Война с Испанией. Положение Англии упрочилось после ее победы над Испанией и гибели испанской «Великой Армады» (1588), когда у Англии появилась возможность захвата новых колоний в Америке и Африке. Усиление королевской власти (абсолютной монархии). Время правления короля Генриха VIII и королевы Елизаветы I, при которой Англия стала самой сильной морской державой.

Самое яркое явление английского Возрождения – литературное, драматургическое творчество Уильяма Шекспира. (О его творчестве есть потрясающее исследование, читается как увлекательный детектив, Ильи Гилилова «Игра об Уильяме Шекспире, или Песнь о Голубе и Фениксе»).

 Роль же изобразительного искусства в английском Возрождении очень скромна; единственный жанр живописи, который получил распространение в Англии в 16 в — портрет. Портреты конца 15 в. говорят о развитии английской портретной живописи. Приезд Ганса Гольбейна Младшего в первый раз в Лондон в 1527 г. в поисках заказов доказывает, что интерес к портрету в Англии уже тогда был достаточно велик. Первым, у кого встретил поддержку великий немецкий живописец, был известный философ Томас Мор; лишь позднее, во второй свой приезд в Лондон в 1531 г., Гольбейн сделался известным при дворе короля Генриха VIII. У Гольбейна не появилось в Англии прямых учеников, но он оставил здесь великолепные реалистические портреты целого поколения, и пребывание его в этой стране не могло не отразиться на развитии ее искусства. Среди множества портретов, созданных в Англии в 16 в. английскими и приезжими мастерами, выделяются своим реалистическим характером те произведения, авторы которых развивают принципы Гольбейна. Если бы английская портретная живопись развивалась и дальше по пути реалистических поисков психологически заостренной характеристики и жизненной полноты образа, как у Гольбейна, может быть, была бы создана галерея образов людей шекспировской Англии, достойная сравнения с творениями великих драматургов того времени. Но, к сожалению, развитию этой линии живописи противостояли тенденция следования старой средневековой феодальной концепции портрета - процветал английский абсолютизм.

При королеве Елизавете в Англии работало очень много второстепенных иностранных живописцев, главным образом фламандцев (Марк Герардс Младший и другие). Свобода художников в трактовке королевских портретов была строго ограничена. Специальный указ запрещал писать королеву иначе как с установленных образцов, а образцы разрешалось делать лишь некоторым мастерам, по выбору самой Елизаветы. В придворном портрете выработался определенный канон, распространившийся на аристократический портрет вообще; он отличался статичностью композиции, безжизненностью лиц, мелочным вниманием к костюму (1,2).

1    2

Творческие искания во второй половине века более заметны в портретной миниатюре. Англия явилась страной, где эта разновидность портрета приобрела исключительно большое значение. В любопытном документе 16 в., «Трактате об искусстве портрета», приписываемом известному английскому миниатюристу Хиллиарду, говорится, что еще при дворе Генриха VIII работал целый ряд портретистов-миниатюристов. Существуют указания на то, что этот вид искусства привлек внимание Гольбейна. Последнее подтверждают собственные опыты Гольбейна в миниатюре (прекрасный портрет Анны Клевской и другие). Гольбейн сделался признанным авторитетом и в данной отрасли портретного искусства, о чем говорится в том же «Трактате», что не помешало, однако, английской миниатюре в дальнейшем оставаться очень самобытной. Об этом свидетельствует творчество двух знаменитых миниатюристов, современников Шекспира — Хиллиарда и Оливера.

Николас Хиллиард (1547—1619), сын ювелира из Эксетера, был сам золотых дел мастером, а также гравером, медальером и миниатюристом. Эта разносторонность его деятельности может объяснить, откуда в его портретах столько декоративной выдумки. Миниатюры, принадлежащие Хиллиарду, относятся к периоду между 1571 и 1616 гг. Подписанных и датированных среди них немного; исполнены они на пергаменте непрозрачными водяными красками и гуашью. Декоративный элемент, узорчатость, нарядность особенно чувствуются в тех миниатюрах, которые представляют собой довольно сложные композиции с фигурами в полный рост. При сохранении целого ряда восходящих к средневековью условностей, вроде вытянутых пропорций фигур, плоскостности изображения, отсутствия светотени, включения в качестве орнаментального мотива рыцарских доспехов, использования позолоты, произведения Хиллиарда привлекают своей красочностью, трепетным ритмом линий, вносящим движение в эти маленькие портреты, жизнерадостностью своего изобразительного строя. «Юноша среди розовых кустов». 1588; «Портрет Элис Хиллиард», жены художника. Портрет Джорджа Клиффорда, графа Камберленда. Ок. 1590 Впечатление от живописной тонкости работы мастера-миниатюриста замечательно передал Шекспир: «Художник, как паук, сплел золотую нить — ловить сердца, как мошек в паутину».

Исаак Оливер – английский художник-миниатюрист. Портрет Ричарда Сэквилла. Миниатюра. 1616 г. Лондон, музей Виктории и Альберта. (4). Женские портреты (5,6,7)

1 2    3     4

5 6 7

Билет 13.В.1. Искусство Нового времени: стиль барокко  

Баро́кко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам») – стиль в живописи, архитектуре, литературе и музыке XVII—XVIII веков.

Прошлые представления человека античности о стабильности, ясности и гармонии мира, об ограниченном пространстве и времени, ему соразмерных, которые во многом стали впоследствии идеалом Возрождения, были поколеблены новыми знаниями.

К 17 веку представления европейцев о мире расширились, великие географические открытия (Америки, первое кругосветное путешествие) и новые научно-философские представления о том, что Земля вращается вокруг Солнца, о бесконечности Вселенной – показали, как огромен и сложен мир и какая песчинка в нем человек. Мир стал пониматься как не соразмеренный человеку. Просвещенный рационализм античности и Возрождения сменяет представление об иррациональности, непознаваемости мира. Политика того времени: во Франции – абсолютная монархия, в Англии парламентская республика, кризис абсолютной монархии в Испании, маленькая Голландия стала первой в мире капиталистической страной-республикой, и выдвинулась в число наиболее развитых стран. Германия и Италия тогда еще не были едиными государствами, а оставались раздробленными на множество мелких, постоянно враждующих мини-государств.

Итальянское искусство уже не было единственным авторитетом, в других странах возникли собственные национальные художественные традиции («школы»).

В то же время сложились принципы в искусстве, общие для всех: первый – синтез искусств при главенстве архитектуры, выражение чувства нестабильности в криволинейных линиях, придание иллюзии динамики, движения архитектурным формам: вогнутые или наоборот выгнутые фасады вместо прямых: Палаццо Кариньяно в Турине, Италия (1); разорванные фронтоны: церковь Санта-Кроче-ин-Джерусалемме (chiesa di Santa Croce in Geusalemme), 17-18 вв. Рим, Италия. (2). Внутренняя конфликтность, напряжение этого стиля проявлялись в столкновении реальных физических свойств инертного материала, его твердости и тяжелой неподвижности, и стремлении создать зрительную сюрреалистическую иллюзию его мягкости или движения: статуя из мрамора «Похищение Прозерпины» Лоренцо Бернини, который стремился придать мрамору иллюзорные качества воска (3). Если готику занимало создание иллюзии дематериализации формы, то барокко – создает иллюзии иррациональные: зрительно «изменяя» истинные свойства материала на противоположные.  

 1 2 3

Возникают сложные произведения, созданные выразительными средствами нескольких видов искусства. Это дворцовые или храмовые ансамбли, где соединились архитектура, скульптура, живопись, ДПИ и элементы ландшафтного искусства.

Эпоха расцвета барокко определяется двумя веками – между концом XVI и концом XVIII веков. Барокко был зарожден в Италии и вскоре охватил большинство стран Европы и Америки (преимущественно Центральной и Южной). Главными чертами этого стиля стали напряженность, гигантизм и эмоциональная насыщенность. Сложная геометрия, неожиданные световые эффекты, разнообразие сложных узоров и пышного декора, где вогнутые пространства неожиданно сменяются выпуклыми, пришли на смену более спокойной эпохи гармонии позднего ренессанса.

Родоначальниками стиля считаются Микеланджело Буонаротти (в свой поздний период) и Виньола. Они последовательно прививали архитектуре черты барокко. Оба потрудились над зданиями Ватикана, который является одним из главных символов этого архитектурного стиля.

Весьма выразительным композиционным средством барокко стал чрезмерно увеличенный, несоразмерный человеку масштаб и самого изображения, и его основных элементов. Гигантские размеры порталов церквей, дверей и окон явно несоразмерные человеку придавали иррациональности и даже фантастичности сооружению.

Барочному стилю присуща некая театральность и даже декорационность (как декорации). Дворцовые и храмовые комплексы создавались не для частных приватных целей (личной молитвы, исповеди, или пространства для частной жизни), они в первую очередь были сценическими площадками для проведения многолюдных торжественных общественных действ – богослужений и официальных приёмов, во дворцах - пиров, балов.

Так родился стиль 17 века -  барокко (итал. «странный», «причудливый»).  Ключевая роль католической церкви: толчком для возникновения барокко послужила Реформация и ответ на нее – Контрреформация, которая и породила стиль барокко для большего эстетического воздействия на чувства прихожан церкви.

Реформация – религиозное и общественное движение против инквизиции католической церкви и римских пап. В результате родилась новая ветвь христианства – протестантство.  Его поддержало много жителей Германии, Франции, Швейцарии, Нидерландов, Англии.  Их черта – практичность, избегали украшения храмов и не признавали священных изображений. Считали, что каждый должен изучать Библию самостоятельно на родном языке, и для этого изображения (как «библия для неграмотных») излишни.

 Тогда католическая церковь начала в ответ Контрреформацию, чтобы вернуть себе верующих. Одним из ее главных средств как раз стало искусство. Грандиозные соборы и городские ансамбли, статуи и картины в стиле барокко должны были поражать воображение зрителя, ошеломлять и подчинять его чувства, утверждая власть церкви и римского папы.

От искусства требовалось создавать всё небывалое, необыкновенное. Мрамор уподоблялся мягкому воску, прямые линии в архитектуре сменили волнистые и кривые, а живопись передавала не только цвет, свет и фактуру, но и прерывистое дыхание, испарину на лбу, мозоли, кровавые раны, нежные голоса ангелов – появилась небывалая динамика, эмоциональность, чувственность. Внутреннее противоречие стиля барокко: при невероятном, порой отталкивающем натурализме деталей, с одной стороны, требовалось создание общей мистической атмосферы художественного произведения. Все это определило надуманность, неестественность – театральность художественного образа.

Черты стиля барокко: изогнутые линии, раскрепованный ордер.

Раскреповка — способ пластического тектонического членения фасада, когда колонна вместе с находящейся над ней частью антаблемента и, если есть, с пьедесталом выдвинута по отношению к стене.

Раскрепованный ордер уже был широко распространен в Древнем Риме:

Арка Константина в Древнем Риме, Италия – античность (1).

Раскреповка эпохи Барокко: Церковь Иль-Джезу в Риме архитектора Джакомо Бароцци да Виньола (2)

1 2

Декоративные элементы барокко:

картуши (от фр. cartouche – свиток) – в форме щитов и/или листов пергамента с завернутыми краями: над окном в разорванном фронтоне (1) – постепенно превращаются в рольверки (от нем. Rolle – свёрток и Werk – труд, дело) в виде полуразвёрнутого рулона бумаги с надрезанными краями(2),

продолжают использоваться маскароны (3), мотивы двойного завитка-волюты – часто применяли в украшении фасада (4,5), гирлянды, акантовые листья, ионический киматий (6) и другие декоративные элементы, известные с античности.

1 2 3

4 5

6   

В одном орнаменте барокко сочетается все:  арабески, маскароны, гирлянды, раковины, картуши, цветочные вазы, рога изобилия, музыкальные инструменты (7)

7

Известный в романский период и широко применявшийся мотив ленточного плетения (1) барокко преобразовывает в бандельверки (от нем. Band – лента, перевязь и Werk – работа) в стиле берен. Стиль получил свое название в честь француза Жана Берена (1640-1711), создавшего первые образцы гравюр в этой манере (2).

1       2

Особенно роскошно декорируются барочные интерьеры.

Здесь активно используются роспись, отделка мрамором и золочёным деревом, лепка (итал. стукко), скульптура, живописные картины и др.

Особенно хороши живописные плафоны – росписи потолка, зрительно увеличивавшие внутреннее пространство помещений.

 В эпоху барокко по-настоящему рождается функция создания интерьера как композиционно и стилистически организованного целого.

Интерьер и его элементы как настоящий синтез искусств стали играть весьма важную роль, указывая на социальный статус и материальное положение его владельца. Создаются целые ансамбли убранства помещений. Причем богатство декорирования относится в равной степени и к светским, и к церковным зданиям.

Все элементы здесь подогнаны и согласуются друг с другом: расписные стены и потолки, украшенные к тому же лепниной, формы и размеры деревянных или стукковых рам зеркал и картин, резные, расписные или позолоченные деревянные стенные панели, резные золоченые консоли с мозаичными мраморными столешницами, бронзовые канделябры и хрустальные люстры, роскошные кресла, угловые столы, постаменты для скульптуры, шкафы, украшенные инкрустацией, шпалеры - безворсовые тканые настенные ковры с сюжетными и орнаментальными композициями («гобелен») и т.д.

Живописность цветовых и световых эффектов в интерьере обеспечивалась сложностью и даже причудливостью его пространственной структуры, обилием цветного резного мрамора, лепнины, резного золочёного дерева, бронзы, хрусталя, скульптуры и живописи. Интерьеры переполнялись скульптурой, но это были не порознь стоящие фигуры, а целые большие группы, где зрителю подчас трудно было выделить отдельный персонаж, потому что каждая фигура была интересна не сама по себе, а как составной элемент целого.

Интерьер частного особняка в стиле екатерининского барокко (Россия)

Такие группы скульптур, выполненные в необыкновенно сложных ракурсах и установленные в избытке в интерьерах и экстерьерах зданий, являются одной из характерных черт стиля барокко. В результате возникало общее впечатление эмоциональной напряженности, пышности, динамизма и подвижки масс, иллюзия расширения пространства, его безграничности.

В храмовом интерьере возникает новый тип алтаря – акцент на «архитектурное обрамление», архитектурные элементы обильны, приковывают внимание наравне с живописью: Моретермар, Франция. Алтарная картина. XVII век: еще один характерный элемент – скрученные колонны (1)

1

Если в искусстве Возрождения человек считался центром вселенной, венцом творения и главным действующим лицом истории, то в 17 веке возникло другой его образ: человек – существо изменчивое (во времени, с возрастом), то слабое и трепещущее, то невероятно сильное, способное на подвиг и духовный подъем. Ему известны глубины страдания и высоты восторга. Таково и искусство барокко: оно колеблющееся, эмоциональное, страстное, от взлетов к падениям и обратно, его герои или возвышенны, или чересчур приземлены.

Стилю барокко в 17-18 вв. противостояли академизм и зарождающийся стиль классицизм (последовательно развивавшие рациональный подход в искусстве).

Барокко в Италии: Бернини, Караваджо, Болонская академия

 Италия – родина барокко. Архитектура – ведущий вид искусства.

Центр искусства барокко – Рим. П. П. Муратов писал: «Надо искать в Риме Рим античный, христианский, средневековый, Рим Возрождения. Но Рим барокко искать нечего… Все то, что определяет характер города, — его наиболее заметные здания, главные площади, оживленнейшие улицы, — все это здесь создано барокко, и все верно хранит его печать» («Образы Италии»). Главными создателями нового Рима, который невозможно представить без причудливых барочных церквей с их двухъярусными фасадами, обильными архитектурными украшениями, нишами, волютами, без площадей с колоннадами — были Бернини и Борромини.

Стиль барокко проявил себя столь же ярко в других городах Италии — во Флоренции, Венеции, Мантуе.

Церковное и дворцовое строительство. Городские ансамбли, загородные виллы с садами и парками. Стремление к грандиозности масштабов и декоративному единству целого в сочетании различных видов искусства. Возвращение к монументальной живописи в искусстве барокко. Основные идеи и тематика росписей церквей и дворцов: мистическое чудо.    

Предтечей стиля барокко в скульптуре и архитектуре считается Микеланджело Буонарроти.

Раннее барокко: архитектурные сооружения Франческо Борромини (1599-1667): церковь Сан Карло алле Куатро Фонтане (у четырех фонтанов) в Риме 1634-1667(1,2), римская церковь Сант Иво 1642-1660(3,4 купол).

1 2 3 4

Творчество Джованни Лоренцо Бернини (1598 - 1680) – гений, основоположник зрелого барокко. Характерные черты творчества мастера: масштабность и универсальность дарования, в скульптуре эффекты иррациональности: «мрамор как воск». Скульптурные произведения Бернини раннего периода: великолепнейший «Давид» 1623г с ярко выраженным характером и эмоцией (1), «Аполлон и Дафна» 1622-1625(2). Портреты Бернини: живописный «Потрет Урбана VIII» ок. 1630(3), скульптурные портреты: «Портрет Шипионе Боргезе» 1632(4), «Портрет Констанцы Буонарелли» ок. 1630-1635(5).

1 2 3 4 5

Произведения зрелого периода. Мемориальная скульптура: «Надгробие папы Урбана VIII» (1628-1647), «Надгробие Папы Александра седьмого». Знаменитая алтарная композиция «Экстаз св. Терезы» 1645-1652(1) в капелле венецианского кардинала Корнаро в римской церкви Санта-Мария-делла-Витториа. Портреты: «Портрет кардинала Ришелье» 1640-1641(2), «Портрет Людовика XIV» 1665(3), «Автопортрет» 1670-е г(4).

1 2 3 4

       Архитектурно-декоративные сооружения Бернини: убранство интерьера собора св. Петра в Риме: «бронзовый киворий» -балдахин, 1624 – 1633(1), лестница – Скала Реджа – Ватиканского дворца 1663-1666(2). Создание площади перед собором св. Петра 1656-1667 с колоннадой, символизирующей руки Бога (церкви), обнимающие мир и народ(3).  

1 2 3

Фонтаны Бернини: Фонтан «Баркаччо» 1620-е г.(1), «Фонтан Тритона» 1637(2), «Фонтан четырех рек на площади Навона» (3) 1648 – 1651 при участии Якопо Фанчелли, Антонио Раджи, Клод Пуссен, Франческо Бараттас египетским обелиском,4).

1 2 3 4

Живопись . Развитие в Италии 17 века наравне с барочным направлением классической и реалистической живописи;

       Братья Карраччи и Болонская Академия («Академия дельи инкаминати» – «Академия вступивших на правильный путь»). Возникновение академического направления в живописи. Стремление не создавать новое, а хорошо изучить удачные образцы прежнего искусства и следовать им, античным и ренессансным образцам. Как следствие – эклектика (смешение): единственный путь к возрождению искусства – это брать от каждого мастера лучшее и соединять это в новых произведениях. Начало «салонной живописи» - популярного искусства. Важное значение Болонской академии как прообраза других академий, возникших в различных европейских странах в последующие эпохи. Основатели академии Лодовико (1555-1619), Агостино (1558-1601), Аннибале (1560-1609) Карраччи.

Произведения Аннибале Карраччи: росписи паллацо Фарнезе сер. 1590-х(1). Станковые картины: «Святые жены у гроба Христа» вт. пол. 1590-х г.(2), «Бегство в Египет» 1603-1604(3), «Оплакивание Христа» ок.1605.

1 2 3

Творчество Микеланджело Меризи да Караваджо (1570-71-1610) – гений барочной живописи Италии, представитель реалистического направления. Совершил революцию в области формы и иконографии живописи.

Ранние произведения Караваджо. Введение бытовой тематики. Покровитель и спонсор: кардинал дель Монте. Главное выразительное средство у Караваджо, и затем во всей живописи барокко: контраст светотени. Караваджо писал в мастерской, где окрасил стены в черный цвет и проделал в потолке световое окно – для освещения своих моделей.

Картины-штудии на различные состояния и передачу эмоций, введение бытовой тематики и натюрморта. Натюрморты Караваджо: «Корзина фруктов» 1596(1) – все прекрасно, но карзина стоит на краю стола, некоторые фрукты и листья уже тронуты увяданием.  «Натюрморт с цветами и фруктами» 1590 (2). Античная традиция и натурализм в творчестве Караваджо. Произведения раннего периода: «Вакх» 1595-1596 (3), «Нарцисс» 1597-1609(4), «Амур-победитель» 1598-1599(5). Реализм: «Юноша, укушенный ящерицей» (ок. 1597) –одно из первых произведений, изображающих саму по себе эмоцию, в истории искусства.

1 2 3 4

Тема музыки в произведениях Караваджо: «Концерт» ок. 1594-1595(1), «Отдых на пути в Египет» ок. 1595-1596(2), «Лютнист» ок. 1595-1597(3).

1 2 3

Новые мотивы в живописи Караваджо: люди из народа, сцена народной жизни «Гадалка» ок. 1595(1) – предсказывает судьбу. Тема судьбы – одна из главных в барокко. «Игроки в карты» 1595(2). Художник подыскивал сюжеты и героев прямо на улицах города, в среде городского «дна», среди простолюдинов, он ее хорошо знал и считал своей. Это определило демократизм образов Караваджо. Особенности художественного языка: ритмическая организация световых пятен.

 Картины на библейские темы: «Кающаяся Магдалина» ок. 1596(3), «Святые Марфа и Магдалина» 1597-1598(4), «Жертвоприношение Авраама» (ок.1596, 1599); «Юдифь и Олоферн» (ок. 1596 до 1600), «Давид и Голиаф» ок. 1600(6), «Саломея» (1607).

1 2 3

4 5

Украшение капеллы Контарелли в церкви Сан Луиджи деи Франчези в Риме, которая была самая известная и посещаемая, поэтому нельзя было ее перекрыть лесами, чтобы писать фрески. Тогда Караваджо решил писать картины в технике масляной живописи огромного размера – более 3 метров. Тема судьбы в религиозных картинах: «Экстаз Святого Франциска» (1596). «Пишущий апостол Матфей, руку которого направляет ангел» (1597-1598), «Призвание Святого Матфея» 1599-1600 (1) - как сцена из современной Караваджо римской жизни: сборщик податей пересчитывает деньги в темном помещении таможни, солдаты любопытствуют. В этот момент входят Христос с апостолом Петром и указывают на Матфея, вместе с ними врывается солнечный луч (символ истины). Матфей изумлен. «Обращение Савла» (1600-1601), «Распятие апостола Петра» (1600-1601), «Трапеза в Эммаусе» (1601), «Неверие апостола Фомы» (ок. 1601-1602), «Положение во гроб» (1602-1604), «Бичевание Христа» (1607). Работа над образом Иоанна Крестителя (ок. 1600 – 1603, 1604-1606, 1609), «Усекновение главы Иоанна Крестителя» (1608). Образ Богоматери в произведениях Караваджо: картина «Мадонна с паломниками» («Мадонна пилигримов» – начало 1600-е г.), «Успение Богородицы» (1605-1606) «Мадонна с четками» (Мадонна дель Розарио») (1606-1607) и другие. Портреты кисти Караваджо: «Портрет Маффео Барберини» (ок. 1597-1598), «Портрет Алофа де Виньянкура» (1608).

1 2 3

Караваджо работал быстро, без предварительных этюдов и набросков, сразу на холсте, поэтому все изменения можно видеть сейчас под рентгеновскими лучами- под оконченными произведениями скрывается творческая кухня мастера.