Предтечей модерна в изобразительном искусстве была Англия с ее Братством Прерафаэлитов (живописью Данте Габриэля Россетти) и его последователями в Шотландии — «Школа Глазго» (англ. Glasgow School), объединившими в одну группу художников и дизайнеров (1890 по 1910).

Новый стиль начинает развиваться под лозунгом возврата к органичности, простоте и функциональности средневековья, раннего Возрождения и народного зодчества.        Художественное движение, связанное с деятельностью «прерафаэлитов», философией и эстетикой Джона Рёскина и практикой Уильяма Морриса, получает особенное распространение в прикладном искусстве и архитектуре. Уильям Моррис (англ. William Morris; 1834- 1896) — английский поэт, прозаик, художник, издатель. Крупнейший представитель второго поколения «прерафаэлитов», неофициальный лидер Движения искусств и ремёсел (1) – предтеча стиля модерн в Англии.

1 2

Моррис создавал дизайн обоев, текстиля для предметов интерьера, вдохновлённый растительными орнаментами, а Артур Макмурдо (Англия) использовал волнистые узоры в книжной графике. Его обложка для книги «Городские церкви Рена» (1883) считается первой реализацией стиля модерна в графике (1). В 1882 году Артур Макмурдо стал одним из основателей «Гильдии века» - студии по изготовлению мебели, обоев и текстиля (2,3).

1 2 3

Обри Бердслей 1872-1898 (Англия) – гений, творчество этого графика оказало влияние на развитие модерна во всех сферах: от живописи до одежды. Не смотря на то, что художник прожил всего 25 лет (умер от туберкулеза), он успел оставить обширное художественное наследие – главным образом, иллюстрации к литературным произведениям и рисунки, сделанные по заказам различных журналов. В его графике сложились многие идеи и принципы модерна: сочетал образы разных эпох и стилей, декоративность, ведущее выразительное средство – гибкая линия. Его первая крупная работа – иллюстрации к книге «Смерть Артура» Томаса Мэлори, по мотивам старинных легенд о короле Артуре и рыцарях Круглого стола(1). Контраст пустоты и наполненности, линии и пятна, влияние японского искусства (2). Декоративный рисунок. Текст оформлен с виньетками, инициалами и орнаментами.

Чарльз Ренни Макинтош (1868-1928) — шотландский архитектор, художник и дизайнер, родоначальник стиля модерн в Шотландии.

 Густав Климт 1862- 1918 — австрийский художник, один из основоположников европейского модерна, баловень судьбы. Сын ювелира, с детства выбрал художественную карьеру, получил прекрасное академическое образование в Вене и писал в соответствии с его канонами. За оформление венского театра и музея Климт в возрасте 26 лет получил императорскую награду, но вскоре возглавил бунт молодых австрийских художников против ограничений академической живописи, основав объединение Венский сецессион и журнал «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемый этим объединением, что способствовало успеху и известности.  Несмотря на язвительные насмешки критиков, Климт до самой смерти оставался любимцем публики, которая охотно раскупала все его картины. Прожил счастливую жизнь: с детства занимался любимым делом, пережил стремительный взлет популярности еще до того, как ему исполнилось 20. Никогда не нуждался в деньгах, был разборчив в выборе заказов. Художника всегда окружали восторженные поклонники, любимые женщины и боготворившие его молодые коллеги. В 1898 году в столице Австрии состоялась первая выставка Венского сецессиона. Успех был грандиозным: выставку посетили более 60 тысяч зрителей, австрийцы наконец-то получили возможность увидеть работы французских импрессионистов и венских модернистов. Густав Климт перестал брать крупные государственные заказы. Он успел накопить довольно приличную сумму денег и вполне мог позволить себе писать то, что было ему интересно. В конце 90-х годов 19 века в его творчестве начинается так называемый «золотой» период. Произведения этого периода, написанные с использованием настоящего сусального золота, стали самыми знаменитыми и дорогими работами мастера: «Поцелуй» (1), «Портрет Адели Блох-Бауэр»(2), «Бехтовеновский фриз», «Древо жизни» (2) принесли художнику наибольшую известность, позволили ему выработать и отточить собственный неподражаемый стиль и сделали Климта национальным достоянием Австрии.

Золотой период творчества. Портрет Адель Блох-Бауэр I, картина, проданная за рекордные 135 млн. долларов в 2006 (3)

1 2 3

«Древо жизни» (триптих Ожидание - Древо жизни – Свершение) –это фриз Дворца Стокле (1), панно для столовой дворца Стокле (2)

1 2

Дворец Стокле 1905—11 гг. (Бельгия) - брюссельский особняк богатого промышленника и мецената Адольфа Стокле, построенный для него по проекту главы венского сецессиона Й. Хофмана. В условиях полной творческой свободы — заказчик не ограничивал архитектора в идеях и средствах — Хофман приблизился к созданию «тотального произведения искусства». Садик вокруг особняка был также разбит и оформлен по проекту Хофмана. Здание и по сей день украшено произведениями сотрудников Венского сецессиона — Густава Климта, Коломана Мозера, Карла Отто Чешки, Рихарда Лукша, Елены Лукш-Маковской и Франца Мецнера. В доме, интерьеры которого хранят первоначальные отделку и меблировку, в разные годы бывали Кокто, Дягилев, Стравинский. Он находится в собственности потомков Стокле и закрыт для туристов. В 2009 году дом Стокле вошёл в число памятников Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Климт до этого заказа побывал в Италии в Венеции, славящейся своими золотыми мозаиками, Флоренции и Равенне, изучал мозаичную (византийскую) технику, и затем вдохновлялся итальянскими мозаиками при создании панно Дворца, где использовал сусальное золото. Византийские мозаики Венеции Базилики Сан Марко (1,2), Равенны (мозаики раннехристианской базилики Сант-Аполлинаре-Нуово и др) (3)

1    2 3

 Портреты.  Художник ни разу за всю жизнь не связал себя узами брака. Рядом с ним неизменно находились две женщины, к которым он был очень привязан. Первой была мать художника — Анна Климт, артистическая натура, после замужества и рождения семерых детей, посвятившая себя семье, а позже – своему знаменитому сыну. Она жила в его доме, заботясь, чтобы у него всегда был горячий обед и чистая одежда. Сам художник принимал это как должное, хотя никаких особенных капризов у него не было. Увлекаясь работой, он часто забывал поесть, а любой другой одежде предпочитал традиционную синюю блузу мастера. Другая женщина, привязанность к которой он пронес через всю свою жизнь, была Эмилия Флёге. Каждое лето они проводили вместе на озере Аттерзе, где Климт писал пейзажи, изредка вместе путешествовали (художник вообще редко покидал Вену) и проводили вместе все свободное время. Климт написал два портрета Эмилии. В портрете 1902 года (1) художник облачил ее в наряд со сложным орнаментальным узором в своем «фирменном» стиле, отдавая дань ее любимому делу -она была совладелицей модного дома «Сестры Флёге» и талантливым модельером. В один из периодов своего творчества Климт увлекался японской гравюрой, и это оказало влияние на его дальнейший стиль живописи. Новшества можно заметить по вертикальному формату картины, плоским элементам и квадратикам с подписью художника, которые использовались в живописи востока.

Любимым жанром Климта были пейзажи. Писал он их в основном летом во время отдыха на озере Аттерзе. Они позволяли художнику отрешиться от городской суеты и переключиться на нефигуративную живопись, и при этом сохраняли все черты узнаваемого стиля Климта. Как и большинство своих картин, Густав Климт писал их на квадратных холстах, считая, что такая форма позволяет бесконечно расширять пространство во всех направлениях (2, 3)

В последние годы художник почти полностью переключился на пейзажи. Первая мировая война повлияла на стиль Климта, сделав его полотна более мрачными и тревожными. В это время его больше интересует цвет и орнамент, нежели узнаваемые формы. Художник скончался в возрасте 55 лет от инсульта. Отношения Климта и Флёге продлились 27 лет, и, по свидетельствам очевидцев, последними словами художника после сразившего его инсульта была просьба послать за Эмилией.

Альфонс Муха 1860-1939 (Чехия, Прага) - чешский художник и дизайнер, один из ярчайших представителей модерна, виртуозно придумывал ювелирные украшения, рекламные плакаты и театральные афиши. Еще при жизни его нарекали гениальным художником, а сам модерн стали называть «стилем Мухи».

В юности какое-то время он работал в суде на скучной должности писаря, свободное время посвящая созданию декораций и афиш для любительского театра. Это увлечение позволило ему найти богатого покровителя, который оплатил обучение Мухи в Мюнхенской академии изящных искусств. В 1887 году художник переехал в Париж, где учился в двух самых престижных Академиях - Жюлиана и Академии Коларосси. Но вскоре из-за финансовых трудностей патрон Мухи граф Куэн-Беласси больше не мог снабжать его деньгами, и молодой художник вынужден был выбирать между покупками еды или красок. Он хватался за любую работу: рисовал визитные карточки и приглашения, рекламные плакаты и афиши, меню для ресторанов и этикетки. Так продолжалось до конца 1893 года, пока под Рождество знаменитая актриса Сара Бернар ни решила вдруг возобновить демонстрацию спектакля «Жисмонда» (1), для чего было необходимо срочно изготовить новые афиши. Единственным художником в мастерской в праздничные дни, куда заглянула знаменитость, был Альфонс Муха, и он охотно согласился выполнить заказ. Сара Бернар была в таком восторге от его работы, что заключила сразу шестилетний контракт. Эта встреча мгновенно сделала Муху знаменитым. Годы сотрудничества с Сарой Бернар стали началом самого плодотворного периода в творчестве художника. Кроме афиш к спектаклям актрисы («Дама с камелиями», 1896 (2); «Медея», 1898; «Гамлет», 1899) он создал театральные декорации, эскизы костюмов, украшений. Дружил с Полем Гогеном. Работал над обложками и иллюстрациями для журнала, над дизайном интерьеров и разнообразных этикеток, рекламными плакатами (3). И при этом, у него еще остается время для того, чтобы создавать портреты «для души». В этот период Альфонс Муха создает свои знаменитые циклы портретов: «Времена года»(4)

1 2 3 4

Серия «Драгоценные камни» (1),  серия «Луна и Звезды»(2) и «Цветы».

1 2

В это время его женой стала Мария Хитилова, приехавшая в Париж из Праги в 1903 г.

Но с начала 20 века популярность модерна начала иссякать. Художник по совету Сары Бернар отправляется в Штаты. Там он получил заказ на большую серию картин- грандиозную живописную «Славянскую эпопею» (20 картин размером 6×8 метров). Момент прибытия Мухи New York Daily News отметила специальным выпуском на семи страницах. Благодаря финансовой поддержке Муха наконец-то смог вернуться в родную Чехию и приступил к работе над циклом из двадцати громадных полотен, которая заняла около двадцати лет.

Половину работ художник посвятил Чехии, а остальные — другим славянским культурам и знаковым событиям в их истории. Он завершил серию картин «Славянская эпопея» в 1928 году и подарил ее Праге. В 1937 году картины были спрятаны от нацистов, и долгое время никто не знал, где они находятся. Полотна обнаружили только спустя 25 лет. С 1963 года они выставляются в замке Моравский Крумлов. В марте 1939 года нацисты захватили Прагу. Альфонс Муха, который был широко известен своим патриотизмом и даже разрабатывал, как сказали бы сейчас, «фирменный стиль» независимой Чехии, был включен в список врагов Третьего Рейха. 78-летнего художника несколько раз арестовывали и подвергали допросам. Все это окончательно подорвало и без того слабое здоровье старика, но умер он дома, в объятиях любимой жены.

 ДПИ модерна:

знаменитые мастера Эмиль Галле (Франция) – стекло и керамика (1), мебель;

абсолютный гений в ювелирном искусстве - Рене Лалик (Франция), красота невозможная;

Луис Комфорт Тиффани (США) – витражное стекло  

(в примерах-у всех обыграна тема стрекоз). Всех стоит рассматривать в высоком разрешении

1 2 3