается к более непосредственному отображению современной ему жизни. Воспевает праздничную, шумную аристократическую Венецию. Пиры, дорогое убранство, наряды. Мастер колорита. Строит его на чередовании насыщенных цветовых пятен и нежнейших оттенков, но при этом предпочитает холодную серебристую краску. Излюбленные темы: изображение искрящихся весельем торжественных пиров и празднеств – «Брак в Кане», «Пир в доме Левия». Декоративно-монументальная живопись маслом. «Тайная вечеря», «Пир в доме Левия» – Свободно трактует евангельские сюжеты, за что вызван на суд инквизиции. Украшает дворец Дожей в Венеции – «Триумф Венеции» -декоративная пышность, бравурность, предвосхищающие искусство барокко 17 века.

Тинторетто. Его бунтарское искусство, полное страстности, титанической мощи, пронизано необузданной фантазией, одухотворенностью, динамикой. Восстал против традиции симметрии, уравновешенности, расширил границы пространства, заполнил пространство динамикой, чувствами. Создавал грандиозные по размаху декоративные росписи и целые циклы фресок, алтарные картины, объединенные в ансамбли, портреты своих современников.

Ранние произведения – в традициях Выс. Возрождения, с его величием, героикой, оптимизмом. Но уже в них ощущается повышенный интерес худ-ка к динамике резко освещенной формы, необычным ракурсам, к изображению народной толпы, охваченной единым действием, настроением, состоянием – «Чудо св. Марка», «Введение Марии во храм», «Тайная вечеря». В последнем – порывает с традиционным решением этого сюжета, переносит действие в полуподвальное помещение таверны, располагая стол и сидящих за ним апостолов под углом к картинной плоскости, беспорядочность движений, незначительные жанровые эпизоды – все это усиливает драматизм главного действия.

Драматическое, полное эмоциональной силы искусство Тинторетто не только завершает этап позднего Возрождения, но намечает пути дальнейшего развития европейского искусства – реализм 17 века.

Маньеризм. В связи с изменениями, проис­шедшими в Италии в 1520—1530-е гг., в искус­стве распространяются явления, чуждые куль­туре Возрождения, получившие впоследствии название «маньеризм».

Внутренний разлад и чувство бессилия перед неразрешимыми противоречиями, которые пере­живали многие художники, приводили их к отказу от идеалов гармонической личности, к пессимистическому надлому, осознанию одино­чества. Они насыщали свои произведения на­строениями тревоги и беспокойства, религиоз­ной экзальтации, а иногда чувственности. Со­зданные ими образы в большинстве своем отли­чаются внутренней хрупкостью, опустошенно­стью и холодностью. Деформация, крайне удли­ненные пропорции фигур, причудливо из­вивающиеся линии, беспокойные ритмы характерны для произведений мастеров этого направления: Понтормо (1494-1557), Пармиджанино (1503-1540)- «Мадонна с длинной шеей» и др.

Искусство маньеристов, по сути своей анти­народное и ложное, с преобладанием внешней формы над содержанием, вызвано было нара­станием субъективизма и болезненного излома, явившихся выражением кризиса гуманизма.

БИЛЕТ № 7.