Обучая детей музыке в общеобразовательной школе, мы привыкли ставить групповое музыцирование превыше индивидуального, забывая, что каждый из нас – прежде всего соло. Исторически сложилось, что пение в хоре и игра в бэнде и оркестре – самые дешевые и доступные виды музыкального образования. Но это еще не значит, что подобное образование по-настоящему продуктивно.

На сегодняшний день использование электронных фортепиано в групповых классах музыки значительно более эффективно в обучении мызыкальному языку, чем пение в хоре или игра на одноголосном инструменте в оркестре. Они способны обучить детей музыкальному языку и позволяют проводить групповые занятия индивидуализировано. Каждый ученик должен развиваться в меру собственных способностей и усердия и его прогресс не должен сдерживаться коллективным прогрессом. Я не видела еще ни одного преподавателя языка, который бы на полном серьезе мог утверждать, что обучение детей чтению и письму должно происходить исключительно путем школьных театральных постановок. Скорее всего наоборот: способность детей читать и писать помогает им прочитывать музыкальные пьесы, а потом их разыгрывать коллективно.

Личное умение сыграть музыкальное упражнение, прочитать по нотам музыкальное произведение или скажем подобрать к мелодии гармонию значительно более важно, чем участие в коллективном исполнении. Потому что даже самые скромные личные достижения в прочтении музыкального языка остаются багажом человека на всю его жизнь и будут способствовать его дальнейшемук музыкальному образованию.

Игра в коллективе – это скорее венец индивидуальной работы, способность подтвердить собственные личные успехи в умении владеть музыкальным материалом и слышать других, играя в ансамбле. Однако первичным должно быть в первую очередь индивидуальное развитие. Использование коллективных видов музицирования в качестве обучающего вида работы малоэффективно: оно тормозит развитие детей с прекрасными природными музыкальными данными и ничему не способно выучить тех, кто нуждается в развитии этих способностей. Коллективное музицирование должно быть следствием индивидуального развития, а не его причиной. Причиной оно по своей природе являться не может, ибо требует от учащихся базовых навыков владения инструментом и чтения нот, которые они должны развить индивидуально.

Возможность регулирования громкости звука электронного музыкального инструмента, а также использование наушников делает индивидуальное развитие детей в групповых классах музыки вполне доступным и приемлимым. Никогда раньше музыкальная педагогика не имела такой великолепной возможности учить группу детей навыкам чтения и игры на фортепиано и пения с листа. Возможность же использования соединения музыкального инструмента с компьютером способно вознести эффективность индивидуального обучения музыке и шлифования навыков на невиданный до сих пор уровень эффективности.

Фортепиано как основа музыкального образования человека.

Базовым инструментом в обучении детей музыке как языку должно являться электронное фотепиано или киборд. Это – идеальный тренажер для развития навыков и слуха и чувства ритма, потому что фортепиано является и музыкальным и ударным инструментом одновременно. Ударяя по клавишам инструмента и извлекая звуки точной высоты, учащийся получает информацию и о мелодии, и о гармонии и о ритмической организации. Обучая пальцы «петь» легато, ребенок осваивает тонкости развития и слуха, и голоса, и мелкой моторики.

Фортепиано это самый доступный многоголосный инструмент, извлечение звуков из него не требует от учащихся особых физических усилий. Он способен развивать и мелодический и гармонический слух, то есть например на нем можно играть мелодию и аккомпанемент к ней. У этого инструмента есть много тембров и метро-ритмических возможностей. Играя на нем, ребенок может одновременно и развивать голос и совершенствовать чистоту интонации. Этот инструмент недорог и доступен. При грамотном подходе только киборд – электронное фортепиано может стать точкой опоры для публичного музыкального образования детей.

Я могу услышать много возмущенных голосов – приверженцев скрипок и аккордеонов, флейт и арф о том, что фортепиано совсем не является таким уж идеальныи инструментом для развития слуха человека. Возможно, другие инструменты гораздо «певучее» и совершеннее в передаче тонкостей ладовых соотношений, но мы говорим об обучательной миссии фортепиано на начальном этапе развития и тут у этого инструмента нет равных. Причем под словом «фортепиано» я подразумеваю прежде всего новое поколение этих инструментов – электронные фортепиано и киборды.

Если бы Моцарт увидел киборд…

Многие пианисты «классической» школы пренебрежительно относятся к электронным инструментам. Они считают, что учиться играть можно или на хорошем акустическом пианино – или не нужно вообще. Ну надо заметить, что широкая публика больше склоняется ко второму варианту: не смотря на большую доступность и относительную недороговизну клавишных инструментов, мало кто умеет на них играть. Правда, и те, у кого в домах стоят дорогие рояли, тоже частенько используют их для собирания домашней пыли – не больше.

Тем не менее, современные электронные инструменты отличаются довольно приятным качеством звука, который не очень—то и уступает акустическому инструменту. А если принять во внимание, что рядовые пользователи не спешат настраивать собственные акустические инструменты раз в полгода, как предписывает инструкция, то порой электронный инструмент звучит гораздо чище ненастроенного акустического. Покупайте себе такой инструмент, который вам по карману. Пусть это будет пятиоктавный киборд по цене до 100 долларов. Главное, чтобы в вашем доме, а также в вашей общеобразовательной школе появилась душа музыки – инструмент, который станет вашим учителем и учителем ваших детей.

Часто приходится слышать мнение, что игра на киборде способна испортить «постановку рук». Это неправда. Если вы научились играть на киборде и развили координацию пальцев так, что свободно владеете собственными руками, переход к фортепиано будет совершенно безболезненным и освоение более «тугого» прикосновения к клавишам пройдет почти незаметно. Если уж на то пошло, маленький Моцарт учился играть на клавесине – а этот инструмент имеет такое же «легкое» прикосновение, как и киборд. Не думаю, что даже если бы в доме его отца Леопольда стоял рояль фирмы Стайнвей, он стал бы сажать щупленького мальчика со слабым здоровьем и тоненькими пальчиками играть на нем в трехлетнем возрасте. Музыкальная техника человека вначале должна развиваться «вширь» и быть направлена на освоение «территории инструмента» и собственной координации, и только потом, когда координация рук и пальцев становятся точкой опоры, играющий может сесть за любой инструмент и приступить к совершенствованию глубины нажатия клавиши и шлифованию качества звука.

Современные электронные инструменты – это клад для обучения музыке. Они содержат столько возможностей, что позволяют превратить портативный инструмент в оркестр. Это – своеобразные «книжки с картинками» – незаменимые соратники и друзья в начале долгого и увлекательного пути познания музыки. И только тогда, когда вы достигнете успехов и поймете, что переросли «детские книжки», можно будет приступать к освоению более серьезного инструмента – акустического фортепиано или любого другого музыкального инструмента. Уверена, что купив акустический рояль будучи более зрелым музыкантом, вы не оставите этот инструмент коллекционировать пыль в вашей гостинной.

Общее музыкальное образование – путь спасения музыкального языка и музыкального искусства.

Чем больше человек знает и умеет в какой то оболасти, тем большей является его тяга к совершенствованию собственных знаний. Только безграмотный думает, что он знает все. Если сделать умение читать нотную грамоту массовой и научить каждого ребенка владеть клавишами фортепиано в качестве базового навыка, в классы преподавателей инструменталистов ( и далеко не только фортепианных) придет значительно больше желающих шлифовать свое исполнительское мастерство, чем это было за всю историю музыкального образования. Любая область человеческой деятельности – это пирамида. Чем шире ее основание – охват публики – тем выше и острее вершина – элитарная ее часть, состоящая из талантов и гениев в этой области, шлифующих свое мастерство и развивающих этот вид деятельности до невидангных высот. Всеобщая музыкальная грамотность – это единственный способ процветания и развития музыкального искусства. Поэтому учитель музыки, музыкант –исполнитель, композитор, музыкальный издатель или дирижер не только не должны бояться ее, но и всячески ей способствовать.

Мы должны сделать все, что в наших силах, чтобы остановить широкораспространяемую музыкальную безграмотность и прекратить уроки О музыке в школах как можно скорее, если мы хотим выжить в современном мире и если хотим, чтобы процветало музыкальное искусство. Спасение музыки уже не зависит от нашего персонального мастерства игры на музыкальных инструментах, от наших новых музыкальных шедевров или интересных статей о музыке. Спасение музыки находится в классах общеобразовательных школ – там, где сидят наши будущие исполнители, ценители и слушатели, а также будущие президенты и сенаторы – люди, от решения которых будет зависеть судьба музыкального образования в общеобразовательных школах.

Каждый год, который дети теряют в освоении музыкального языка, толкает музыкальное искусство все ближе и ближе к пропасти. Только научившись играть самому даже самые простенькие пьесы, человек сможет по-настоящему понять и оценить творчество других людей, а также неоценимую значимость музыкального образования.

Фундаментальные проблемы музыкальной педагогики

Музыкальная письменность как стимул развития музыкального искусства и … технического прогресса?

Позвольте мне высказать очень смелую мысль, которая одолевает меня уже много лет. Этой мысли трудно отказать в логике, хотя прямых доказательств ее неоспоримости у меня нет: развитие музыкального мышления тесно взаимосвязано с уровнем общего творческого развития человечества. Не случайно, вслед за мощным всплеском музыкального творчества 18 – 19 веков последовала техническая революция 20-го.. Музыкальная грамотность влияла на развитие музыкальной мысли – музыкальная мысль подталкивала к научному и инженерному мышлению на совершенно новом уровне. Способность музыкально мыслить и удерживать в памяти сложные музыкальные идеи способствовала развитию мысли технической. Язык общения и музыкальный язык развивались одновременно, отражая уровень интеллигентности поколения. Они были, как… два острых ножа, которые, высекая искры, точили друг друга. Одно влияло на другое, создавая довольно гармоничный баланс в восприятии логики и чувства, времени и пространства, конкретного и образного.

С первого взгляда трудно определить: музыка ли создала особый творческий тип мышления человека или творческий тип мышления создал музыку. Однако, если вдуматься, то вначале был громадный расцвет музыкального искусства (бароко, классицизм, романтизм, модернизм ), а потом последовала техническая революция. Техническая революция продолжается до сегодняшнего дня – музыкальное искусство находится в глубокой депрессии. Следовательно, вполне логичным может оказаться следующий этап, когда человеческая мысль, больше не подкрепляемая музыкальным прогрессом, начнет угасать. Один нож долго не сможет сохранять свою «наточенность»без другого. Ни одна машина, какой бы умной она не казалась, ни один робот не способны к творческой мысли и неординарному мышлению настолько, чтобы навсегда заменить интеллект человека! Но человек, лишенный творческой мысли обречен на деградацию.

К развитой и богатой нюансами музыкальной речи люди пришли не сразу. Первые музыкальные произведения появились задолго до музыкальной письменности и отличались простотой и незамысловатостью. Людям не оставалось ничего лучшего, как запоминать собственные музыкальные композиции и передавать их из поколения в поколение из уст в уста. Но, как известно, человеческая память не всегда достаточно надежное средство для передачи информации, хоть до нас дошли истории о ее подвигах в прошлом(«Иллиада» Гомера, например, считалась обязательной книгой школьной программы в Древней Греции, которую обязан был знать наизусть любой образованный школьник). Но если людям удавалось из поколения в поколение из уст в уста передавать целые философские трактаты и просторные книги, то история не сохранила ни одной устно переданной с точностью до звука музыкальной саги или на худой конец музыкальной партитуры к греческой трагедии. До изобретения музыкальной письменности история сохранила нам только небольшие и достаточно запоминающиеся музыкальные композиции, ограниченные по протяженности и простые по содержанию.

Вспомните, к примеру,  «Щедрик» - Carol of the Bells - эта мелодия дошла до нас из глубины веков. Попевка из трех звуков, повторяющаяся многократно, потому и сохранилась в течение нескольких столетий в селах Украины, что не представляла никакой сложности для запоминания и повторения одним поколением за другим. Для того, чтобы музыкальные произведения перестали ускользать как песок сквозь пальцы памяти поколений, на протяжении многих веков человечество лихорадочно искало способы музыкальной записи. Оно придумывало всякие знаки, крючки, символы. Идея записывать звуки музыки буквами принадлежит древним грекам и долгое время считалась одной из самых удачных в нотописи. Но все эти записи были очень несовершенны. Они передавали общее направление мелодии, но не способны были отразить ни конкретной высоты звуков, ни ладовых их соотношений,ни их длительностей...

Когда в 10 веке итальянский монах Гвидо Аретинский придумал нотный стан, поместил на него уже существовавшие «невмы» - знаки для обозначения звуков - и придумал длительности, в музыкальном языке произошла настоящая революция. Не будь этого гениального изобретения, не было бы впоследствии ни симфоний, ни сонат, ни опер, ни балетов. Так устроено наше сознание, что с появлением письменности, мысль стремительно начинает развиваться и переходить на более высокие и сложные уровни. Память – ненадежное средство для прогресса мышления. Записав идею, человек может ее увидеть «со стороны», обдумать, дополнить новой информацией, развить, передать другим для анализа и рассуждений.

Письменность – это точка опоры развития любой мысли. Ни один фольклорный вид передачи информации не может сравниться по уровню мастерства и развития с письменной передачей информации. Потому что при передаче информации из уст в уста преобладает центростремительная сила – желание сохранить источник, созданный предшественниками. Письменность же развивает силы центробежные – она развивает мышление людей, которое побуждает их к творческой деятельности и желание достичь еще более высоких результатов, отталкиваясь от уже созданного.

Научившись записывать звуки, люди стали их изучать и развивать язык музыки. Так возникли первые школы по изучению мелодии и гармонии при монастырях и церквах. Стали появляться все более и более сложные музыкальные композиции, в которых музыкальная мысль перестала быть короткой и повторяющейся. В таких школах тщательно изучались и обрабатывались самые лучшие напевы, когда-либо изобретенные людьми. Приходили следующие поколения, считывали то, что сделали предшественники и добавляли что-то свое. Так, от одноголосного Грегорианского хорала человечество пришло, например, к фугам, кантатам и мессам Баха, а затем сонатам и симфониям Гайдна, Моцарта и Бетховена.

Именно поэтому мысль о том, что революция музыкального мышления человечества, отразившаяся в бурном всплеске развития классической музыки в странах Европы 19 века, была преддверием революции технической кажется не такой уж невероятной. Восприятие развитого музыкального языка требует от человека сосредоточенности, способности сфокусироваться длительное время, баланса эмоционального и абстрактного восприятия, логики и чувства, развитой музыкальной памяти, а также способности мыслить творчески. Потому что развернутая музыкальная мысль, как правило, чужда навязчивой повторности и чрезвычайно динамична в своей развитии.

Состояние умственного развития человечества достигло высочайшего уровня и точнейшего баланса, что отразилось в способности людей слушать, понимать и любить симфоническую и оперную музыку. Почти каждая страна Европы того времени выдвинула гениальных композиторов, имена которых известны до сих пор: Россия - Глинка, Чайковский, Римский Корсаков, Бородин, Рахманинов, Мусоргский и многие-многие другие, Германия - Вебер, Вагнер, Мендельсон, Франция - Гуно, Бизе, Берлиоз, Финляндия - Сибелиус, Норвегия - Григ, Венгрия - Лист, Польша - Шопен, Австрия - Штраус, Чехия - Сметана. Этот список можно долго продолжать. Отношение к музыкальному языку в обществе можно назвать точнейшим барометром общего уровня умственного развития человечества.

Начиная с первой половины 20 века количество и качество произведений в серьезных жанрах пошло на убыль а к 21 веку они потеряли былую популярность вообще. Современных композиторов, сочиняющих сложные произведения серьезных жанров стало совсем немного, и широкой общественности мало знакомы имена того же Шнитке или Шенберга. Зато имена рэп-исполнителей, Бэк стрит бойз или Бритни Спирс у всех на слуху. Широкая публика больше не только не слушает, но и не интересуется симфонией или оперой. Примитивизм, краткость и повторность песни или ритмической речевки рэпа только и оказались под силу музыкально безграмотного большинства современности.

Возьму на себя смелость утверждать, что одним из самых серьезных тестов, подтверждающих умственную отсталость современного поколения является именно тест на запоминание музыкальных композиций и на восприятие серьезной музыки. Даже песни Битлз во второй половине 20 века были мелодически и гармонически более продвинутыми и более изысканными, чем современная музыка рок и поп групп. Тогда же – во второй половине 20 века - некоторые рок группы пытались поднять жанр рок музыки до уровня оперы (Иисус Христос - суперзвезда) и симфонии (Пинк Флойд, Кинг Кримсон). Затем, с усугублением музыкальной безграмотности при отсутствии мотивации учиться музыклаьной грамоте, популярная музыка стала постепенно еще более упрощаться и в настоящее время ее основные жанры – примитивнейшие куплеты, которые являлись господствующими в эпохи до развития музыкальной письменности. Более прогрессивные и развернутые жанры же серьезной музыки – такие как соната и симфония, требующие умения музыкально мыслить и выражать эти мысли развернуто и в прогрессии - уже около века создаются для очень узкого круга эстетов и непонятны большинству людей.

Многие думают, что современные популярные композиции превышают по уровню музыку прошлого, потому что судят о достоинствах музыки по ее аккустическим и техническим признакам – по мощности динамиков, качеству звукозаписи и специальным звуковым эффектам. На самом деле, если убрать технологическую «обертку» популярной музыки, то за ней оказывается совершенно примитивный и неинтересный музыкальный материал по глубине мысли ничем не отличающийся от … самых элементарных комиксов, в которых текст – это только дополнение к картинкам. Современные поколения людей в музыкальном отношении слушает исключительно «комиксы», которые не способствуют ни развитию музыкального слуха, ни обогащению духовного мира человека, ни развитию его творческих и интеллектуальных способностей.