ИЗ МЕТАЛЛА

Возникновение промысла. К художественным изделиям из металла относятся произведения декоративно-прикладного искусства, предназначенные для использования в быту и как украшения.

Наиболее древние металлические художественные изделия, найденные на территории СССР, датируются II—I тысячелетиями до н. э. Азербайджан — один из старейших центров древней культуры обработки металла. Археологические находки на территории Азербайджана свидетельствуют о распространении искусства обработки металла здесь её в Ш— II тысячелетии до н. э.

Ко II — I вв. до н. э. относится ювелирное искусство на территории Казахстана, о чем свидетельствуют фигурки животных из металла и Другие изделия, найденные при раскопках в районе Усть-Каменогорска и других местах. Много золотых и серебряных украшений найдено в Берккаринском. могильнике и в Каргалинском кладе. Литье, гравировка, чеканка и другие вещи художественной обработки металла в Армении уже достигли высокого уровня во II тысячелетии до н. э.

Мастера серебряного дела селения Кубачи (Дагестан) в VI в. пользовались большой известностью, а селение Гоцатль (Дагестан) было центром медночеканного дела еще 300—500 лет назад. В конце XVII— начале XVIII в. получили известность изделия с черневым узором, украшения с вставками из поделочного камня и цветного стекла аварских мастеров. Во второй половине XIX в. в Гоцатле и близлежащих селениях широко распространились глубокая, сильно прочеканенная гравировка и четкий черневой узор.

В русском декоративном искусстве художественная обработка металла всегда занимала видное место. Во времена Киевской Руси мастера владели многими способами художественного литья, техникой сканно-эмальерного дела, золотой наводки, приемами выполнения черневого узора.

Большого расцвета художественная обработка металла достигла в XIV—XVII вв. Но наиболее широкое распространение в России обработка металла получила в конце XVIII— начале XIX в.

С глубокой древности известен один из видов художественной обработки металла — художественное эмалирование. Возникло это искусство примерно в VIII—X вв. Летописи и сохранившиеся изделия говорят о существовании финифтяного производства на Руси в XII в. Техника цветных эмалей была заимствована из Византии, но русские мастера сумели придать искусству эмали национальные черты.

Со временем техника финифти видоизменялась и обогащалась. Вначале мастера использовали перегородчатую и выемчатую эмали, затем появляется техника, финифти по литью, гравировке и рельефу. Во время монголо-татарского нашествия техника перегородчатой эмали была утрачена. И в течение XIV—XV вв. финифть не играет важной роли в украшении предметов, а используется лишь как фон для металлических литых или чеканных изображений.

Возрождение промысла финифти относится к XVI в., а расцвет его — к XVII в. В этот период используются многообразные технические приемы и расцветки. В середине XVII в. техника финифти обогащается еще одним приемом.— росписью особыми огнестойкими красками.

Производство изделий с расписной финифтью организуется одновременно в Москве и Сольвычегодске в 40-х годах XVII в., а в начале XVIII в. к ним добавляются новые центры — Петербург и Ростов Великий.

Ростовская финифть - русский народный художественный промысел. Существует с XVIII в. в городе Ростов (ныне Ярославской области). Миниатюрные изображения выполняются прозрачными огнеупорными красками на медных изделиях, покрытых эмалями (образки, с середины XIX века. Ростовская финифть – промысел по изготовлению самих живописных эмалей, существующий с давних времен в Ростове (Ростов Великий – для туристов, просто Ростов – для географических карт). Финифть делали кустари, объединенные в мастерские, артели. Около середины XX века все производство было сведено в фабрику «Ростовская финифть», существующую и сейчас. Сегодня она лишилась монополии. Историю промысла описывают выставки двух музеев – музей фабрики «Ростовская финифть» и особая экспозиция («Музей финифти») в «Ростовском кремле».
Изначально финифть использовали для украшения церковной утвари и облачений священнослужителей. Москва, Сергиев Посад, Петербург – все это центры, где живописные эмали изготавливали еще до того, как появился ростовский промысел. В Ростове финифть началась в середине XVIII века, при митрополите Арсении (Мацеевиче). Здесь промыслу суждено было расцветать и все последующее время. Этот расцвет происходил даже тогда, когда Ростов перестал быть столицей огромной Ростовской митрополии (в конце XVIII века, когда центром Ростовской и Ярославской епархии стал Ярославль), а Ростов превратился в маленький уездный городок. Однако, потеряв права административного центра, Ростов сохранил статус столицы духовной. Этот статус был обеспечен древними ростовскими святынями. Поклониться святым мощам в этот город шли многочисленные паломники со всей России. И царствующие особы, и вельможи, и простолюдины молились у гробниц святых. Культ каждого из этих святых поддерживался не только обустройством мест их почитания в самих храмах или сочинением и распространением житий. Именно для паломников здесь изготавливали в больших количествах иконы этих святых. Изделия ростовского промысла распространялись по всей стране. Эмалевые образки оказались удачным вариантом паломнических сувениров. Самое главное – при сравнительно меньшей цене они выглядели более эффектно, имитируя яркостью красок, тонкостью живописи и сиянием эмали изделия из драгоценных металлов и самоцветов.

Центром производства финифти в Ростове стал Яковлевский монастырь и слобода при монастыре. Возможно, потому, что именно в этом монастыре как раз при митрополите Арсении стал официально признанным культ святителя Димитрия Ростовского. После открытия его мощей, цикла чудес от мощей, после того, как сама российская императрица Екатерина II приехала. И именно иконки Димитрия Ростовского стали обычным сувениром для всех, кто посещал обитель, которую со времени канонизации этого святого именуют Спасо-Яковлевской Димитриевской.

Мастера, работавшие здесь, получали заказы на финифтяные иконки не только из ростовских храмов, но и из многих российских монастырей и архиерейских домов. Промысел не умер даже тогда, когда функцию обеспечения паломников этими сувенирами у финифтяников отобрали механические производства – например, по изготовлению жестяных иконок. Конечно, такие образки были гораздо более дешевыми, машина работала быстрее и эффективнее, чем человеческие руки. А спрос рос – паломников, в силу развития транспорта и роста народонаселения, становилось все больше. Но к этому времени Ростов вырастил уже людей, которые способны были осознать ценность древнего промысла как культурного явления. Вот такие люди – А.А. Титов и И.А. Шляков – и музей здесь основали в 1883 году, и создали при музее ремесленный класс живописи, резьбы по дереву и позолоты. Все желающие могли обучаться здесь названным ремеслам. В этом классе, затем школе, затем – учебно-производственной мастерской финифтяной живописи шли поиски новых возможностей для старинного промысла. Ученики не только приобретали традиционные навыки подготовки сырья и собственно живописи, обжига, но еще и изучали рисунок, композицию, историю искусств. С ними работали столичные художники-профессионалы.

Финифтью украшали изделия бытового назначения (тарелки, блюда, ножи) и церковную утварь. Тематика изделий была церковной. К началу XIX века на финифтяных изделиях появляется светский портрет. Значительных размеров финифтяное производство достигло в XIX века в Ростове Великом. В середине и второй половине XIX века на ростовскую финифть заметное влияние оказывает академизм. К концу XIX века в связи с общей капитализацией промыслов угасают и промыслы росписи по эмали. Восстановление искусства художественного эмалирования начинается после Великой Октябрьской социалистической революции.

К Октябрьской революции 1917 г. промысел уже был готов ответить на агрессивный заказ новой власти – и потому не погиб, не ушел в подполье, как, скажем, традиционная иконопись. В советское время промысел выпускал эмалевые портреты, женские украшения, шкатулки – именно этот ассортимент более всего востребован. Эта готовность отвечать запросам времени помогла промыслу выжить и позднее, когда условия опять изменились. В нынешнее время ростовские эмальеры, продолжая усвоенные в советское время традиции, вновь обратились к религиозной тематике.

Промысел чернение серебра и позолота возник в X веке в Чернигове и получил дальнейшее развитие в XVI — XVII вв. Черневая миниатюра широко распространилась в XVIII в. в местных художественных центрах Севера и Сибири. Мастера заимствовали технику черневых узоров из книг и гравюр, вносили элементы народного искусства.

Особенно большую известность получило черневое искусство во второй половине XVIII веке, когда оно сосредоточилось в Великом Устюге Вологодской области. В это время здесь сложился свой стиль оформления серебряных изделий чернью. Для великоустюжских изделий XVIII в.ека характерна очень темная черневая гравюра на слегка углубленном золотом канфаренном фоне.

Великий Устюг.

Черневое искусство Великого Устюга оказало большое влияние на развитие серебряного дела в Тобольске. Конец XVIII и первая половина XIX веков характеризуются постепенным сокращением производства серебрянных черневых изделий.

Филигрань - один из традиционных видов художественной обработки металла. Эта техника, зародившаяся в глубокой древности, почти не изменилась и в настоящее время. Скрученный из двух или нескольких серебряных, золотых или медных проволочек жгутик называется сканью, или филигранью. Гладкая проволока протягивается через ряд отверстий в стальной пластинке, укрепленной в тисках или на волочильном станке. Пропущенная через вальцы проволока становится плоской, в виде ленточки. Предварительный рисунок выполняется на бумаге, по нему выкладывается и приклеивается контур будущего узора. Затем собранные таким образом детали посыпаются припоем (измельченным сплавом серебра или золота с цветными металлами) и под действием огня спаиваются в ажурный узор. В зависимости от замысла ажурный узор может напаиваться на металл, может приобрести рельефную форму. Скань дополняется зернью — мелкими металлическими шариками, которые вносят пластическую игру, обогащают изделие. Эта техника дает бесконечно разнообразные вариации сочетания скани с зернью, построения растительных и геометрических орнаментов, соединения с гладким металлом и камнями.

В Киевской Руси техника скани стала использоваться с IX-X веков. Тогда витую проволоку для производства ещё не использовали, а применялись зерни. Изделия XII-XIII веков отличаются высоким качеством, в то время чаще стали использовать технологию напайной, а с XIII века — ажурной и рельефной скани, в производстве стали использоваться камни. Скань (от др.-рус. скать — свивать), филигрань — вид ювелирной техники: ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной или медной проволоки, гладкой или свитой в верёвочки. Изделия из скани часто дополняются зернью (маленькие серебряные или золотые шарики) и эмалью.

На XV-XVI века приходится расцвет московской скани. Использовались разнообразные материалы: драгоценные камни, эмаль, дерево, резная кость. Самыми известными сканщиками в то время были Амвросий и Иван Фомин.

В XVIII-XIX веках изделия со сканью производились во многих художественных центрах России. Создавались как большие произведения искусства, так и небольшие изделия (вазочки, солонки, шкатулки). В производстве стали применять хрусталь и перламутр. С XIX века налажено промышленное производство в значительных масштабах с применением различных технологий. На фабриках производили посуду, церковную утварь, туалетные принадлежности.

В годы советской власти скань широко применялась в художественной промышленности изделия Красносельского ювелирного завода в Костромской области, Мстёрской художественной фабрики «Ювелир».

С 1937 года во Владимирской области. Наряду с ювелирными украшениями изготавливались предметы быта: ажурные филигранные вазочки, подстаканники, миниатюрная скульптура и пр.

Художественная обработка металла — один из наиболее древних промыслов в Древней Руси. Кузнечное дело, имеющее первоначально утилитарный характер, переросло в декоративно-художественный промысел. Изготовление украшений из металла достигло в XVII веке подлинного расцвета. Фибулы и броши, служившие застежками для одежды, дополнялись ожерельями и нагрудными цепями, руки украшались перстнями и браслетами.

В конце XVIII века на Урале в Каслинском районе зародился промысел художественного литья из чугуна. Каслинские мастера отливали поразительные по изяществу творения прикладной и художественной скульптуры, начиная с Узорчатых канделябров, кружевных блюд, миниатюрных копий коней скульптора Клодта, тех, что украшает Аничков мост в Санкт-Петербурге, и кончая ювелирными поделками, которые обычно выполняли из золота, платины, серебра. Они пользовались большим спросом на мировом рынке. В Париже литой чугунный каслинский портсигар имел ту же цену, что равный ему по массе серебряный.

В начале XIX века на Урале (на бывшем Косотурском заводе) зарождается искусство украшения боевого оружия. В те времена клинки украшали не гравировкой, а главным образом рисовкой кистью с последующей вытравкой фона. Художники умело сочетали блестящую и матовую позолоту и синь с полированной сталью клинка создавая незаурядные художественные произведения. Тематикой узоров были изображения воинов, сцены быта, охоты, виды Урала. Во второй половине прошлого столетия в Златоусте началось изготовление бытовых вещей: гравюр, изображающих уральскую природу, кубков, письменных приборов, портсигаров, подносов и различных сувениров.

К концу XIX в. основной техникой златоустовских изделий становится насечка золотой и серебряной нитью по синему фону. В это время златоустовская гравюра на металле достигает наивысшего расцвета.

Необходимо добавить, что с XVI века были известны промыслы по художественной обработке металла в Павлово-на-Оке. В начале XIX в. Павлово становится крупным центром металлообрабатывающей промышленности. Искусно украшенные гравировкой ружья, ножи, пистолеты и другие изделия (ножницы, замки) были известны не только у нас в стране, но и за рубежом.

С 40-х годов XIX века декоративно-прикладное искусство переживает период упадка. Для него характерно механическое соединение форм и орнаментов. Нового расцвета творчество художественной обработки металла достигло после Великой Октябрьской социалистической революции. Советская власть объединила артели в заводы, фабрики, возродила многие художественные промыслы, дала им материальную поддержку. Были механизированы некоторые процессы, разработаны на основе старых традиций новые способы украшения изделий. Предприятия стали принимать активное участие в различных выставках, в том числе международных.

ЛЕКЦИЯ12. ТРАДИЦИИ ОТЕЧЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ В ДЕКОРАТИВНО_ПРИКЛАДНОМ ИСКУССТВЕ ( XVII век), в XVII веке ВОЗНИКАЕТ ХОХЛОМСКАЯ РОСПИСЬ

По данным археологических раскопок в Заволжье, ещё с давних времён занимались изготовлением деревянной посуды. Дерево было самым удобным и доступным материалом для создания предметов быта. Из древесных стволов выдалбливали проворные челноки – «ботнички», вырезали фигурные ковши, украшая их ручки резными силуэтами коней, вытачивали разнообразные формы посуды. Всем, кто селился в этих местах, приходилось заниматься ремеслами. Земли здесь были неплодородными, урожая до весны не хватало. Только лесные богатства да проворные руки спасали от голода и нужды. Близость великого волжского пути способствовала тому, что деревянную посуду здесь рано стали изготовлять для продажи. Однако первые посудные промыслы Заволжья еще ничем не отличались от множества таких же производств, развивавшихся на территории нашей страны. Как и в других районах, местные мастера покрывали изделия льняным маслом или приготовленной из него олифой, что придавало прочность деревянной посуде, она становилась и более красивой. Такой способ лакировки поверхности дерева существует и сейчас. Еще недавно его применяли при производстве самых дешевых чашек и солониц, служивших предметами повседневного хозяйственного обихода.

Рассмотрим, когда же возник художественный промысел золотой Хохломы? Точного и определенного ответа нет. Вероятно, мастера Заволжья начали расписывать посуду задолго до того, как освоили технику «золотой» окраски. Еще в XIX веке наряду с «золоченой» деревянной посудой здесь изготовляли и дешевые чашки и солонки, поверхность которых украшалась только простейшими геометрическими узорами - розетками, ромбиками, спиралевидными завитками и волнистыми линиями, наносимыми штампиком или кистью.

Знакомство с сохранившимися в музеях деревянными сосудами XV, XVI и XVII веков, изготовлявшимися при монастырях, указывает на то, что среди них нет изделий, поверхность которых была бы окрашена в золотистый цвет приемами, близкими Хохломе. Они похожи на хохломские лишь по форме, киноварному фону, а иногда и по украшающим их золотым пояскам, но пояски эти нанесены порошком творёного золота, который не применяли в Хохломе. 1. Какие приёмы используются в хохломской росписи.Самые близкие хохломской росписи приемы встречаются у иконописцев. Мастера Древней Руси умели экономить дорогостоящий металл. Чтобы окрасить фон иконы в золотистый цвет, они использовали иногда не золото, а порошок серебра. После выполнения живописи икону покрывали лаком, приготовленным из льняного масла, и подвергали прогреванию в печи. Под влиянием высокой температуры пленка лака приобретала золотистый оттенок, а серебряный порошок, просвечивающий сквозь нее, делался похожим на золото. Особенно широкое распространение этот прием получил в XVII - XVIII веках, когда убранство русских храмов становится особенно богатым и пышным. В них создаются высокие золоченые иконостасы с большими иконами. В золотистый цвет окрашиваются киоты и церковная мебель. Приемы письма серебром вместо золота в это время стали известны широкому кругу русских иконописцев.

Есть предположение, что хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Безлели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. В настоящее время родиной хохломы считается поселок Ковернино в Нижегородской области. Крестьяне вытачивали, расписывали деревянную посуду и везли её для продажи в крупное торговое село Хохлома (Нижегородской губернии), где был торг. Отсюда и пошло название «хохломская роспись», или просто «хохлома».

Наиболее вероятно, временем возникновения искусства хохломской росписи была вторая половина XVII и начало XVIII века, когда глухие керженские леса стали местом поселения старообрядцев, спасавшихся от преследования царского правительства и церковных властей. После церковных реформ здесь искали убежища противники патриарха Никона, вынужденные покинуть Москву и крупнейшие русские города.
Существует и легендарное объяснение появления хохломской росписи. Был замечательный иконописец Андрей Лоскут. Бежал он из столицы, недовольный церковными нововведениями патриарха Никона, и стал в глуши приволжских лесов расписывать деревянные поделки, да писать иконы по старому образцу. Прознал про это патриарх Никон и отправил за непокорным иконописцем солдат. Отказался подчиниться Андрей, сжёг себя в избе, а перед смертью завещал людям сохранить его мастерство. Искрами изошёл, рассыпался Андрей. С той поры и горят алым пламенем, искрятся золотыми самородками яркие краски хохломы.

Таким образом, хохломская роспись по дереву - это русский народный художественный промысел, который возник во второй половине XVII века на территории современного Ковернинского района Горьковской области. Название промыслу дало торговое село Хохлома той же области, ставшее центром сбыта изделий хохломской росписи в XVIII - начале XX веков. Для хохломской росписи характерна оригинальная техника окраски дерева в золотистый цвет без применения золота. Выточенные из дерева предметы (преимущественно посуда) грунтовались раствором глины, сырым льняным маслом и порошком олова (в современных изделиях - алюминия), по слою которого выполнялся растительный узор в свободной кистевой манере письма, затем покрывались лаком из льняного масла (ныне - синтетическим) и закалялись при высокой температуре в печи. Для колорита хохломской росписи типично сочетание красного и чёрного цвета с золотистым. Распространены типы росписи – «верховая» (красным и чёрным на золотистом фоне) и «под фон» (золотистый силуэтный рисунок на цветном фоне).

Угасавший в начале XX века промысел в современное время возродился; в 20-х - начале 30-х гг. мастера объединились в артели. В 1960-х гг. созданы фабрика «Хохломской художник» на родине промысла и производственное объединение «Хохломская роспись» в г. Семёнове, ставшие центрами этого художественного промысла. Они выпускают посуду, ложки, мебель, сувениры и пр.

В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и село Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломской художник», объединяющее мастеров деревень Ковернинского района: Сёмино, Кулигино, Новопокровское . Сама фабрика находится в селе Сёмино, а в других деревнях - филиалы.

 Хохломская роспись. Набор для кваса.

Хохломская роспись (Хохлома) - это самобытный русский народный промысел, существующий более трехсот лет, уникальное явление не только в масштабах России, но и в мировом искусстве

Благодаря иконописцам из старообрядческой среды, владевшим древним приемом «вызолачивания» изделий, здесь распространился своеобразный способ превращения простых деревянных мисок в «золотые» без использования драгоценного металла. Традиционная техника, усовершенствованная в наше время, основана на простом принципе. После завершающего этапа отделки изделия – «закалки» - под влиянием высокой температуры покрывающая его лаковая пленка приобретает медовый цвет. Сочетание ее с просвечивающимся металлизированным слоем дает золотистый эффект. Хохломские изделия привлекают не только красотой орнамента. Их ценят за прочное лаковое покрытие, благодаря которому ими пользуются в повседневной жизни. В хохломском блюде можно подать окрошку к столу, в чашку налить горячий чай - и ничего не сделается с деревянным изделием: не потрескается лак, не поблекнут краски. Не случайно во все времена существования поволжского промысла мастера, владеющие "хитростями" изготовления этой «волшебной посуды», попадая по воле судьбы в другие места, основывали там новые центры ее производства.

И в наше время технология отделки хохломских изделий продолжает привлекать многих мастеров декоративно-прикладного искусства. Продолжатели дела безвестных русских мастеров поволжского промысла - наши современники совершенствуют технологию отделки и подготовки хохломских изделий, отбирают наиболее пригодные для термической обработки материалы. Они создали неповторимое искусство кистевой росписи на объемной токарной форме, разработали своеобразные, лаконичные и вместе с тем очень эффектные приемы письма.

 Хохлома. Ложка полубаская (столовая).

Ассортимент хохломских изделий сформировался давно. В его основе лежат резные ложкарные изделия и токарная посуда: чашки, миски, поставцы, бочата, солоницы, ложки. В последние десятилетия были созданы новые формы бытовых вещей: комплекты посудных изделий для компота, ухи, салата, ягод, блинов и меда, наборы для кухни -поставки с полками, а также крупные декоративные изделия для украшения жилища - декоративные блюда, панно. В отделке хохломских изделий народные мастера используют несколько вариантов. Все они отличаются температурными режимами, продолжительностью сушки и закалки, тонкостями выполнения приемов. На примере одной из разновидностей отделки видны операции, через которые проходит каждая вещь. Изготавливают хохломские изделия из древесины местных лиственных пород - липы, осины, березы. Из просушенного дерева - тонкомерных «стульчиков», распиленных на толстые плахи «кряжей», вытесывают болванки и «чураки». В токарном цехе массивная заготовка превращается в задуманное изделие, «чурак» как бы тает под резцом мастера, все лишнее отлетает с легкой белой лентой стружки. Выточенное изделие еще раз сушат, и только потом оно попадает к отделочникам, подготавливающим его к росписи. Иногда одно изделие до трех десятков раз проходит через руки мастера-отделочника.

Полуфабрикат сушат при температуре 22 - 28 градусов в течение 3-20 дней, в зависимости от размера изделия. Когда влажность древесины достигнет 6-8 процентов, сушка закончится. Если влажность окажется больше, изделие может получиться недоброкачественным: с пузырьками - разрывами лаковой поверхности.

Просушенные изделия шпаклюют. Делают это либо по старинке вапом, либо специальными шпатлевками. Вап - мелкозернистая отмученная глина, разводимая до густоты очень мутной воды. В раствор добавляют 25-50 процентов мела. Проще применять шпатлевку из жидкого мучного клейстера. В приготовленный раствор макают кусок шерстяной ткани и обмазывают им изделие. После просушки операцию повторяют еще раз. Окончательная сушка длится шесть - восемь часов. Грунтуют изделие льняным маслом, которое наносят полотняной тканью. После этого ему дают вылежаться 40-50 минут и только потом обтирают лоскутом, снимая излишки масла. После грунтовки изделие на четыре-шесть часов помещают в сушильный шкаф, где температуру поддерживают на уровне 40-50 градусов. Для сушки изделий по хохломской технологии необходим шкаф, в котором можно регулировать температуру в пределах 30-120 градусов. Высушенные заготовки охлаждают до комнатной температуры и слегка шлифуют.

Следующий ответственный процесс - покрытие изделия олифой. Для этого берут натуральную, сваренную из льняного или конопляного масла олифу. Ее равномерно размазывают на руках и слегка потирают ими изделие так, как будто моют его. После сушки в течение двух-трех часов при температуре 22- 25 градусов, когда олифа уже не пристает к рукам, но пленка еще не полностью высохла, изделие олифят второй раз, нанося уже слой потолще. Если древесина впитывает много олифы, как, например, осина, то весь процесс повторяют еще раз, если мало, достаточно проолифить изделие два раза. Как только поверхность изделия приобретет ровный блеск, его можно лудить, то есть покрывать алюминиевым порошком.

Для нанесения полуды применяют с модельные приспособления - куколки, представляющие собой тампон, к рабочей части которого пришит кусок натурального меха (лучше овчины) с коротко подстриженным ворсом. После полудки изделие приобретает ровный металлический блеск. В таком виде оно и поступает на роспись. К краскам, используемым для росписи хохломских изделий, предъявляют повышенные требования, так как многие из них в процессе сушки и закалки могут выгорать от высокой температуры. Мастера берут термостойкие минеральные краски - охру, сурик, а также киноварь и кармин, сажу, хромовую зелень. Разбавляют их очищенным скипидаром.

Хохломской поднос.

Для нанесения полуды применяют с модельные приспособления - куколки, представляющие собой тампон, к рабочей части которого пришит кусок натурального меха (лучше овчины) с коротко подстриженным ворсом. После полудки изделие приобретает ровный металлический блеск. В таком виде оно и поступает на роспись. К краскам, используемым для росписи хохломских изделий, предъявляют повышенные требования, так как многие из них в процессе сушки и закалки могут выгорать от высокой температуры. Мастера берут термостойкие минеральные краски - охру, сурик, а также киноварь и кармин, сажу, хромовую зелень. Разбавляют их очищенным скипидаром.

В красильных цехах работают преимущественно женщины. Художницы сидят за невысокими столами, на низеньких табуретах. При такой посадке колено является опорой расписываемому предмету. Для хохломских мастериц характерна работа на весу: небольшую токарную вещь, опирая о колено, придерживают левой рукой, а правой наносят орнамент на ее округлую поверхность.Такой способ держания расписываемого предмета позволяет легко поворачивать его в какую угодно сторону с любым наклоном. На столе удобно располагают кисти, краски, палитру и находящиеся в работе вещи. Для нанесения простого орнамента применяют штампики, которые вырезают из шляпного войлока, гриба-дождевика и других материалов, хорошо удерживающих краску и позволяющих отпечатать рисунок на изделии. При выполнении мотивов «ягодка», «цветок» часто используют круглые тычки из свернутой капроновой ткани.

Хохломские мастера владеют особым приемом держания кисти, при котором в процессе письма участвуют не только пальцы, но и вся рука, благодаря чему можно проводить одним слитным, неразрывным движением длинные пластичные мазки и серии штрихов на сферических или цилиндрических поверхностях.

Кисть, положенная на фаланги указательного и среднего пальцев, прижимается к ним подушечкой большого пальца, что позволяет чуть-чуть вращать ее во время письма. Выполняя роспись, иногда слегка опираются на мизинец, прикасаясь им к изделию. Тонкую, с волосяным кончиком кисть ставят почти вертикально к поверхности предмета. Ее обычно ведут к себе, немного вращая в ту сторону, куда изгибается мазок.

Хохломской росписи свойственны два типа письма и тесно связанные с ними класса орнамента – «верховой» и «фоновый». «Верховая» роспись наносится пластичными штрихами на металлизированную поверхность, образуя свободный ажурный рисунок. Классическим примером верхового письма является «травка», или «травная роспись» с красными и черными кустиками, стебельками, создающими своеобразный графический рисунок на золотом фоне.

Другая разновидность верхового письма – «под листок». В ней широко применяются более крупные растительные формы - округлые листики, ягодки, располагаемые симметрично у стебля. Для «фоновой» росписи характерно применение фона - черного или цветного, тогда как сам рисунок остается золотым. До заполнения фона на расписываемую поверхность предварительно наносят контуры мотивов. Формы больших мотивов моделируют штриховкой. Часто по окрашенному фону пишут мелкий травный узор – «приписку». Более сложным типом фонового письма является «кудрина», названная, так за изобилие круглых завитков, которые создают сказочные формы растений, цветов и птиц. После росписи изделие поступает в окончательную отделку, во время которой его натирают олифой, дважды покрывают лаком и ставят на несколько часов в печь для закалки, где температура достигает 150 градусов. В настоящее время хохломская роспись получила большое распространение. Широко известны два ее крупных центра - Сёминская фабрика художественных изделий «Хохломской художник» и Семеновское ордена «Знак Почета» производственное объединение «Хохломская роспись», находящиеся в Нижегородской области.

Сёминские мастера, продолжатели традиций коренной хохломы, тонко чувствуют красоту луговых трав, лесных ягод. Они расписывают преимущественно традиционную, старинной формы посуду. Семёновские мастера, горожане, чаще применяют в росписи богатые формы садовых цветов, предпочитая технику росписи «под фон». Они любят точный контурный рисунок и широко используют разнообразные штриховки для моделирования мотивов. Но наряду с основными центрами хохломской росписи возникло много новых производств, выпускающих изделия «под золото».                                      

Изделия отличаются большим разнообразием. Простые формы деревянной посуды - мисок, чашек и бочат, поставков и кандеек - восходят к традиционной русской утвари. Красивые по пропорциям, крепкие и устойчивые, они создают в доме атмосферу уюта и праздничности. Сельские мастера не склонны к поискам новаторских, эффектных решений, предпочитая набор привычных предметов, оптимальные размеры и пропорции которых стали классическими. Такую отобранную столетней традицией токарного ремесла и уже обладающую высокими художественными достоинствами посуду мастерицы расписывают растительными узорами. Живописцы великолепно владеют всеми видами хохломской росписи, они знают и любят золотые узоры кудрины, древнее травное письмо с раскидистыми черными и алыми стеблями, нанесенными каллиграфически точными мазками. Однако в своей работе мастера отдают предпочтение росписи с чернолаковым фоном и чаще пишут знакомые и столь близкие сельскому жителю изображения садовых и луговых цветов, плодов и листьев. Художницы соединяют в одном произведении красоту весеннего цветения природы и ее осенней щедрости, в поэтических образах воплощая мечту земледельца о богатом урожае, благодаря чему расписываемые ими предметы становятся своеобразными символами пожелания благополучия. Столь любимый мастерицами черный фон помогает им достигать большей звучности цветовой гаммы росписи, и растительный узор четче выделяется на нем.