Корпоративный стиль – жанр графического дизайна (Опыт Петера Беренса). Расцвет корпоративного дизайна начался в XX веке. Корпорации начали нуждаться в маркетинге, который доносил бы необходимую информацию без лишних слов. Корпоративный стиль (или айдентика) помогает сделать корпорацию узнаваемой и донести ее ценности через простые образы. Работа над корпоративными стилями активно началась в Америке. В 30-е годы в США приехали многие мастера типографики. Ладислав Сутнар (дизайнер из Чехословакии) стал арт-директором каталога «Sweet’s», где широко использовал инфографику, символы, таблицы и другие способы внятного донесения информации до аудитории. Алексей Бродович (фотограф) получил хороший опыт художника-оформителя во Франции, а с 1934 года был дизайнером журнала «Harper’s BAZAAR». Он произвёл революцию в свободной верстке. В XX веке приемы Бродовича стали стандартными в журнальной верстке.

Гербер Мэттер (графический дизайнер из Швейцарии) в 36-м году переехал в Нью-Йорк и работал на Бродовича. Гербер Мэттер был консультантом по дизайну мебельной компании «KNOLL», сделав фирменный стиль компании. В 56-м году он работал над стилем железнодорожного перевозчика «New Heaven Railroad», разработав логотип и несколько вариантов раскраски локомотивов. В логотипах он использует брусковый шрифт (засечки имеют форму брусков).

Корпоративный стиль CBS

Айдентика компании CBS стала уникальной, так как над ней работали штатные дизайнеры. В 1959 году арт-директором CBS стал Лу Дорфсман. Несколько лет спустя было построено новое здание компании в Нью-Йорке под руководством архитектора Эро Сааринена. Здание представляет собой гигантский небоскреб-пенал из стекла и бетона. Интерьер оформляла фирма “Knoll”, а Лу Дорфсман взял на себя все графическое оформление интерьера. Он добился того, что все надписи в здании, включая указателя пожарных выходов, были выполнены фирменными шрифтами CBS.

Корпоративный стиль IBM

Эро Сааринен строил огромные исследовательские центры для IBM в Рочестере и Нью-Йорке. Чарлз Изм (друг Эро Сааринена) достраивал павильон IBM на всемирной выставке 1954-1965 гг. в Нью-Йорке после смерти Сааринена.

Пол Рэнд – создатель логотипа IBM (один из самых высоких коэффициентов узнаваемости), один из самых известных мастеров американского корпоративного модернизма. Для IBM он делал рекламу, отчеты для акционеров.

 Постмодернистский промышленный дизайн

 (1960-1980)

Деятельность групп Superstudio, Archizoom, Alchimia, Memphis

К 60-м годам эта новая профессия утвердилась в Европе. Во многих странах открылись курсы, на которых готовили промышленных дизайнеров в самом строгом смысле этого слова. Не проектировщиков предметов, а универсальных специалистов, сотрудничающих с любыми промышленными предприятиями. Для большинства из школ образцом было Уильимская школа дизайна. Во второй половине 60-х их выпускники пришли в профессию и стали первым поколением промышленного дизайна.

Были в Европе дизайнеры, которые и раньше специализировались на предметах, не входящих в привычный круг жанров худ. Промышленности.

Француз Роже Таллон проектировал телевизоры. В Дании с 50-го года работало дизайн бюро Сигвард Бернадотт, которое проектировало радиоприемники, пластиковую посуду и открывашки. Якоб Йенсен, пока не начал работать самостоятельно, был младшим сотрудником этого бюро.

Сикстен Сасон – пионер шведского промышленного дизайна делал фотоаппараты, утюги и тд. Преподаватели Уильмской школы помимо аудиоаппаратуды проектировали автомобили и поезда.

Когда идешь по какому-нибудь музею дизайна, где экспозиция выставлена в хронологическом порядке, очень заметно, что с наступлением 60-х резко меняется характер экспозиции. В первых залах она состоит из стульев и ваз, а потом зал заполняют телевизоры, бензопилы, мотоциклетные шлемы. Кажется, что мы находимся у начала большой истории. На самом деле это ее конец.

Начало эпохи промышленного дизайна в Европе совпал с концом промышленной эры. В постиндустриальную эпоху становится актуально другое направление дизайна, сливающееся с авангардным искусством. Центром этого движения была Италия.

Это было время революций, радикальных перемен. Изменилась сама суть искусства. Какими бы значительными не были авангарды 20-30-х годов, они не изменили роль художника в обществе.

Начиная с 60-х художники смотрят на свое искусства не как на делание вещей, а как на интеллектуальную работу, меняющее общественное сознание.

Итальянский дизайн 60-х близок в своих практиках к современному искусству.

В 1957 году братья Костильоне придумали 2 стула, спроектированные наполовину. Их сидения – кресло от трактора и велосипедное седло. Использовать готовые предметы в искусстве – это авангардное течение, известное как рэди-мэйд. Братья не рассчитывали на серийное производство. Первое время их стулья выставляли в музее.

Другой предмет рэди-мэйда это светильник, сделанный из автомобильной фары. Также братья сделали другой светильник, будто из яичной скорлупы. Он функционировал иначе, чем другие светильники. Они как будто не спроектировали его, а заново изобрели.

Стремление отделить себя от традиций для авангардного искусства – своего рода традиция. Но в 60-е эта тактика приобрела новый смысл, психотерапевтический. Дизайнер, выходя за рамки традиций, деконструирует сознание в своей голове. Это акт личного раскрепощения.

В завершение своей трилогии братья создают светильник арку. Он стоит на тяжелом основании, которое почти невозможно сдвинуть в одиночку, но двое могут его передвинуть, если вставить в просверленное отверстие длинную палку и понести за нее. Светильник был спроектирован для ресторанов, где для каждого столика подразумевается индивидуальное освещение. Но если над столиком висит люстра, то его невозможно передвинуть. Это раскрепощает ресторан.

Такое подход к дизайну, как к решению проблемы, или даже умению заметить проблему там, где другие ее не видят и решить ее с юмором, с блеском, сейчас очень распространён. Причем решение проблемы совсем не должно иметь практическую ценность. Юмор важнее.