Неореализм не оборвался в одночасье. На съемочные площадки вышли другие режиссеры, во многих случаях – ученики и сотрудники неореалистов
Поможем в ✍️ написании учебной работы
Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой

ü Авторское кино: творчество как индивидуальное самовыражение.

Висконти Лукино (Visconti) (1906–1976), итальянский кинорежиссер. Потомок знатного рода герцога Ломбардии Висконти ди Модроне, воспитывался в семье, богатой национальными и европейскими культурными традициями. С детства испытывает глубокое увлечение музыкой и театром; в сезоне 1928–1929 гг. участвует в оформлении спектаклей в миланском Театро Эден. Несмотря на раннее увлечение кинематографом, к работе в кино приступает лишь в 1930-е гг.             В 1936 г. в Париже, познакомившись с Жаном Ренуаром, становится его ассистентом. Пройдя у него школу кинематографического мастерства, Висконти сближается с группой молодых интеллектуалов-антифашистов. По роману американского писателя Джеймса Кейна снимает свой первый фильм «Одержимость» (1942) – ощутимо визуальное предвосхищение неореализма. В годы оккупации страны участвует в движении Сопротивления, симпатизирует компартии, на протяжении всей жизни оставаясь в лагере левых демократических сил. Принимает участие в создании коллективного документального фильма «Дни славы» (1945) об освобождении. Тогда же начинает выступать как профессиональный постановщик драматических и оперных спектаклей на сценах разных театров, совмещая эту деятельность с работой в кино.

Мотивы романа Джованни Верга «Семья Малаволья» легли в основу его эпического фильма «Земля дрожит» (1948), посвященного рыбакам Сицилии и ставшего одним из наиболее значительных свершений неореализма. Роли в фильме исполняли актеры-непрофессионалы, игравшие на сицилийском диалекте. В порубежные для неореализма годы снимает «Самую красивую» (1951), в котором Анна Маньяни воплотила одну из лучших своих и единственную трагикомическую роль. Первый цветной фильм режиссера «Чувство» (1954), снятый в противовес доминировавшему тогда розовому неореализму, опередил возникновение национального исторического фильма. Хотя на этом и следующем фильме – адаптации «Белых ночей» (1957) по Ф. Достоевскому – сказался опыт театральных его постановок.

Эпопее «Рокко и его братья» (1960) по очеркам Джованни Тестори суждено было стать узловым произведением нового итальянского кино. Корнями своими сопряженный с неореализмом, фильм убедительно обновлял классическую традицию в иную эпоху, с одной стороны, и, с другой, – выражал доминанту нового времени традиционно-литературным повествованием. Столь любимый автором принцип художественной трактовки блистательно подтвердил себя в экранизации одноименного романа Джузеппе Томази ди Лампедуза «Леопард» (1963), в котором Висконти проявил себя как трезвый историк-аналитик, единственный в те годы в итальянском кино. 

«Немецкая трилогия» Висконти«Гибель богов» (1969), «Смерть в Венеции» (1971, по одноименной повести Томаса Манна) и «Людвиг» (1973) – никем не превзойденный образец точнейшего воссоздания в кино огромного исторического пласта полувековой протяженности на рубеже XIX–XX веков. Именно у Висконти и именно в фильме «немецкой трилогии» литература, театр, музыка и кино с исчерпывающей полнотой представляют собой гармонический художественный синтез. Впрямую в последний раз обращаясь к современному материалу в «Семейном портрете в интерьере» (1974), Висконти создает своего рода духовное завещание, обращаясь к новым поколениям от имени поколения своего, уходящего. Последней работой мастера стала тщательная, любовно выписанная экранизация одноименного романа Габриэле Д'Аннунцио «Невинный» (1976), в которой великий режиссер еще раз воссоздал эпоху, которой был порожден.

– Феллини Федерико (1920–1993), итальянский режиссер.

В Римини Федерико провел детские и отроческие годы. Переехав весной 1939 г. в Рим (место действия доброй половины его фильмов), он становится сотрудником журнала «Марк Аврелий», где ведет постоянные рубрики, публикует иллюстрированные юмористические рассказы. В редакции знакомится со Стефано Ванциной (Стено), благодаря которому при посредничестве Альдо Фабрици в 1939 г. пробует свои силы в кино. Как гэгмен Феллини участвует в написании сценариев ряда комедийных фильмов. Осенью 1943 г. он женится на Джульетте Мазине, исполнительнице роли Паллины на радио в написанных им скетчах. Брак с Мазиной знаменовал их полувековое творческое сотрудничество.

Знакомство в 1945 г. с Роберто Росселини, «отцом неореализма», значительно повлияло на мировоззрение и будущее творчество Феллини, который на протяжении первых послевоенных лет выступает соавтором сценариев фильмов Росселини, а также сотрудничает как драматург с другими режиссерами-неореалистами. Совместно с Альберто Латтуадой ставит свой первый фильм (ту самую половину, что позднее будет обыграна в названии прославленного его фильма «Восемь с половиной») – «Огни варьете» (1950), а следом, по сценарию Микеланджело Антониони, комедию «Белый шейх» (1952). Одновременно с новеллой «Брачное агентство» для альманаха «Любовь в городе» (1953) Феллини снимает оригинальный, навеянный автобиографическими мотивами фильм «Маменькины сынки» (1953), групповой портрет нового поколения молодых провинциалов, для которых война и антифашистское Сопротивление (как, впрочем, и героический пафос неореализма) не имели мировоззренческого значения. Фильм «Дорога» (1954) универсальная философская притча с углубленными психологическими характеристиками героев, принесший международную славу автору и сыгравшей в нем главную роль Джульетте Мазине, впрямую определил идейно-художественный отход от неореализма Феллини и рождение нового этапа в развитии итальянского кино.

Последующие фильмы «Мошенничество» (1955) и «Ночи Кабирии» (1957) уже своим выбором героев-маргиналов этот отход упрочили. Несвойственный Феллини социологизм, с которым он отреагировал на «эпоху экономического чуда», уравновешивался в «Сладкой жизни» (1960) введением в фильм лирического альтер-эго автора в лице героя Марчелло Мастроянни, благодаря чему картина оказалась в равной степени кинематографическим произведением, вехой в развитии национального кино и явлением общественного порядка. Авторский шедевр – «Восемь с половиной» (1963) с явными автобиографическими аллюзиями в образе режиссера в исполнении того же Мастроянни – перевел внешнюю сюжетику предыдущего фильма в глубинную, интровертированную, столь излюбленную автором, решительно обновив киноязык и повлияв на несколько поколений кинематографистов мира.

После затяжного кризиса 1960-х гг. – «Джульетта и духи» (1964) – в конце десятилетия Феллини снимает для американского телевидения фильм «Феллини – блокнот режиссера» (1969, США), а следом – автобиографическую трилогию «Клоуны» (1970, телефильм), «Рим» (1972) и «Амаркорд» (1973). Личностную мифологизированную трактовку античности и истории XVIII века представляли его ленты «Сатирикон-Феллини» (1969) и «Казанова Федерико Феллини» (1976). Емкая философская притча «Репетиция оркестра» (1978) возродила былую универсальную, в основе своей новаторскую потенцию маэстро. Последнее десятилетие творчества при всем разнообразии снятых в нем фильмов – саркастический антифеминистский памфлет «Город женщин» (1980), ностальгические вариации на темы модерна как «большого стиля» в ленте «И корабль плывет» (1983), антителевизионный шарж «Джинджер и Фред» (1985), попурри на собственные кинематографические темы в «Интервью» (1986) и поэтическая аллегория «Голос луны» (1990) – развивалось под знаком академизма, впрочем, общепризнанного во всем мире.

– Антониони Микеланджело (1912–2007), итальянский режиссер, писатель, художник.

В 1942  г. был ассистентом режиссера М. Карне на съемках «Вечерних посетителей», написав о нем аналитическую статью «Марсель Карне – парижанин». Был соавтором сценариев фильмов «Пилот возвращается» Р. Росселлини, «Трагическая охота» Де Сантиса, «Белый шейх» Ф. Феллини. Дебютировал как режиссер короткометражного документального фильма «Люди с реки По». В конце 1940-х гг. снял ряд короткометражных документальных фильмов, ставших художественными кинодокументами послевоенной жизни Италии. Его дебютом в игровом кино стал полнометражный фильм «Хроника одной любви» (1950). Снятые им вслед за тем мелодрамы и психологические драмы «Побежденные» (1952, фильм в трех новеллах), «Дама без камелий» (1953), «Попытка самоубийства» (1953, новелла в альманахе «Любовь в городе»), выявили в нем художника психологической школы. В «Подругах» (1955), экранизации рассказа Ч. Павезе, впервые проступили черты реальности киномира автора. Эта реальность во многом противостоит фиксации фабульного повествования, проявляя себя во внесюжетных элементах – паузах, визуальных характеристиках героев (преимущественно героинь), их внутреннем состоянии.

 После фильма «Крик» (1957, в сов. прокате – «Отчаяние») снимает «Приключение» (1959), в котором авторская эстетика получает исчерпывающее смысловое выражение: скрывающий природу вещей, в том числе и драматических происшествий, окружающий мир непознаваем в основе своей куда в большей степени, нежели внутренние взаимоотношения между героями. Фильм открыл собою знаменитую тетралогию автора – «Ночь» (1960), «Затмение» (1962), «Красная пустыня» (1964), – за которую режиссер был несправедливо наречен своего рода певцом некоммуникабельности, тогда как атрофия чувств, вернее их проявлений, у его героев была следствием как процессов, характерных для Италии периода просперити («процветание»), так и глобального отчуждения современного человека от мироздания. Кинематограф Антониони в 1960-е стал характерным проявлением духовного состояния человека в современном мире, по справедливости получив репутацию общекультурного явления ХХ века.

Заслужив реноме художника мирового гражданства, после 1965-го снимает за пределами Италии. В его английском фильме «Фотоувеличение» (1966) по рассказу Х. Кортасара «Слюни дьявола» с гениальным мастерством воплощена основополагающая авторская идея: причинно-следственная связь явлений в мире решительно противится любой визуальной запечатленности, в сознании человека оставаясь некоей универсальной энигмой («загадка»). В игровом фильме «Забриски Пойнт» (1969) и документальном фильме «Чунг Куо» («Китай») (1972) глазами Антониони даны современные США и Китай, в явно сочувственном к молодежному движению хиппи в первом случае ключе, и столь же дистанцированном от азиатских реалий – во втором. Снятый в Италии фильм «Профессия: репортер»/«Пассажир» (1974), отчасти повествовавший о криминализации освободительной борьбы в Африке, большей частью был отведен излюбленной авторской мысли: адекватная картина реальности неустановима, вплоть до невозможности идентифицировать даже главного героя произведения. «Антологизм», проявившийся в этом фильме, так или иначе свойствен исторической телемелодраме «Тайна Обервальда» (1979) и «Идентификации женщины» (1982). После долгого перерыва, вызванного тяжелой парализацией с необратимой потерей речи, совместно с Вимом Вендерсом снял фильм «За облаками» (1995) по мотивам глав собственной книги «Тот кегельбан над Тибром». Соавтор сценариев всех своих фильмов.

– Пазолини Пьер Паоло (1922–1975), итальянский поэт, прозаик, драматург, режиссер, теоретик.

Окончил Болонский университет. В 1950 г. переезжает в Рим. Активно работает на литературном поприще, издает сборник стихов, выступает как исследователь религиозной поэзии, выпускает посвященный ей теоретический журнал «Мастерская» («Оффичина»), пишет романы. С начала 1960-х гг. дебютирует как режиссер. Его первый фильм «Аккаттоне» (1962) и снятая следом «Мама Рома» (1962) в первую очередь свидетельствовали о творческом претворении в новое время наследия неореализма. Однако подлинное новаторство Пазолини заключалось в открытии неисследованного пласта действительности – маргиналов, людей дна, не вовлеченных в просперити итальянского экономического чуда, а, скорее, растленных им. Автором был реабилитирован язык героев (римский диалект), их своеобразная культура, анализом которой дотоле кино не занималось. В короткометражном фильме «Овечий сыр», снятом для альманаха «Рогопаг» (1963), автор в острой полемической форме восстанавливает в правах первичные человеческие рефлексы, в частности, голод, утверждая его приоритет перед религиозным чувством.

Его программный фильм «Евангелие от Матфея» (1964) при всей скрупулезности адаптации первоисточника послужил художественным призывом к движению контестации для молодого итальянского кино, а сам Пазолини оказался духовным учителем для целого поколения. В философской притче «Птицы большие и малые» (1965) он сопрягает целостные духовные пласты – современность и Средневековье. Обратившись к античности в «Царе Эдипе» (1967) и «Медее» (1969), дает авторскую трактовку классических литературных первоисточников. В «Теореме» (1968), снятой по одноименному собственному роману, предрекает гибель буржуазной культуры в целом. В фильме «Свинарник» (1969) исследует проблемы фашизма и неофашизма.

Художник левых взглядов противостоял коммерциализации современного кино. Он стремился реабилитировать физическую реальность человеческой плоти на экране в ее художественном и философском аспектах, полагая недопустимым отдавать эту сферу на откуп коммерческому кино. С этой целью создает свою «трилогию жизни» – фильмы: «Декамерон» (1970), «Кентерберийские рассказы» (1972), «Цветок тысячи и одной ночи» (1974). В этих экранизациях источников эпохи Возрождения разных стран и периодов, проникнутых преимущественно духом ренессансного приятия человеческого бытия в его гармонии с мирозданием, дал исчерпывающую собственную философию жизни в ее историко-культурном преломлении.

Последний фильм автора «Сало, или 120 дней Содома» (1975) по мотивам романа маркиза де Сада и других авторов стал одним из первых произведений в итальянском кино, трактующих природу фашизма не в ее каноническом историко-политическом аспекте, но исследуя власть тирании в ее потаенных, сексуально вымещаемых формах. В собственных фильмах иногда исполнял «знаковые», узнаваемые роли. Соавтор сценариев всех своих фильмов. При невыясненных обстоятельствах был убит в Остии, близ Рима.

Тавиани Паоло (1931) и Витторио (1929), итальянские кинорежиссеры. Свою работу в кино братья Тавиани начинали как организаторы киноклубов в Пизе и Риме. В 1952 г. они приняли участие в съемках фильма «Соперничество» («Участковый врач») Чезаре Дзаваттини. Сотрудничество с Дзаваттини было продолжено в работе над документальным фильмом «Сан-Миниато, июль 44 года» (1954). В последующем братья Тавиани совместно с Валентино Орсини сняли ряд короткометражных документальных фильмов. В 1960 г. в сотрудничестве с Йорисом Ивенсом и Орсини Тавиани сняли полнометражный документальный фильм «Италия не бедная страна».

С начала 1960-х гг. режиссеры дебютируют в игровом кино. Первые художественные фильмы, снятые совместно с Орсини, – «Человек, которого нужно уничтожить» (1962) и «Брачное беззаконие» (1963) – посвящены сицилийской мафии и законодательству о разводах. Эти фильмы зарекомендовали авторов как художников левой ориентации. Поставив в период молодежного бунта 1960-х гг. фильм «Ниспровергатели» (1967), выразили духовное смятение итальянских интеллектуалов. В канун появления политического кино Тавиани сняли философскую антиутопию «Под знаком Скорпиона» (1969). Формально и стилистически дистанцировавшись от злободневности политического кино, в своих ангажированных философско-исторических фильмах «У святого Михаила был петух» (1972) и «Аллонзанфан» (1974) режиссеры предупреждали об опасности революционного преобразования общества.

Направленность творчества в создании исторических произведений была подтверждена экранизацией романа Гавино Ледды «Отец-хозяин» (1977), антифашистской драмой «Ночь святого Лоренцо» (1981) и сицилийским эпосом «Хаос» (1984) по избранным новеллам Луиджи Пиранделло. Фильмы эти вылились в своеобразную трилогию, в которой доминировало чувство любви авторов к своей родине, ее истории и культуре. Их ленты «Поляна» (1979) и, в большей степени «Доброе утро, Вавилон» (1986), проникнуты столь же обостренным чувством любви к кинематографу в его историческом развитии. Фильмы режиссеров 1990-х гг. – «И свет во тьме светит» (1990), по мотивам «Отца Сергия» Л. Толстого, «Флореаль» (1992), «Избирательное сродство» (1995, по роману И.-В. Гете), стали триптихом национальной культурно-исторической традиции. В 2000 г. режиссеры приступили к съемкам экранизации романа Л. Н. Толстого «Воскресение». На Московском кинофестивале 2002 г. этот фильм завоевал приз «Золотой Георгий».

Франция

ü Кокто Жан (1889–1963), французский поэт, драматург, прозаик, сценарист, кинорежиссер, актер, график.

Один из виднейших представителей авангарда в европейском искусстве ХХ века. Образование получил в лицее Кондорсе. В 1995 г. был принят в члены Французской академии. Свой путь в искусстве начал как поэт-экспериментатор. В 1910-е гг. выступал как соратник и популяризатор С. П. Дягилева и русского балета в Париже, в 1920-е прошел искус кубофутуризмом и дадаизмом в живописи и литературе, затем ненадолго солидаризовался с сюрреалистами. Движимый, в духе времени, страстным интересом к кинематографу, в 1930 г. (одновременно с постановкой Л. Бунюэлем сюрреалистического шедевра «Золотой век») снял свой первый, отмеченный намеренной алогичностью повествования фильм «Кровь поэта», в котором просматривались смутные контуры античного мифа об Орфее.

В дальнейшем тема искусства и участи художника в прозаичном и корыстном мире становится центральной в творчестве Ж. Кокто, обретая роковую, в позднеромантическом духе предопределенность в фильмах «Орфей» (1949) и «Завещание Орфея» (1959), снятых по собственным сценариям (в последнем он выступил сам в будничном облике пожилого поэта). Наибольший успех снискала вторая часть кинотрилогии, представлявшая собой перенесенную в условную современность экзистенциальную, в духе «Мух» Ж.-П. Сартра и «Мифа о Сизифе» А. Камю, притчу о несовместимости высокой духовности с регламентированным буржуазным бытом. Мрачная экспрессивность картин посещаемого героем (Орфея, как и большинство главных героев Кокто, играл Ж. Маре) в сопровождении таинственной Принцессы-Смерти (М. Казарес) ада, где безликие судьи с унылой механичностью выносят своим жертвам приговоры без права апелляции, живо напоминала о недавних ужасах фашистской оккупации.

Самой простой и популярной из лент Кокто, в полной мере продемонстрировавшей образные возможности его «ирреального реализма» (как определял он сам свой кинематографический метод), стала сказочно фантастическая картина «Красавица и чудовище» (1946), фабула которой восходит к волшебной сказке XVIII века.

– Маре Жан (1913–1998), французский актер.

Жан Маре родился в Шербуре. Его настоящая фамилия Виллен-Маре, но, так как «вилен» по-французски значит «плохой», он сократил свою фамилию. Его «послужной список» в кино невелик, но не потому, что его не приглашали сниматься. Просто он был очень строг в отборе ролей. Начав сниматься еще в 1930-е гг. в фильмах М. Л'Эрбье, в «Странной драме» (1937) М. Карне, он получит известность в годы войны, когда снимется у Кристиан-Жака в «Кармен» (1945). Но настоящим учителем Маре, сформировавшим его актерскую индивидуальность и художественный вкус, стал поэт, драматург и режиссер Жан Кокто. Он становится «актером Кокто», играя в его театральных постановках («Ужасные родители»), а также снимается в его главных фильмах: «Орфей» (1949) и «Завещание Орфея» (1959).

Много позднее Жак Деми поручит ему роль в картине «Подземная автостоянка» (1985), навеянной мифологией Кокто. Для разрядки Жан Маре охотно снимался в развлекательных комедиях «Жюльетта» (1953), «Полуночные любовники»/«Разбитые мечты» (1953), а также в картинах «плаща и шпаги» таких, как «Капитан Фракасс» (1961), «Горбун» (1959), «Рюи Блаз» /«Опасное сходство» (1947), в сказках «Красавица и чудовище» (1946), «Ослиная шкура» (1970).

Маре тяжело переживал смерть Кокто (1963), он даже предполагал уйти из профессии. Однако уже в 1964 г. снялся в суперпопулярной серии фильмов о Фантомасе (1964–1966). В конце 1960-х гг. Маре попал в тяжелейшую автомобильную катастрофу и надолго оставил экран. В 1970-е гг. практически не снимался. В 1986 г. молодой режиссер Вилли Рамо снял его в «Родственных связях». Лишь в 1996 г. актер появится в знаковой роли стареющего художника у Б. Бертолуччи в картине «Ускользающая красота». Маре профессионально занимался гончарным делом и живописью, написал несколько книг: «Вся истина обо мне» (1957), «История моей жизни» (1975), «Рассказы» (1978) и др. В последние годы жил на юге Франции в своем поместье близ Ниццы, где и умер.

ü Два других режиссера с ярко выраженной индивидуальностью:

– Брессон Робер (1907–1999), французский кинорежиссер, сценарист, один из мэтров «авторского» кино, направления в послевоенном европейском кинематографе. Во время Второй мировой войны попал в плен и был депортирован в Германию, где провел полтора года. Вернувшись на родину, еще при оккупации поставил первый полнометражный фильм «Ангелы греха» (1943), конфликт которого – столкновение в стенах монастыря движимой чувством жертвенности и самоотречения молодой монахини-альтруистки и изверившейся во всем уличной женщины – сигнализировал о весьма нетрадиционном для мирового кинематографа круге интересов будущего мастера. Нравственно-этические коллизии лежали и в центре его следующей ленты «Дамы Булонского леса» (1945), представлявшей собой вольное осовремененное переосмысление мотивов философского романа Д. Дидро «Жак-фаталист».

Тяготение к крепкой литературной основе – от средневековых французских романов до произведений Ф. Достоевского и Л. Толстого – отличает творчество Брессона на протяжении его дальнейшего пути в кинематографе, однако основу его изобразительного стиля характеризует демонстративный отказ от традиционных приемов экранной выразительности, в представлении художника связанной с «театром» как подражанием, имитацией действительности. Напротив, как свидетельствуют его «Заметки о кинематографе» (1975), задача «десятой музы» в понимании Брессона – выражение метафизических, сущностных сторон бытия, находящих лишь косвенное, опосредованное воплощение в видимом поведении людей. Художника-философа религиозной ориентации, его волнуют духовные драмы, переживаемые персонажами-страстотерпцами, открытие конечных истин существования в ходе трудного жизненного опыта.

Триумфом «авторского кинематографа» режиссера стал созданный на основе одноименного романа католического прозаика Ж. Бернаноса «Дневник сельского священника» (1951), отмеченный неуклонной верностью нравственно-этической задаче и крайним аскетизмом формы. Теми же чертами отмечен во многом автобиографический фильм «Приговоренный к смерти бежал»/«Дух веет, где хочет» (1956). В этом же ключе решены фильм «Карманник» (1959), пронизанный ассоциациями с творчеством Достоевского рассказ о молодом воришке, испытывающем внутреннее перерождение под влиянием любви к женщине, а также отмеченная библейской бесхитростностью притча об осле – немом свидетеле чуждого доброты и сострадания человеческого мира – «На удачу, Бальтазар» (1966). Эти ленты стали этапными в биографии Брессона-режиссера.

В лучших фильмах этой поры – к ним относятся также «Процесс Жанны д'Арк» (1962) и «Мушетта» (1967) – тяжкие испытания, выпадающие на долю героев, их верность своему жребию обнаруживают не только христианско-религиозное звучание, в них, как и в «Бальтазаре», ощутимы ноты социального протеста. Обличение корыстолюбивого, лицемерного мира, чуждого всякой духовности, пронизывает снятую на исходе молодежного движения ленту «Вероятно, дьявол» (1977) и позднейшие ленты-экранизации Брессона – «Кроткая» (1969, по рассказу Ф. Достоевского), «Четыре ночи мечтателя» (1971, по мотивам «Белых ночей» Ф. Достоевского) и «Деньги» (1983, по повести Л. Толстого «Фальшивый купон»). Характерно, что последняя лента Брессона, всегда высоко ценимого кинокритикой, но не раз встречавшего прохладный прием у массовой аудитории, разделила награду Каннского МКФ с фильмом «Ностальгия» А. Тарковского, в 1972 г. включившего две работы режиссера – «Дневник сельского священника» и «Мушетту» – в перечень десяти лучших фильмов, созданных на протяжении всей истории мирового киноискусства.

– Тати Жак (1908–1982), французский актер и режиссер.

Настоящая фамилия Татищев (по русскому деду, дипломату в Париже). Классик французской комедии – и в то же время стоит особняком в этом весьма развитом жанре кино Франции. Начинал путь в спорте (регби, бокс, теннис) в 30-е гг. как любитель, а вскоре профессионально выступал со смешными пантомимами в мюзик-холле. В 1932 г. попытался перенести свои цирковые номера в кино, но фильм «Оскар, чемпион по теннису» не был им завершен.

Универсальное мастерство Тати проявилось с первых киноопытов – он был и сценаристом, и режиссером, и актером. Продолжал выступать в мюзик-холле. В конце 30-х гг. и сразу после войны играл маленькие роли в кино (например, в лентах Клода Отан-Лара «Сильвия и призрак», 1946; «Дьявол во плоти», 1947), а в 1949 г. ставит «Праздничный день», так поразивший прокатчиков своей новизной, что они согласились купить права только после оглушительного успеха маленького частного просмотра. Однако в первые ряды комедиографов Тати вывела следующая картина – «Каникулы господина Юло» (1953) и, в особенности, «Мой дядя» (1958), получивший специальную премию в Каннах и «Оскар», сделавший имя Тати известным всему миру.

Он снимал очень редко, однако каждый фильм становился событием культурной жизни и входил в историю комедии. В критике существует термин «юмор Тати». Это юмор, который отличается острым своеобразием и одинаков во всех его комедиях: он лишен надуманности, всегда подсмотрен в реальной жизни; с одной стороны пронизан лиризмом и нежной любовью к миру, а с другой – обладает иррациональной глубиной и напоминает черный юмор сюрреалистов, выявляя потерянность обыкновенного человека в технизированном мире агрессивно наступающей цивилизации. «Я хочу сделать гэг правдивым», – говорил Тати. Типичными для его творчества являются комедии «Время развлечений» (1967) и «Автодвижение» (1971).

Швеция

– Бергман Ингмар (1918–2007), шведский режиссер, сценарист.

Выдающийся деятель скандинавского театра ХХ века, наряду с М. Антониони, Л. Бунюэлем, А. Куросавой, Ф. Феллини, международно признанный лидер «авторского» направления в мировом киноискусстве.

«Самым великим художником кино со времен изобретения кинокамеры» назвал Ингмара Бергмана Вуди Аллен. С конца 50-х гг. имя Бергмана входило во все перечни величайших кинорежиссеров мира, а его шедевры «Седьмая печать» и «Земляничная поляна» – в рейтинги лучших фильмов в истории кино. Ленты Бергмана, столь контрастировавшие с доминировавшим в послевоенной Европе неореализмом, открыли зрителю мир, в котором переплетаются душевные и физические муки, похоть и вера, зло и любовь, где познать себя невозможно, Бог молчит или строит козни, а люди – пленники собственных нереализованных желаний.

Бергман первый перенес на экран метафизические проблемы – религию, смерть, смысл бытия, главные темы его фильмов – отношения между мужчиной и женщиной, человечеством и Богом. В культуре второй половины XX века Бергман занял такое же место, которое в начале столетия занимал Стриндберг, а ни до, ни после – ни один швед. В театральных рейтингах на одном из первых мест стояла его режиссерская и актерская школа. Среди современников-кинематографистов только Феллини мог конкурировать с ним по интеллектуальной и творческой мощи.

Жизнь Бергмана охватила по времени историческую кульминацию века, и, если он не был прямым участником событий, то уж никак и не равнодушным свидетелем. Трагические катаклизмы двадцатого столетия впервые заставили человечество осознать себя как хрупкую целостность, а человека, как микрокосм, несущий в себе такой же взрывной потенциал, что и большая Вселенная. И тот, кто не сломался под этим титаническим давлением, поистине равен античным атлантам. Вот почему герои Бергмана, живущие в комфортных стокгольмских квартирах, тем не менее, напоминают мифологических героев. Бергмановские мужчины – в своем диалоге с оставившим их Богом, пастор из причастия, или в своих творческих комплексах художник из «Часа волка» – предельно эгоцентричны и равнодушны к своим близким. Зато женщины, героини тех же картин, страдают вдвойне – и за себя, и за сильную половину человечества. Но больше всех страдают дети, которые с самого рождения смотрят в зеркало грехов и мучений своих родителей.

Бергман, питаемый духом северного протестантизма, довел до предела начатую еще XIX веком драму самоанализа в своих религиозных кинопритчах: «Седьмая печать», «Источник», «Лицо» и «Как в зеркале». Он безжалостно препарировал человеческую личность в «Персоне», в «Стыде», в «Шепотах и криках». И он же показал, как возможно вновь обрести цельность, как гармонично могут сплестись природа и культура, как в каждом большом человеке заключен ребенок и, наоборот, в сыне – отец, в матери – дочь.

О могуществе памяти, о силе фантазии, способных победить отчаяние и холод жизни, поведали самые личные и самые универсальные фильмы Бергмана: «Земляничная поляна», «Осенняя соната» и «Фанни и Александр», особенно любимая шведским народом и ставшая апофеозом его многогранного творчества.

Творческое наследие Бергмана огромно. На сценах Швеции и других стран им поставлено более 70 спектаклей по произведениям классической и современной драматургии, осуществлен ряд постановок на радио и телевидении. В кино с 1946 по 2003 г. режиссер снял более 50 фильмов (в основном по собственным сценариям), ряд фильмов по его сценариям осуществлен другими режиссерами. Лауреат престижных международных кинопремий, включая премию Европейской киноакадемии «Феликс» (1988) и «Ветвь ветвей» 50-го юбилейного МКФ в Каннах (1997).

Раннее кинотворчество Бергмана проходит под знаком типичной для представителей шведского литературного авангарда 40-х гг. (так называемых «фюртиоталистов») бескомпромиссной критики социальной несправедливости, ханжества и лицемерия буржуазной морали и процветавшего на его родине культурно-политического изоляционизма. Однако уже в первых лентах режиссера стремление к углубленному психологическому анализу сочетается с постановкой философских вопросов о природе бытия и месте человека в нем.

С новой остротой Бергман выдвигает эти вопросы, рассматривая их на пространстве истории и мифа, в снискавших ему общенациональную и международную славу новаторских лентах 50-х гг.: пронизанном горьким социально-критическим пафосом, приводящем на память Ф. Достоевского «Вечере шутов» (1953), восходящей к истокам средневекового народного театра «Седьмой печати» (1956, премия МКФ в Каннах), погружающем в легендарное прошлое «Источнике» (1959) и в балансирующем на грани реального и фантастического «Лицее» (1958, премия МКФ в Венеции, 1959). Вершиной бергмановского этико-художнического максимализма становится в этот период отмеченная виртуозностью образно-выразительного решения мучительная драма переоценки жизненных ценностей, происходящая на исходе человеческого пути «Земляничная поляна» (1957).

Поиск истоков одиночества, некоммуникабельности, генезис отчуждения – в центре внимания Бергмана в этапных фильмах 60-х гг., сложившихся в тематическую трилогию о «молчании Бога»: «Как в зеркале» (1960, премия «Оскар»), «Причастие» (1962), «Молчание» (1963). Напоминая по форме «камерные пьесы» А. Стриндберга (небольшое число действующих лиц, узкие рамки времени и пространства), они, как и снятая двумя годами позже сложнейшая по замыслу и исполнению философская драма «Персона» (1965), весомо свидетельствовали, что с Бергманом в мировое кино приходит принципиально новое, экзистенциальное, связанное с тончайшими нюансами внутренней жизни людей измерение.

Анализ граней «несчастного сознания» (в терминологии С. Кьеркегора, одного из духовных учителей режиссера), предпринимаемый в фильме о теряющем рассудок художнике («Час волка», 1965), ленте-антиутопии о неостановимой деградации одинокой личности под натиском антигуманной среды «Стыд» (1967), картинах о безболезненном сломе устоев буржуазного брака и семьи, таких как «Страсть» (1968), «Прикосновение» (1970), «Шепоты и крики» (1971), практически не знает себе равных в опыте современного киноискусства.

70-е гг. отмечены в творчестве Бергмана усилением социально-критических и политико-разоблачительных мотивов. Живой общественный резонанс вызвала постановка в кино и на телевидении «Сцен из супружеской жизни» (1972) и их своеобразного продолжения – фильма «Лицом к лицу» (1975). Ощущение непрочности, зыбкости современного миропорядка емко выразилось в галлюцинативной, с черточками научно-фантастического «прогноза», картине о психосоциальных истоках фашизма в Германии «Змеиное яйцо» (1976).

На грани 80-х гг. в манере режиссера берут верх тенденции к утверждению позитивных мировоззренческих ценностей. По Бергману, важнейшее средоточие этих ценностей (и первооснова существования) – семья. Именно в рамках семьи развертывается напряженный внутренний конфликт позднейшего из психологических шедевров Бергмана«Осенней сонаты» (1977) и масштабной эпической саги «Фанни и Александр» (1982), явившейся самой дорогой постановкой за всю историю шведского кинопроизводства.  

После триумфа фильма «Фанни и Александр» он перестал снимать кино и посвятил себя эпизодическим телевизионным работам и театральным спектаклям. В 2003 г. в Швеции был показан  телефильм Ингмара Бергмана «Сарабанда». Для 85-летнего режиссера «Сарабанда» явилась выходом из затворничества. Ради съемок Бергман покинул свой дом на Фарерских островах, в 160 км от Стокгольма, где проводил все свое время. «Сарабанда» – последний шедевр мастера. Он в полной мере может считаться классикой мирового кинематографа. «Сарабанда» – семейная драма (сюжет, так привлекающий Бергмана). Фильм можно считать продолжением картины «Сцены из супружеской жизни». В фильме снялись любимые актеры  режиссера: Лив Ульманн и Эрланд Йозефсон. Они же были заняты в предыдущей картине, а в «Сарабанде» их образы, по задумке Бергмана, были переосмыслены заново.

 

Библиографический список

1.  Алова, Л. Анна Маньяни и ее роли / Л. Алова, О. Боброва. – Москва, 1990. – 112 с.: ил.

2.  Антониони об Антониони / М. Антониони; пер. с итал.; вступ. ст. В. Е. Баскакова; коммент. О. Б. Бобровой. – Москва: Радуга, 1986. – 399 с.: ил.

3.  Аронсон, О. Имманентная биография. К концепции «языка реальности» П. П. Пазолини // Автобиография. К вопросу о методе: тетради по аналитической антропологии / под ред. В. Подороги. – Москва: Логос, 2001. – №1. – С. 260–281.

4. Баландина, Н. П. Автор – герой – город в фильмах Фрасуа Трюффо и Жака Тати / Н. П. Баландина // Западное искусство. XX век: Проблемы интерпретации. – Москва: КомКнига, 2007. – С. 217–246.

5.  Безелянский, Ю. Маэстро фантазий и сновидений [Федерико Феллини] / Прекрасные безумцы : литературные портреты / Юрий Безелянский. – Москва: Радуга, 2005. – С. 263–277.

6.  Бергман, Ингмар. Латерна магика / Ингмар Бергман ; пер. со швед. и коммент. А. А. Афиногеновой. – Москва: Искусство, 1989. – 286 с. : ил.

7.  Богемский, Г. Идентификация Мастера : Микеланджело Антониони семьдесят лет // Искусство кино. – 1992. – № 10. – С. 131–148.

8.  Божович, В. Бергман // Искусство. – 2004. – № 8 (296). – С. 12–14.

9.  Божович, В. И. У последней черты: образ человека у Бергмана, Висконти, Тарковского // На грани тысячелетий: мир человека в искусстве ХХ века. – Москва : Наука, 1994. – С. 230–270.

10.  Брессон, Р. Режиссура – не искусство! / пер. с фр. А. Брагинского // Искусство кино. – 2000. – № 7. – С. 112–123.

11.  Брессон, Р. Синематограф / пер. с фр. А. Ставровской // Искусство кино. – №7. – С. 140–145.

12.  Вайль, П. Перевод с итальянского : Милан – Висконти ; Риммини – Феллини // Гений места / Петр Вайль ; послеслов. Л. Лосева. – Москва : Независимая газета, 2000. – С. 401–430.

13. Виноградов, В. В. Ж. Кокто. Трилогия о Смерти, или Между Дионисом и Аполлоном // Вестник ВГИК. – 2010. – № 5. – С. 74–87.

14.  Висконти о Висконти / Лукино Висконти ; пер. с итал. В. Божовича. – Москва: Радуга, 1990. – 445 с.: ил.  

15.  Гарин, И. И. Ингмар Бергман // Воскрешение духа / И. И. Гарин. – Москва : ТЕРРА, 1992. – С. 169–182.

16.  Громов, В. Антониони // Искусство. – 2003. – № 1 (265). – 1–15 янв. – С. 4–7.

17.  Громов, В. Пазолини // Искусство. – 2002. – № 21 (261). – 1– 15 ноябр. – С. 5–8.

18.  Гусятинский, Е. Дела Брессона // Киноведческие записки. – 2004. – № 70. – С. 338–373.

19.  Добротворский, С. Бергман и Дрейер: Молчание и слово // Кино на ощупь: сб. ст. 1990–1997. – Санкт-Петербург: Сеанс, 2005. – С. 318–329.

20.  История зарубежного кино : учеб. / отв. ред. В. А. Утилов. – Москва : Прогресс-Традиция, 2005. – 568 с. – (Academia XXI).

21.  Козлов, Л. К. Лукино Висконти и его кинематограф / Л. К. Козлов. – Москва, 1987. – 129 с.: ил.

22.  Кокто, Ж. Тяжесть бытия / Жан Кокто ; пер. с фр. – Санкт-Петербург : Азбука-классика, 2003. – 512 с.

23. Кувшинова, М. «Аза-Низи-Маза». Феллини и его фильмы / М. Кувшинова. – Москва: Другое кино, 2009.

24. Лепроон, Пьер. Современные французские кинорежиссеры [Электронный ресурс] / Пьер Лепроон; пер. с фр. Л. M. Завьяловой, M. К. Левиной и Б. Л. Перлина. – Режим доступа: http:// kinocenter.rsuh.ru/lib.htm.

25.  Маре, Ж. Непостижимый Жан Кокто / Жан Маре; пер. с фр. Е. Турышевой. – Москва : Текст, 2003. – 187 с. – (Коллекция).

26.  Память о смысле : Ингмар Бергман / сост. Л. Аркус, А. Плахов // Сеанс. – 1996. – № 13. – Специальный номер. – 206 с.: ил.

27.  Плахов, А. Микеланджело Антониони : Великий немой // Всего 33 : звезды крупным планом / Андрей Плахов. – Винница : Глобус-Пресс, 2002. – С. 99–108.

28.  Руднев, В. «Орфей» // Энциклопедический слов. культуры ХХ века : ключевые понятия и тексты / Вадим Руднев. – Москва : Аграф, 2003. – С. 302–305.

29.  Феллини о Феллини / Ф Феллини; пер. с итал.; послесл. Е. С. Громова; коммент. О. Б. Бобровой, Г. Д. Богемского. – Москва : Радуга, 1988. – 478 с.: ил.

30.  Феллини – клоун Божий // Киносценарии. – 1994. – № 1. – С. 3–33.

31.  Феллини, Ф. Клоуны: сценарий / пер. с итал. Г. Богемского // Киносценарии. – 1994. – № 1. – С. 24–33.

32.  Феллини, Ф. Амаркорд; И корабль плывет: киноповести / Ф. Феллини, Т. Гуэрра; пер. с итал. Г. Богемского, А. Миролюбовой. – Санкт-Петербург: Азбука-классика, 2003. – 288 с.

33.  Феллини, Ф. Я вспоминаю… / Ф. Феллини, Ш. Чандлер; пер. с итал. В Бернацкой, Н. Пальцева. – Москва: Вагриус, 2002. – 443 с.

34. Цыркун, Н. Раненый зверь. Пазолини и его фильмы / Н. Цыркун. – Москва: Другое кино, 2010.

 

 

Видеопрактика

 

1.  Отрывки из передач цикла «Легенды мирового кино» (Телеканал «Культура»): Жак Тати; Фернандель; Лукино Висконти; Джузеппе де Сантис; Витторио де Сика; Роберто Росселлини; Анна Маньяни; Массимо Джиротти; Сильвана Пампанини; Мария Казарес; Жан Кокто.

2. Фрагменты из х/ф: «Похитители велосипедов» (1948) / Витторио де Сика; «Самая красивая» (1951) / Л. Висконти; «Мама Рома» (1962) / П. П. Пазолини; «Золотая карета» (1952) / Ж. Ренуар; «Деньги» (1983) / Робер Брессон; «Дорога» (1954) / Ф. Феллини; «Восемь с половиной» (1963) / Ф. Феллини; «Сладкая жизнь» (1960)/ Ф. Феллини; «Седьмая печать» (1956) / И. Бергман; «Фанни и Александр» (1982) / И. Бергман; «Сарабанда» (2003) И. Бергман; «Ночь» (1960) / М. Антониони; «Орфей» (1949) / Жан Кокто.

3. Отрывок из передачи «Ф. Феллини – Рим» цикла «Гений места» (Телеканал «Культура», 2006) / П. Вайль.

4. Фрагменты из д/ф: «Анна Маньяни. Сыграть правду»; «Федерико Феллини: я великий лжец» (2002); «Роберто Росселлини» (2001); «Роберто Росселлини и Ингрид Бергман» (2006); «Ингмар Бергман снимает «Фанни и Александр» (1982); «Ингмар Бергман снимает «Сарабанду» (2003).

5. Отрывок из передачи цикла «Магия кино» (Телеканал «Культура», 2006): Лукино Висконти.

6. Отрывок из передачи цикла «Киножанры» (Телеканал «Культура», 2007): Фильмы о Второй мировой войне.

Дата: 2018-11-18, просмотров: 423.